Серге́й Миха́йлович Эйзенште́йн (10 (22) января 1898, Рига — 11 февраля 1948, Москва) — советский режиссёр, сценарист, теоретик кино и педагог, заслуженный деятель искусств РСФСР (1935), доктор искусствоведения, лауреат двух Сталинских премий первой степени (1941,1946).
Детство и юность Родился в семье инженера и архитектора, с 1917 года действительного статского советника, Михаила Осиповича Эйзенштейна (1867—1921) и Юлии Ивановны (урождённой Конецкой), дочери состоятельного купца.
Эйзенштейн с детства изучал три иностранных языка. В 1909 году родители развелись, и по решению суда мальчик остался с отцом. Окончил Рижское реальное училище, учился в Петроградском институте гражданских инженеров. Весной 1918 года Эйзенштейн вступил добровольцем в Красную армию.
В 1920 году Эйзенштейна направили в Академию Генерального штаба, где он учился на восточном отделении (японский язык). Эйзенштейн поступил художником в Первый рабочий театр Пролеткульта. В 1921—1922 годах обучался в Государственных высших режиссёрских мастерских (ГВЫРМ) под руководством Всеволода Мейерхольда. Был режиссёром театра Пролеткульта («Мексиканец», «Слышишь, Москва», «Противогазы», «Мудрец»), преподавал различные дисциплины. Эйзенштейн тесно сотрудничал с группой Владимира Маяковского, в его журнале «ЛЕФ» в 1923 году опубликовал свой творческий манифест «Монтаж аттракционов».
Стачка В 1924 году Эйзенштейн снимает полнометражный фильм «Стачка», который получает в 1925 году на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже серебряную медаль.
Броненосец Потёмкин Комиссия Президиума ЦИК СССР поручает Эйзенштейну постановку эпопеи «1905 год». В связи со сжатыми сроками Эйзенштейн сокращает замысел до эпизода восстания моряков на броненосце «Князь Потёмкин Таврический». Картину показали 24 декабря 1925 года в Большом театре на торжественном заседании в честь 20-летия революции 1905 года. В 1952 году в списке десяти лучших фильмов всех времён и народов, составленном 58 кинорежиссёрами Европы и Америки по предложению Бельгийской Синематеки, «Броненосец „Потёмкин“» занял первое место.
Октябрь В 1927 году Эйзенштейн снял фильм «Октябрь», в котором впервые в художественном кино показан образ Ленина (в исполнении рабочего Никандрова).
Командировка за рубеж В октябре 1928 года Эйзенштейн вместе со своей съёмочной группой, куда входили Григорий Александров и оператор Эдуард Тиссэ, отправился в путешествие за рубеж с целью изучения западного опыта. Это была официальная поездка, целью которой было дать возможность Эйзенштейну и его съемочной группе больше узнать о звуковом кино, а так же лично представить капиталистическому западу известных советских артистов. Последующие 2 года Эйзенштейн много путешествовал и выступал по берлинскому радио, читал лекции в Гамбурге, Берлине, Лондоне и Кембриджском университете, Антверпене, Амстердаме, сделал доклад «Интеллектуальное кино» в Брюссельском университете. В Швейцарии в 1929 году Эйзенштейн выступал в качестве консультанта образовательного документального фильма об абортах, режиссером которого был Эдуард Тиссэ. Фильм вышел под названием «Frauennot - Frauenglück» («Горе и радость женщины»)
В 1930 году он заключил контракт с кинокомпанией Paramount Pictures на экранизацию романа Теодора Драйзера «Американская трагедия». Вместе с Айвором Монтегю и Григорием Александровым при содействии Драйзера начал работу над сценарием. Через месяц Paramaunt отказалась от его сценария.
С помощью писателя Эптона Синклера Эйзенштейн приступил к съёмкам фильма «Да здравствует Мексика!». Однако после того, как было отснято 75 тысяч метров, Сталин направил ему телеграмму с предложением вернуться в СССР.
После возвращения в 1932 году Эйзенштейн занялся научной и педагогической деятельностью, стал заведующим кафедрой режиссуры Государственного института кинематографии, в 1935 году получил звание заслуженного деятеля искусств РСФСР. Эйзенштейн писал статьи, составил проект программы по теории и практике режиссуры, на основе прочитанных лекций начал собирать книгу «Режиссура».
Бежин луг Весной 1935 года Эйзенштейн начал работать над сценарием «Бежин луг». Сценарий к фильму был написан драматургом, бывшим чекистом Александром Георгиевичем Ржешевским. Сюжетом фильма была коллективизация сельского хозяйства, сочетавшая радужные и трагические краски и опиравшаяся на историю Павлика Морозова.
Первый вариант фильма, просмотренный в незаконченном виде, в отсутствие самого Эйзенштейна (который был болен) был подвергнут резкой критике. Эйзенштейн был вынужден переработать фильм, он переписал сценарий, заменил нескольких актёров и вместо сцены разгрома церкви («преображения в клуб»), вызвавшей наибольшую критику, он ввел динамическую сцену борьбы с пожаром. Тем не менее, в 1937 году по идеологическим соображениям приказом по Главному управлению кинематографии работа была прекращена. Съёмка была приостановлена после просмотра в черновом монтаже в Главном Управлении кинематографии, а отснятый материал был забракован. По словам Эйзенштейна, до завершения двухлетних съёмок ему тогда не хватало 11 дней. В качестве репрессивной меры режиссёр был отлучён от преподавательской деятельности (восстановлен после съёмок фильма «Александр Невский»), а сам фильм смыт. Позднее единственный экземпляр фильма сгорел при бомбежке Мосфильма во время Второй мировой войны. От фильма остались обрезки пленки, черновики, фотографии и планы, из которых позже был составлен фотофильм.
Александр Невский С 1941 по 1946 год режиссёр снимал фильм «Иван Грозный». Съёмки начались в Москве, затем, после эвакуации студии «Мосфильм» в 1942 году, были продолжены в Алма-Ате. Главную роль сыграл Николай Черкасов. Картина вышла на экраны в начале 1945 года. За первую серию он получил Сталинскую премию первой степени , вторая серия была запрещена и вышла в 1958 году; съемки третьей прекращены. В годы войны участвовал в деятельности Еврейского антифашистского комитета, принял участие в съёмках пропагандистского короткометражного фильма на английском языке «To the Jews of the World» (К евреям мира) и в радиопрограмме «To Brother Jews of All the World» (К братьям евреям всего мира, июль 1941), в которых призывал англоязычных евреев к единству в борьбе с фашизмом.
Профессор ВГИКа, автор фундаментальных работ по теории кино.
Режиссёрские работы 1. 1923 — Дневник Глумова 2. 1924 — Стачка («Чертово гнездо», «История стачки») 3. 1925 — Броненосец «Потёмкин» («1905 год») 4. 1927 — Октябрь (название замысла: «Десять дней, которые потрясли мир») 5. 1929 — Штурм Ля Сарраса/The Storming of La Sarraz (в соавторстве с Айвором Монтагу и Гансом Рихтером) 6. 1929 — Старое и новое («Генеральная линия») 7. 1930 — Сентиментальный романс / Le Romance sentimentale 8. 1931 — документальный фильм о Мексике «Землетрясение в Оахаке» 9. 1931 — незаконченный фильм «Да здравствует Мексика!» (в 1979 году доработан Г.Александровым) 10. 1933 — Эйзенштейн в Мексике/Eisenstein in Mexico (документальный) 11. 1933 — Буря над Мехико 12. 1934 — День смерти/Death Day (короткометражный) 13. 1935—37 — Бежин луг (уничтоженная картина, восстановлена в качестве фотофильма Н. И. Клейманом и С. И. Юткевичем) 14. 1938 — Александр Невский 15. 1940 — Время на Солнце/Time in The Sun (документальный; в соавторстве с Григорием Александровым) 16. 1941 — Мексиканская симфония/Mexican Symphony 17. 1941 — Свободная земля/Land of Freedom 18. 1941 — Идол надежды/Idol of Hope 19. 1941 — Обретение креста/Conquering of Cross 20. 1941 — Семена Свободы/Seeds of Freedom (в соавторстве с Гансом Бюргером) 21. 1944 — Иван Грозный (1-я серия) 22. 1945 — Иван Грозный (2-я серия, сказ второй — «Боярский заговор») 23. 1946 — Иван Грозный (неоконченный, 3-я серия) 24. 1998 — Мексиканская фантазия (Олег Ковалов — режиссерская разработка)
Сценарные работы 1. 1924 - Стачка («Чертово гнездо», «История стачки») 2. 1927 - Октябрь («Десять дней, которые потрясли мир») 3. 1929 - Старое и новое («Генеральная линия») 4. 1935 -1937 — Бежин луг 5. 1938 - Александр Невский 6. 1944 - Иван Грозный (1-я серия) 7. 1945 - Иван Грозный (2-я серия, сказ второй — «Боярский заговор») 8. 1946 - Иван Грозный (неоконченный, 3-я серия)
Награды и премии * Сталинская премия первой степени (1941); за фильм "Александр Невский" (1938) * Сталинская премия первой степени (1946); за 1-ю серию фильма "Иван Грозный" (1944) * заслуженный деятель искусств РСФСР (1935)
Григорий Васильевич Александров (настоящая фамилия Мормоненко) (10 (23) января 1903, Екатеринбург — 16 декабря 1983, Москва) — советский кинорежиссёр, актёр, сценарист, Народный артист СССР (1948), дважды лауреат Сталинской премии первой степени(1941, 1950), Герой Социалистического Труда(1973)[1]. Член КПСС с 1954 года.
Биография Александров родился в семье уральского горнорабочего, начал свою трудовую деятельность с девяти лет.
С 1912 работал рассыльным в Екатеринбургском оперном театре, затем занимал должности помощника реквизитора, электротехника, помощника режиссёра.
1917 — Закончил Екатеринбургскую музыкальную школу (по классу скрипки)
1920 — Закончил режиссёрские курсы Рабоче-крестьянского театра при губнаробразе и был назначен инструктором отдела искусств Губобразнадзора. Осуществлял контроль за репертуаром кинотеатров, в том числе занимается монтажом и переделкой старых фильмов, приспосабливая их под новую идеологию.
1921 — Работает актёром Московского первого рабочего театра Пролеткульта. Знакомится с Сергеем Эйзенштейном. Вместе они участвуют в создании нескольких спектаклей. Александров играет роль Глумова в поставленном Эйзенштейном новаторском, экспериментальном спектакле «Мудрец» по мотивам пьесы А. Н. Островского «На всякого мудреца довольно простоты». В спектакле были использованы цирковые трюки и эксцентрика.
1924 — Участвует в работе над сценарием и помогает Эйзенштейну в его первых фильмах «Стачка» (1925), «Броненосец Потёмкин» (1925), снимается в них как актёр.
1927 — Выступает как соавтор сценариев и сопостановщик историко-революционного фильма Энзенштейна «Октябрь» и фильма «Старое и новое» (1929).
C 1929 по 1932 совместно с Эйзенштейном и оператором Э. К. Тиссе работает в США, где обучается мастерству у своих коллег в Голливуде.
1932 — вместе с Эйзенштейном (на средства писателя Э. Синклера) во время поездки в Мексику снимает фильм «Да здравствует Мексика!» (не был закончен). В 1979 году Александров из отснятого материала всё же смонтировал этот фильм, который на Московском международном кинофестивале получил почётный приз «За выдающееся и непреходящее значение для развития мирового киноискусства».
1932 — возвращается в СССР и по личному приказу И. В. Сталина снимает фильм «Интернационал».
1933 — встречается на даче у М. Горького со Сталиным. Вождь поручает создать для советского зрителя комедию.
1934 — Заканчивает съёмки музыкального фильма «Весёлые ребята» с Л. Утёсовым и своей женой Л. Орловой в главных ролях. Критика встретила фильм в штыки, считая, что в нём недостаточно «революционного пафоса», Наркомат просвещения РСФСР запретил картину. Вмешался Максим Горький. Он помог организовать просмотр новой кинокомедии членами Политбюро и добился одобрения Сталина, отменившего запрет. Фильм имел огромный успех. В этой музыкальной комедии режиссёр соединил эксцентрические и цирковые трюки, приёмы мюзик-холла и оперетты. С «Весёлых ребят» начался «звёздный» путь актрисы Л. Орловой и дебютантов в кино композитора Исаака Дунаевского, поэта В. Лебедева-Кумача. Песня «Марш весёлых ребят», прозвучавшая в кинофильме, стала тогда одной из самых популярных песен среди народа. Картина имела успех и за рубежом (под названием «Москва смеётся»), удостоившись приза Венецианского кинофестиваля (1934). Ч. Чаплин восторженно отозвался об этом фильме: «Александров открыл для Америки новую Россию. Это большая победа».
1936 — снимает фильм «Цирк», в основу которого был положен сценарий И. Ильфа, Е. Петрова и В. Катаева (сценарий был сильно переделан Александровым, авторы отказались от своей подписи). В этом фильме Александров резко усилил идеологический акцент, ставя во главу угла преимущества советского образа жизни перед западным. В финале этой оптимистической кинокартины прозвучала ставшая общенародной «Песня о Родине» («Широка страна моя родная»). Фильм удостоен Высшей премии на Международной выставке в Париже (1937).
1936 — по личному поручению Сталина снимает и монтирует фильм «Доклад товарища Сталина о проекте Конституции СССР на Чрезвычайном VIII съезде Советов».
1938 — выпускает комедию «Волга-Волга», имеющую оглушительный успех. Роль почтальона Стрелки, простой талантливой девушки, великолепно сыграла Л. П. Орлова. Нарицательным персонажем сделался бюрократ Бывалов в остром, сатирическом исполнении И. В. Ильинского. В 1941 году за фильмы «Цирк» и «Волга — Волга» Г. В. Александров удостоен Сталинской премии первой степени .
1940 — выходит фильм «Светлый путь», показывающий счастливую жизнь в СССР и широкие возможности для советского человека. Жанр музыкальной комедии Г. В. Александров продолжил и в фильме «Весна» (1947). В музыкальных фильмах режиссёр привлекал многомилионного зрителя добрым юмором, неиссякаемой энергией положительных героев, свежестью и доступностью музыкальных решений. В 1949 году снял фильм «Встреча на Эльбе» ; Сталинская премия первой степени (1950) .
С 1951 по 1957 — художественный руководитель режиссёрского курса во ВГИКе.
1973 — снимает свой последний художественный фильм «Скворец и Лира», который так и не вышел на экраны.
1983 — снял документальный фильм о своей жене «Любовь Орлова».
1976 — книга воспоминаний «Эпоха и кино».
1979 — на базе материалов, снятых группой Эйзенштейна, смонтировал фильм «Да здравствует Мексика!». Приз Московского международного кинофестиваля.
16 декабря 1983 — Александров умирает от инфекции в почках в Кремлевской больнице, куда его положили на обследование.
Фильмография * 1925 — Броненосец Потёмкин (сорежиссёр) * 1927 — Октябрь (сорежиссёр) * 1929 — Старое и новое * 1930 — Спящая красавица (фильм, 1930) (сценарий) * 1930 — Сентиментальный романс / Le Romance sentimentale * 1932 — Интернационал * 1934 — Весёлые ребята * 1936 — Цирк * 1937 — Доклад тов. Сталина о проекте Конституции СССР на VII Чрезвычайном Съезде Советов * 1938 — Волга-Волга; * 1938 — Первое мая * 1940 — Светлый путь * 1940 — Время на солнце (документальный) * 1943 — Одна семья * 1944 — Каспийские люди * 1947 — Весна * 1949 — Встреча на Эльбе; * 1952 — Композитор Глинка * 1958 — Человек человеку * 1960 — Русский сувенир * 1965 — Перед Октябрём * 1965 — Ленин в Швейцарии ТВ * 1974 — Скворец и Лира * 1979 — Да здравствует Мексика! * 1983 — Любовь Орлова (документальный)
Награды и премии * Сталинская премия первой степени (1941) — за фильмы «Цирк» (1936) и «Волга—Волга» (1938) * Сталинская премия первой степени (1950) — за фильм «Встреча на Эльбе» (1949) * народный артист СССР (1948) * Герой Социалистического Труда (1973)
Эдуард Казимирович Тиссэ (латыш. Eduards Tis; 1 (13) ноября 1897, Лиепая — 18 ноября 1961, Москва) — советский оператор.
Биография Учился в частной студии живописи и фотографии в Лиепае. С 1914 года — оператор кинохроники. Снимал первые латышские документальные и хроникальные фильмы. В 1916—1918 годах — военный кинооператор Скобелевского кинокомитета. В 1919—1923 годах снимал важнейшие события Гражданской войны (Урал, Сибирь, Крым) как оператор Всероссийского кинофотоотдела, затем Кинокомитета и Госкино. Также снимал и монтировал документальные и научно-популярные фильмы.
В 1924 году встретился с Сергеем Эйзенштейном на фильме «Стачка», в дальнейшем был оператором всех его фильмов. Снимал также с Григорием Александровым и другими режиссёрами. В 1931—1932 годах вместе с Эйзенштейном и Александровым был за рубежом в связи с изучением техники звукового кино и съёмками фильма «Да здравствует Мексика!». С 1921 года преподавал операторское мастерство в Госкиношколе (ныне — ВГИК), с 1943 года — профессор.
Член КПСС с 1940 года. Его снимки В. И. Ленина вошли в документальный фильм «Владимир Ильич Ленин» (1949).
В 1956 году вместе З. Аграненко поставил фильм «Бессмертный гарнизон».
Умер 18 ноября 1961 года, похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище (8 участок).
Достижения * 1935 — Заслуженный деятель искусств РСФСР * 1939 — Орден Трудового Красного Знамени * 1946 — МКФ в Локарно (Приз за лучшую операторскую работу, фильм «Иван Грозный». 1-я серия.) * 1946 — Сталинская премия (I степени, фильм «Иван Грозный». 1-я серия.) * 1947 — Заслуженный деятель искусств Латвийской ССР * 1949 — Сталинская премия (фильм «Владимир Ильич Ленин») * 1950 — Сталинская премия (I степени, фильм «Встреча на Эльбе») * 1956 — МКФ в Венеции (Почётный диплом, фильм «Бессмертный гарнизон»)
Фильмография
Оператор * 1918 — Сигнал (среднеметражный, Россия; совместно с И. Дорэдом) * 1920 — На мужицкой земле (Россия) * 1920 — Так быть не должно (Россия) * 1921 — Голод… голод… голод (короткометражный, Россия) * 1921 — Серп и молот (среднеметражный, Россия) * 1924 — Кремль в прошлом и настоящем (документальный, СССР) * 1924 — Старец Василий Грязнов (среднеметражный, СССР) * 1924 — Стачка (СССР) совместно с В. Хватовым * 1924 — Тёплая компания (СССР; совместно с А. Рылло) * 1925 — Броненосец «Потёмкин» (СССР) * 1925 — Еврейское счастье (СССР; совместно с В. Хватовым, И. Струковым) * 1925 — Золотой запас (СССР) * 1925 — Лицом к селу (СССР; совместно с П. Новицким) * 1925 — Медвежья свадьба (СССР) — оператор пролога * 1928 — Октябрь (СССР) * 1929 — Старое и новое (СССР; совместно с В. Поповым) * 1930 — Горе и радость женщины (короткометражный, Швейцария) * 1930 — Москва — Кара-кум — Москва (документальный, СССР, совместно с Р. Карменом) * 1930 — Сентиментальный романс / Le Romance sentimentale * 1931 — Землетрясение в Оахаке (документальный, Мексика) * 1932 — Да здравствует Мексика! (Мексика) * 1935 — Аэроград (СССР; совместно с М. Гиндиным, Н. Смирновым) * 1937 — Бежин луг (СССР, неокончен) * 1937 — Страна Советов (монтажный, СССР) * 1938 — Александр Невский (СССР) * 1940 — Бессарабия (документальный, СССР) * 1945 — Иван Грозный. 1-я серия (СССР) — оператор натурных съёмок * 1946 — В горах Югославии (СССР/СФЮР) * 1946 — Иван Грозный. 2-я серия (СССР) — оператор натурных съёмок * 1946 — Иван Грозный. 3-я серия (СССР) — оператор натурных съёмок * 1948 — Возвращение с победой (СССР) * 1949 — Владимир Ильич Ленин (документальный, СССР) * 1949 — Встреча на Эльбе (СССР) * 1952 — Композитор Глинка (СССР) * 1953 — Серебристая пыль (СССР) * 1956 — Бессмертный гарнизон (СССР)
Актёр
* 1928 — Октябрь (СССР) — немец
Режиссёр
* 1930 — Москва — Кара-кум — Москва (документальный, СССР, совместно с Р. Карменом и М. Гоморовым) * 1956 — Бессмертный гарнизон (СССР, совместно с З. Аграненко
Александр Петрович Довженко всю жизнь считал (и писал), что родился 30 августа (11 сентября) 1894 года в селе Вьюница, которое было предместьем маленького уездного городка Сосницы Черниговской губернии. Дотошные биографы докопались, что родился он накануне, а 30 августа — день его крещения.
Он рос в бедной семье. Отец, Петр Семенович, имел семь десятин худородной земли, кроме того, подрабатывал извозом и смолокурением. Горе гостило в семье постоянно. Из четырнадцати детей остались жить только двое Александр и Прасковья.
Довженко закончил приходское училище, а затем Сосницкое городское училище, считавшееся «высшим начальным». Учился он легко. Сашко очень нравилось читать и рисовать.
Для того чтобы поступить в институт, нужны были деньги. Отец пошел на большую жертву, продал одну из семи десятин кормившей семью земли. В 1911 году Александр поступает в Глуховский учительский институт (Черниговская губерния). Окончив его в 1914 году, Довженко получает назначение в Житомирское высшее начальное училище. Первая мировая война его обходит стороной доктора нашли, что у него больное сердце.
Время было бурное, переломное. Довженко увлекается националистическими лозунгами Семена Петлюры.
Осенью 1917 года Довженко переезжает в Киев, где поступает в Коммерческий институт. Он также становится вольнослушателем на естественном факультете университета. А когда открывается Академия художеств, то Довженко поступает и туда.
После установления советской власти Довженко работает в Киеве в должности секретаря губернского отдела народного образования, одновременно ему поручают заведование отделом искусств, комиссарство в Театре имени Шевченко, организацию профсоюза работников просвещения и т.д. Вскоре он переходит на дипломатическую работу и служит в Варне и в Берлине.
В августе 1923 года он возвращается в Харьков, где работает преимущественно как художник, оформляя книги и обложки журналов. В это время он много пишет. Его статьи по искусству 20-х годов остры по мыслям и хороши по стилю.
Александр заинтересовался новаторским театром «Березиль», стал часто появляться за кулисами, познакомился с Лесем Курбасом и, говорят, едва не решил стать театральным режиссером.
Летом 1926 года Довженко неожиданно для многих отправляется в Одессу, где начинает учиться кинопроизводству.
В 1928 году Довженко снимает полнометражный фильм «Звенигора», в котором причудливо переплетались эпизоды украинской истории со сценами Гражданской войны. «Бесспорным достоинством сценария «Звенигора» было использование приемов сказки в композиции. Свободная, новаторская форма «Звенигоры» намного опережала свое время, — пишет биограф Р. Соболев. — В сущности, с такой раскованностью распоряжаться временем и пространством, как это делал Довженко в 1928 году, кинематографисты осмелились только через тридцать с лишним лет». Создание «Звенигоры» означало рождение украинского кино как искусства. Позже режиссер скажет «Я не сделал картину, а пропел ее, как птица. Мне хотелось раздвинуть рамки экрана, уйти от шаблонной повествовательности и заговорить языком больших обобщений».
Следующий фильм «Арсенал» (1929) принес Довженко громкую, поистине мировую славу. Довженко сам написал сценарий этой картины о восстании киевских рабочих. «В «Арсенале» я в условиях тогдашней украинской обстановки выходил в первую очередь как политический боец, — говорил режиссер. — Я поставил себе две цели я в «Арсенале» буду громить украинский национализм и шовинизм, с другой стороны, буду поэтом и певцом рабочего класса Украины, совершившего социальную революцию».
Во время работы над «Арсеналом» Довженко познакомился с актрисой Юлией Солнцевой. Это была любовь с первого взгляда. Вскоре он предложил ей руку и сердце.
Любовь вдохновляет. Довженко писал о съемках «Арсенала» «Это было творчество радостное, легкое и, казалось, бездонное. У меня была крылатая душа, и ум, и сердце. Все гармонично сочеталось во мне, и творчество мое радовало людей. И сам я радовал людей своим видом и характером». Эйзенштейн рассказывал, как он, Пудовкин и Довженко втроем отмечали выход «Арсенала» пили минеральную воду, ели бутерброды и разговаривали. Между прочим распределили роли великих художников прошлого Эйзенштейну, конечно, выпала роль Леонардо да Винчи, Пудовкину — Рафаэля, а Довженко — Микеланджело...
Украинский режиссер был увлечен современной темой. Он создает «Землю» (1929) — поэтический гимн преобразованию советской деревни. Сюжет «Земли» легко пересказать. Кулаки убивают вожака «сознательной» молодежи Василия, но ответом на это убийство становится вступление в колхоз даже самых упрямых единоличников. Но как рассказать о красоте «Земли» Вот что писал об этом фильме известный искусствовед Ростислав Юренев «От руки убийц падает молодой тракторист. Он умирает, ликуя от предощущения грядущей новой жизни — счастливой, справедливой. Хоронить убитого выходит все село. Мощная новая песня летит над колышащимся морем пшеницы, преследует, загоняет в землю обезумевшего от злобы и страха кулака. На сады и нивы проливаются теплые, плодотворные дожди. Женщина рожает ребенка. Новое — неотвратимо, как смена времен года, сказал Довженко своим философским, поэтическим фильмом».
«Земля» снималась в большом селе Яреськи, расположенном на реке Псёл. Почти все в съемочной группе Довженко были не только его единомышленниками, но и знатоками народной жизни. Говорят, что после окончания съемок жители Яресек предложили режиссеру стать председателем организуемого ими колхоза.
Картина оказалась настолько необычным по форме произведением, что многие просто не поняли ее. Более того, прозвучали обвинения в недостаточном показе роли компартии, в неточности политических оценок. Пролетарский поэт Демьян Бедный встретил выход «Земли» едким фельетоном «Философы», назвав ее «контрреволюционной, похабной» картиной. «Я был так потрясен этим фельетоном, — напишет Довженко в «Автобиографии», — мне было так стыдно ходить по улицам Москвы, что я буквально поседел и постарел за несколько дней. Это была подлинная психологическая травма». В дневнике Довженко, опубликованном после его смерти, есть запись, помеченная 14 апреля 1945 года «Недавно в кремлевской больнице престарелый Демьян Бедный встретил меня и говорит «Не знаю, забыл уже, за что я тогда выругал вашу «Землю». Но скажу вам — ни до, ни после я такой картины уже не видел. Это было произведение поистине великого искусства».
Как большинство гениальных художников, Довженко был «неудобным» человеком. Некоторые считали его гордым и самолюбивым. В этом плане любопытно свидетельство режиссера С. Герасимова «Его борьба за красоту в окружающей жизни была необыкновенно яростной. Как он бледнел от полемической страсти, схватываясь с уродливым явлением в жизни, будь то подхалимство, равнодушие, грубость, хамство. Когда на улице появлялся уродливый дом, это было для него трагедией...»
В 1958 году на Брюссельском кинофестивале (в рамках Международной выставки) вместе с «Броненосцем «Потемкиным» Эйзенштейна и «Матерью» Пудовкина «Земля» вошла в число двенадцати лучших фильмов всех времен и народов. Вернувшись на родину из заграничной командировки (Довженко показывал «Землю» в Европе), режиссер взялся за тему индустриализации, которую предложило ему руководство «Украинфильма».
Символом и важнейшей стройкой не только Украины, но всего Советского Союза был Днепрогэс. Его-то и сделает Довженко местом действия своего фильма. Сценарий он напишет за двенадцать дней и практически без подготовительного периода начнет снимать. Результатом станет «Иван», самый спорный фильм Довженко, отнявший у него четырнадцать месяцев жизни.
На Украине «Ивана» встретили неприязненно, и режиссер был вынужден переехать в Москву, чтобы, по собственному признанию, не чувствовать себя одиозной фигурой. Между тем на Первом венецианском международном кинофестивале 1932 года «Ивану» был оказан восторженный прием. Вот один из отзывов итальянской прессы «Нам стало ясно, что мы еще не знали до сих пор, что такое гений кинематографии, могущий выдержать сравнение с гениальными музыкантами и представителями других смежных искусств... Довженко доказывает нам, каким великим может быть экран, когда он освещен мыслью гениального художника».
Оказавшись в Москве, Довженко поступает режиссером на «Мосфильм», тогда еще студию «Союзкино», на Потылихе. В начале 1933 года Довженко подает заявку на фильм о Дальнем Востоке, оговаривая, что сценарий напишет с Александром Фадеевым, с которым был дружен. Заявку утвердили.
Довженко, Юлия Солнцева и Фадеев четыре месяца провели на Дальнем Востоке. Режиссер мечтает о новом городе на берегу Тихого океана, которому находит место и имя Аэроград. Позже Александр Петрович со страстью говорил о новом городе членам Политбюро и даже самому Сталину. Во время аудиенции Сталин попросил режиссера показать на карте место, где бы он построил город. «Одним словом, — пишет Довженко, — я почувствовал, что любая помощь для окончания фильма мне обеспечена».
Сталину фильм понравился, и в январе 1935 года Довженко был награжден орденом Ленина. На встрече членов Политбюро с кинематографистами Сталин бросает реплику в сторону Довженко «За ним долг — «украинский Чапаев».
На студии целая группа собирала материалы биографии военачальника и партийного деятеля Николая Щорса — «украинского Чапаева». Вскоре на стол режиссера легли тридцать восемь объемных папок с разными документами. Сценарий Довженко написал за одиннадцать месяцев. «Щорсу» отдал я весь свой жизненный опыт, — отмечал режиссер. — Все накопленные за двадцать лет работы знания нашли в этом фильме свое полное выражение. Я делал его с любовью и предельным напряжением всех своих сил». Фильм вышел на экраны в 1939 году, а в 1941-м режиссер получил за него Сталинскую премию первой степени.
«Щорс» был украинским революционным эпосом. Напряженность борьбы в нем раскрывалась через яркие живые образы, во многом необычные для стиля Довженко. Все действующие лица кажутся предельно жизненно достоверными.
Несмотря на усталость и недавно перенесенную болезнь сердца, Довженко не собирался отдыхать. Он первым из мастеров кино надел военную форму. Произошло это 17 сентября 1939 года, когда Красная армия двинулась на земли Западной Украины и Западной Белоруссии. Довженко возглавлял фронтовую киносъемочную группу.
В июле 1941 года вместе с женой Довженко эвакуирован на Восток, в Уфу. Затем их переводят в Ашхабад, куда была перемещена Киевская киностудия. Довженко просится на фронт, ведь он не только кинематографист, но и опытный журналист. В феврале 1942 года в звании полковника его отправляют на Юго-Западный фронт. Довженко пишет рассказы, статьи, листовки. На следующий день после публикации в газете «Красная звезда» рассказа Довженко «Ночь перед боем» в редакцию позвонил секретарь ЦК ВКП (б) «Передайте Довженко благодарность Сталина за рассказ. Он сказал народу, армии то, что теперь крайне необходимо было сказать».
В следующем году Довженко создает документальный фильм «Битва за нашу Советскую Украину». В титрах фильма значатся режиссеры Ю. Солнцева и Я. Авдеенко. Но текст и монтаж — за Довженко. Картина имела большой успех не только в нашей стране, но во всех странах-союзниках, особенно в Канаде и США.
Вторая серия получила название «Победа на Правобережной Украине и изгнание немецких захватчиков за пределы украинских советских земель» (1945). Довженко первым в кино стал широко использовать вражескую хронику, придавая ей дикторским текстом и особыми приемами монтажа другой смысл.
В феврале 1944 года его освобождают от должности художественного руководителя Киевской киностудии и назначают режиссером «Мосфильма». Довженко записывает в дневнике «Закончилась мировая война. Я хочу работать. Я хочу верить до смерти, что уже не нужны будут человечеству генералы. Что будет мир. Что не нужны будут герои-мученики».
Закончив в начале 1944 года сценарий о жизни садовода-селекционера И. Мичурина, Довженко читает его в писательских и кинематографических аудиториях. Успех необычайный. Шесть театров попросили переработать сценарий для сцены. Так появляется пьеса «Жизнь в цвету».
Судьба цветного фильма «Мичурин» (1949) многострадальна. В его первом варианте Довженко говорил о нелегкой жизни творца, о самопожертвовании для науки (Мичурина прозвали за одержимость «Иван-бешеный»). Режиссеру удались изумительные цветовые съемки цвет жил, изменялся, отражал чувства героев. Затем фильм начали калечить. Под влиянием антинаучных теорий Лысенко в картину были директивно введены эпизоды борьбы с «морганизмом-менделизмом». Гармония произведения была разрушена.
Следующий проект Довженко «Прощай, Америка» (1950) о механике шпионажа был закрыт. Сорвалась и постановка картины о подвиге русских моряков «Открытие Антарктиды».
Александр Петрович знал, что у него писательский дар. Все послевоенные годы он будет работать над большим эпическим произведением «Золотые ворота». Его перу принадлежит лирическая повесть «Зачарованная Десна», посвященная детству.
В начале 1950-х прибавляются житейские трудности. Сестра Довженко вспоминает «Сашко жил очень бедно. У него никогда не было денег. Он носил пятнадцать лет одну шубу, серый костюм, который ему Юля часто штопала». Его не трогали эти трудности. Сестре он говорил «Паша, быть миллионером в нашу эпоху, в наше время это значит быть трижды преступным... В нашу эпоху социализма умудриться сделаться миллионером на поприще искусства или литературы, заведомо зная о нужде народа, и не выстроить ни одну школу для детей, или музей, или театр это значит быть трижды сукиным сыном...»
Довженко написал девять сценариев и две пьесы, переработал сценарии прошлых лет, делал наброски к «Золотым воротам» — «главной книге жизни», писал «Повесть пламенных лет». Временами он читал лекции во ВГИКе, бывал в сценарной студии, помогая начинающим кинодраматургам, конечно, продолжал писать рассказы...
Увы, болезнь сердца обостряется. Довженко почти постоянно чувствует себя больным. Но замыслы его переполняют. Осенью 1951 года Довженко едет в Каховку, на строительство плотины. Увиденное настолько поражает художника, что он решает поставить фильм об этой стройке и ее людях.
За пять лет материал был не только досконально познан и искусно выстроен, но и глубоко философски осмыслен. Фильм «Поэма о море» об одной из ГЭС должен был стать фильмом о могуществе человеческого духа. Но поставить картину Довженко не успел. Он умер в ночь на 25 октября 1956 года. Завершала «Поэму о море» Юлия Солнцева. Она же поставила еще несколько фильмов по произведениям Довженко.
В конце 1950-х годов итальянские киноведы отметили, что более всего в эстетическом плане неореализм обязан Довженко, и назвали его Гомером ХХ века. Имя Довженко было присвоено Киевской студии художественных фильмов.
* 1939 — Буковина, земля Украинская * 1940 — Освобождение * 1943 — Битва за нашу Советскую Украину * 1945 — Страна родная * 1945 — Победа на Правобережной Украине * 1959 — Поэма о море (фильм не закончен автором) * 1960 — Повесть пламенных лет (поставлен Ю.Солнцевой) * 1965 — Зачарованная Десна (поставлен Ю.Солнцевой)
Премии и призы * 1941 — Сталинская премия I степени, фильм «Щорс». * 1959 — Ленинская премия за литературный сценарий «Поэма о море» (посмертно). * 1934 — Приз МКФ в Венеции, фильм «Иван». * 1949 — Сталинская премия II степени, фильм «Мичурин».
Наследие и память о художнике Многие из своих сценариев он так и не успел при жизни реализовать в картины. Супруга Александра Довженко режиссёр Юлия Солнцева уже после его смерти сняла картины по его сценариям «Поэма о море», «Повесть пламенных лет» и «Зачарованная Десна».
В Соснице с 1960 года действует мемориальный музей классика кинематографа. В 1957 году Киевской киностудии художественных фильмов присвоено имя Довженко. В 1972 утверждена Золотая медаль имени А. П. Довженко «За лучший военно-патриотический фильм». В 1994 году по указу президента Украины учреждена Государственная премия в области кинематографии имени Довженко. [8] В городе Сосница (Черниговская область) начиная с 2004 года, когда отмечалось 110-летия со дня рождения А. П. Довженко, проводится Всеукраинский молодёжный кинофестиваль «На волнах очарованной Десны». Торжественное открытие фестиваля состоялось в усадьбе кинорежиссёра — мемориальном музее А.Довженко, конкурсная программа демонстрируется в кинотеатре имени А. Довженко.
Всеволод Илларионович Пудовкин (1893—1953) — советский кинорежиссёр, лауреат трёх Сталинских премий (1941, 1947, 1951), народный артист СССР (1948), кавалер ордена Ленина. Член ВКП(б) с 1939 года.
Его отец происходил из крестьян с. Шукша Пензенской губернии. Работал по торговой части - приказчиком, коммивояжером. В 1897 г. Пудовкины переехали в Москву. Отец имел материальные возможности дать сыну образование. В Москве мальчик учился в 6-й московской гимназии, интересовался астрономией, физикой, математикой, увлекался живописью, музыкой (играл на скрипке), сочинял пьесы.
С 1914 года, не успев окончить отделение естественных наук физико-математического факультета МГУ, участвовал в первой мировой войне. В одном из боев был ранен, попал в плен. Только в конце 1918 г. ему удалось бежать и вернуться на Родину. Работал делопроизводителем в военкомате, химиком на заводе "Фосген №1", а в 1920 г. поступил в первую государственную школу кинематографии (ныне ВГИК) мастерскую В.Р. Гардина.
Снимался как актер с 1920 года, в том числе в картине Гардина «Серп и молот» (1921), на которой также был сорежиссером. Поставил вместе с ним агитпропфильм «Голод... голод... голод» (1921) и написал сценарий ленты «Слесарь и канцлер» (1923, по пьесе А.В. Луначарского). В 1922-25 годы - студент ГТК (мастерская Л.В. Кулешова). Исполнитель острохарактерных ролей, соавтор сценариев и художник в фильмах своего учителя " Необычайные приключения мистера Веста в стране большевиков" (1924) и «Луч смерти» (1925). Эксцентрические уроки Кулешова претворил также в забавной короткометражке «Шахматная горячка» (1925, совместно с Н.Г. Шпиковским). Интерес Пудовкина к достижениям науки в области физиологии и психологии проявился в научно-популярной ленте «Механика головного мозга» (1926).
В 1926 г. Пудовкин вместе со сценаристом Н. Зархи и оператором А. Головней создает свой шедевр "Мать" по повести М. Горького. В этом фильме Пудовкин необычайно правдиво и впечатляюще показал жизнь русских рабочих до революции. Главные роли он поручил актерам Художественного театра В. Барановской и Н. Баталову, которые создали образы правдивые, психологически глубокие. Пудовкин обогатил кинематографию рядом ценных открытий. В немом кино он сумел создать интересные метафорические образы: тишину, например, он передал, показывая крупным планом падающие капли; желая сказать, что "революция непобедима, как весна", Пудовкин смонтировал кадры первомайской демонстрации с кадрами мощного весеннего ледохода. В следующем фильме — "Конец Санкт-Петербурга" (1927), созданном В. Пудовкиным, Н. Зархи и А. Головней эпизоды безжалостной окопной войны, военного ажиотажа на бирже, а также октябрьских событий в Петрограде принадлежат к лучшим достижениям киноискусства. Третий шедевр Пудовкина — "Потомок Чингисхана"(1929). В нем показана борьба монгольского народа против поработителей их Родины. Режиссер находил удивительные детали, характеризующие его отношение к исходящим событиям: вихрь, катящий перекат клубы пыли, вырванные деревья, стирал с земли интервентов, которых гнала монгольская колесница. Колоссальный темперамент и мастерство Пудовкина до сих пор поражают зрителей. Эти картины образовали условную трилогию об историко-революционных переменах в начале ХХ века.
Пудовкин много сделал для формирования киноэпоса, в котором создан поэтический образ борющихся масс. В 30-е годы поставил отмеченные экспериментаторскими поисками в области новых выразительных средств фильмы: немой - "Простой случай" (1932) и звуковые - "Дезертир" (1933) и "Победа" (1938). Большую роль в развитии советского исторического фильма сыграли картины Пудовкина "Минин и Пожарский" (1939; Государственная премия СССР, 1941), "Суворов" (1941), "Адмирал Нахимов" (1947; Государственная премия СССР, 1947). В годы Великой Отечественной войны 1941-45 гг. Пудовкин создал "Пир в Жирмунке" ("Боевой киносборник" № 6, 1941) и "Во имя Родины" (1943, по пьесе К.М. Симонова "Русские люди"). В 1950 Пудовкин (совместно с Д.И. Васильевым) поставил фильм "Жуковский" (Государственная премия СССР, 1951). Последняя работа режиссёра - "Возвращение Василия Бортникова" (1953; по роману Г.Е. Николаевой "Жатва").
В течение всего творческого пути Всеволод Илларионович не прекращал актёрской деятельности. Его выдающаяся актерская работа в экранизации "Живого трупа", осуществленной в 1929 году Ф.А. Оцепом, демонстрирует высочайший уровень проникновения в психологические глубины состояния и поведения героя, Федора Протасова. Как ни парадоксально, в своей небольшой роли юродивого в первой серии «Ивана Грозного» (1945) С.М. Эйзенштейна он смог точнее и острее высказаться по поводу собственного положения на услужении того режима, который извратил и обессмыслил революционный порыв масс и отдельных людей, воспетый кинематографом 20-х годов, в том числе и в фильмах самого Пудовкина.
В его теоретических трудах нашли отражение главные проблемы киноискусства: определение специфики кино, теория монтажа, система работы с типажом и актёром, проблема звука в кино. Государственная премия СССР (1941, 1947, 1951). Многие его фильмы получили премии Международных кинофестивалей. Пудовкин является автором многих книг по режиссерскому и сценарному искусству: "Кинорежиссер и кинематография" (1926), "Киносценарий. Теория сценария" (1926), "Актер в фильме" (1934) и другие. Его статьи и книги переведены на многие языки, изучаются во всех киношколах мира.
Похоронен на Новодевичьем кладбище. На доме, где жил Пудовкин (Поварская улица, 29/31), — мемориальная доска. Именем Пудовкина в 1961 названа улица (в районе Мосфильмовской улицы).
Источник:
Фильмография
Режиссёр
* 1921 — Голод… голод… голод… * 1925 — Шахматная горячка * 1926 — Мать * 1926 — Механика головного мозга (научно-популярный) * 1927 — Конец Санкт-Петербурга * 1928 — Потомок Чингис-Хана (в зарубежном прокате под названием «Буря над Азией») * 1932 — Простой случай * 1933 — Дезертир * 1938 — Победа * 1939 — Минин и Пожарский * 1940 — Кино за XX лет * 1941 — Суворов * 1941 — Боевой киносборник № 6 (новелла «Пир в Жермунке») * 1942 — Убийцы выходят на дорогу * 1943 — Во имя Родины * 1946 — Адмирал Нахимов * 1948 — Три встречи * 1950 — Жуковский * 1952 — Возвращение Василия Бортникова
Актёр
* 1920 — В дни борьбы * 1929 — Весёлая канарейка * 1929 — Новый Вавилон * 1933 — Дезертир * 1943 — Во имя Родины — немецкий генерал * 1943 — Юный Фриц — офицер гестапо * 1945 — Иван Грозный — Никола Большой Колпак, юродивый * 1946 — Адмирал Нахимов — Меньшиков
Награды и премии
* Сталинская премия первой степени (1941) — за фильмы «Минин и Пожарский» (1939) и «Суворов» (1940) * Сталинская премия первой степени (1947) — за фильм «Адмирал Нахимов» (1946) * Сталинская премия второй степени (1950) — за фильм «Жуковский» (1950) * народный артист СССР (1948) * орден Ленина (1950)
Михаил Ильич Ромм (1901—1971) — выдающийся советский кинорежиссёр, почетный член-корреспондент Академии искусств ГДР (1967). Лауреат пяти Сталинских премий (1941, 1946, 1948, 1949, 1951). Народный артист СССР (1950). Член ВКП(б) с 1939 года.
В 1925 окончил Высший художественно-технический институт (факультет скульптуры), работал скульптором, переводчиком, научным сотрудником по вопросам кино Института методов внешкольной работы (1928–1930). С 1929 начал работать по договорам как сценарист. В 1931 пришел на киностудию «Союзкино» (ныне «Мосфильм»), где получил должность ассистента режиссера, а в 1933 – режиссера-постановщика. Уже в первом своем фильме (Пышка, 1934, по Г.Мопассану) Ромм вполне оправдал свои претензии на режиссуру. Скромный с постановочной точки зрения фильм, снятый всего в двух небольших декорациях, импонировал умелым переводом литературной основы на язык кино, горькой иронией, точным подбором актеров (Г.Сергеева, А.Файт, А.Горюнов, Ф.Раневская и др). В фильме Тринадцать (1936) Ромм сумел органично соединить политизированную идею (укрепление советской власти на национальных окраинах), реализм в обрисовке характеров и напряженную приключенческую интригу. Считается, что импульс к созданию фильма был дан И.Сталиным после просмотра одного из американских вестернов, однако признанным фактом является обратное: ряд американских картин (Последний из команчей, 1952, Сахара, 1943 и 1995) стали буквальными римейками фильма Ромма о героическом бое отряда советских пограничников с басмачами.
В 1937–1939 Ромм нашел удачный подход к трактовке фигуры Ленина и событий, связанных с Октябрьской революцией (Ленин в Октябре, Ленин в 1918 году). Вождь большевиков в исполнении Б.Шукина – политический стратег, учитель жизни и подкупающе человечная личность. За эти фильмы режиссер был впервые удостоен Государственной премии СССР (1941).
В 1940 Ромм был назначен художественным руководителем Главного управления по производству фильмов. Одновременно ему предложили поставить картину, тематически связанную с присоединением Западной Украины к СССР. Мечта, снятая по сценарию Е.Габриловича и самого Ромма, переросла рамки заказного «пропагандистского» фильма. Реалистическая драма из жизни обывателей захолустного городка в предвоенной Польше – поляков, евреев, русских – продолжила традицию классических произведений о «маленьком человеке» с его извечной и несбыточной идеей счастья и успеха.
Интерес Ромма к антифашистской теме и шире – к социально-политической проблематике проявился уже в 1940–1950-е годы и объяснялся как профессионально-конъюнктурными соображениями, так и чисто творческим, личностным интересом. В Человеке № 217, снимавшемся еще во время войны (Государственная премия 1945), эта тема нашла самое прямолинейное решение – на примере судьбы советской девушки (артистка Е.Кузьмина), угнанной для рабского труда в Германию. Фильмы Русский вопрос (Государственная премия 1948), Секретная миссия, Убийство на улице Данте имели характерный для советского кино конца 1940-х – начала 1950-х годов лейтмотив «военной и идейной угрозы с Запада», при доминанте которого могла развиваться приключенческая или детективная интрига.
С наступлением политической «оттепели» акценты в решении социально-политической темы заметно изменились. После шестилетнего перерыва (если не считать документальной картины Живой Ленин, 1958) Ромм снимает драму об ученых-атомщиках Девять дней одного года (Главный приз Международного кинофестиваля в Карловых Варах, 1962), где проблема смысла жизни решается под знаком общечеловеческих ценностей. Несколько меняется и почерк роммовской режиссуры, приближаясь к новым, более раскрепощенным, европейским канонам композиции кадра и актерской игры (чему немало способствует работа с оператором Г.Лавровым и актерами А.Баталовым, И.Смоктуновским).
Признанный шедевр Ромма – полнометражный хроникально-публицистический фильм Обыкновенный фашизм (приз МКФ в Лейпциге, 1965) родился на волне широкого интереса к публицистике и авторскому направлению в кино.
Успех Обыкновенного фашизма подвигнул режиссера на дальнейшую работу в жанре философской кинопублицистики, но многообещающий замысел второго фильма (драма современной цивилизации) непросто реализовывался в материале. Сказалась и болезнь Ромма. В итоге начатая им картина (И все-таки я верю) была завершена М.Хуциевым, Э.Климовым и Г.Лавровым уже после его смерти.
Ромм был одним из крупнейших педагогов: много лет преподавал во ВГИКе (с 1938 на операторском и сценарном факультетах, с 1948 руководил актерско-режиссерской мастерской), написал несколько книг по вопросам киноискусства. Был женат на актрисе Е.Кузьминой, сыгравшей в большинстве его фильмов.
Умер Ромм в Москве 1 ноября 1971.
Фильмография
Режиссёрские работы
1. 1934 — Пышка 2. 1937 — Тринадцать 3. 1937 — Ленин в Октябре 4. 1939 — Ленин в 1918 году 5. 1941 — Мечта 6. 1943 — Наши девушки 7. 1944 — Человек № 217 8. 1947 — Русский вопрос 9. 1949 — Владимир Ильич Ленин (Хроникально-документальный) 10. 1950 — Секретная миссия 11. 1953 — Адмирал Ушаков 12. 1953 — Корабли штурмуют бастионы 13. 1956 — Убийство на улице Данте 14. 1962 — Девять дней одного года 15. 1965 — Обыкновенный фашизм (Документальный) 16. 1972 — И всё-таки я верю (Документальный)
Сценарии
1. 1931 — Рядом с нами 2. 1933 — Конвейер смерти 3. 1934 — Пышка 4. 1937 — Тринадцать 5. 1941 — Мечта 6. 1944 — Человек № 217 7. 1947 — Русский вопрос 8. 1956 — Убийство на улице Данте 9. 1962 — Девять дней одного года
Награды * Сталинская премия первой степени (1941); за фильмы «Ленин в Октябре» (1937) и «Ленин в 1918 году» (1938) * Сталинская премия второй степени (1946); за фильм «Человек № 217» * Сталинская премия первой степени (1948); за фильм «Русский вопрос» * Сталинская премия первой степени (1949); за документальный фильм «В. И. Ленин» * Сталинская премия первой степени (1951); за фильм «Секретная миссия» (1950) * Народный артист СССР (1950)
Любовь Петровна Орлова (1902—1975), знаменитая советская актриса, кумир советских зрителей 1930—1950-х годов. Лауреат двух Сталинских премий первой степени (1941, 1950), народная артистка СССР (1950)
Биография Любовь Орлова родилась 29 января (11 февраля) 1902 года в подмосковном Звенигороде в дворянской семье. Её отец, Пётр Фёдорович Орлов, служил в военном ведомстве. Мать, Евгения Николаевна Сухотина, происходила из старинного дворянского рода.
Родители хотели, чтобы дочь стала профессиональной пианисткой, и, когда ей исполнилось семь лет, отдали её в музыкальную школу. В 1919—1922 годах Любовь Орлова училась в Московской консерватории по классу рояля. Из-за трудного материального положения учёба в консерватории не была окончена.
В 1922—1925 годах — учёба на хореографическом отделении Московского театрального техникума.
* 1922—1925 гг. — уроки актёрского мастерства у педагога Е. С. Телешовой, режиссёра Художественного театра. * 1920—1926 гг. — работа тапером в кинотеатрах Москвы (музыкальное сопровождение немых кинофильмов) в кинотеатре «Унион» (позднее — кинотеатр повторного фильма), кинотеатрах «Арс», «Великий Немой», «Орфеум». Концертные выступления перед киносеансами в кинотеатре «Арс». * 1926—1933 гг. — хористка, затем актриса Музыкального театра (первоначально — Музыкальной студии при МХАТе) под руководством В. И. Немировича-Данченко.
После окончания Московского театрального техникума в 1926 году, она была принята хористкой в Музыкальную студию при МХАТе имени В. И. Немировича-Данченко.
Будучи артисткой хора и кордебалета, Орлова была занята в основном в эпизодических ролях. Однако даже в этих ролях музыкальный и драматический талант её многим бросался в глаза. В 1932 году роль Периколы в одноименной оперетте Жака Оффенбаха вывела Орлову из состава хора и сделала солисткой.
1926—1930 годах — брак с Андреем Берзиным (1893—1947/8 гг.), заместителем Наркома земледелия. В 1930 году А. Г. Берзин арестован по делу Трудовой крестьянской партии. В 1938 году повторно арестован и заключён в ГУЛАГ.
1932—1933 годах — гражданский брак с Францем, австрийским предпринимателем, импресарио. Точных сведений о нём нет.
В 1933 году состоялась встреча с Григорием Васильевичем Александровым (Мормоненко), которая сыграла решающую роль в её дальнейшей судьбе (была его женой, снималась в его фильмах).
В один из весенних дней 1933 года художник Пётр Вильямс посоветовал Александрову сходить в музыкальный театр при МХАТе, где в спектакле «Перикола» блистала 31-летняя Любовь Орлова. Режиссёр последовал этому совету, пришёл на спектакль и сразу же был пленен не только талантом актрисы, но и её внешностью. В тот же день они познакомились. Сомнений в том, кто будет играть роль Анюты в его новом фильме, у Александрова после этого не осталось.
Становление и стремительный подъём советского кинематографа в 1930-х годах немыслим без участия Л. П. Орловой. Во многом благодаря высокому артистическому мастерству, чрезвычайно выигрышной внешности Орловой, кинематограф стал популярнейшим видом искусства в СССР, уже в 1930-е годы серьёзно потеснившим театр по количеству зрителей и кассовым сборам. Типаж Орловой — человек нового времени, энергичный, оптимистический, обаятельный, весело и настойчиво шагающий в светлое настоящее и будущее.
Актриса профессионально пела (лирико-колоратурное сопрано), играла на фортепиано, танцевала, исполняла акробатические трюки. Но, к сожалению, драматического дарования ей не хватало. В результате, после своих успехов 30-х-40-х годов она ни в театре, ни в кино особенно не проявилась. Орлова тщательно заботилась о своей внешности, следила за модой, использовала все доступные медицинские средства продления молодости кожи и тела. Орлова на протяжении многих лет была примадонной советского киноэкрана, выгодно отличаясь от конкурирующих с ней киноактрис первого плана — Л. Н. Смирновой, М. А. Ладыниной — изысканной аристократической внешностью и ухоженностью.
Умерла от рака поджелудочной железы в 1975 году. Похоронена на Новодевичьем кладбище (участок № 3). На доме, где в 1965—75 жила Орлова (Большая Бронная улица, 29), — мемориальная доска.
Роли в театре * «Перикола» — Перикола * «Дочь мадам Анго» — Герсилья * «Корневильские колокола» — Серполетта * «Соломенная шляпка» — Жоржета * «Русский вопрос» — Джесси * «Сомов и другие» — Лидия * «Нора» — Нора * 1955 — «Лиззи Мак-Кей», по пьесе Ж.-П.Сартра «Добродетельная шлюха». Реж. И.Анисимова-Вульф, — Лиззи / Театр имени Моссовета * 1963 — «Милый лжец» — Патрик Кэмпбэлл / Театр имени Моссовета * 1972 — «Странная миссис Сэвидж», по пьесе Дж. Патрика. Реж. Л.Варпаховский, — Этель Сэвидж (ввод) / Театр имени Моссовета
Роли в кино 1. 1933 — Любовь Алёны — Эллен Гетвуд 2. 1934 — Петербургская ночь — Грушенька 3. 1934 — Весёлые ребята — Анюта 4. 1936 — Цирк — Марион Диксон 5. 1938 — Волга-Волга — письмоносица Дуня Петрова «Стрелка» 6. 1939 — Ошибка инженера Кочина — Ксения Лебедева 7. 1940 — Светлый путь — Таня Морозова, Золушка 8. 1941 — Боевой киносборник № 4 9. 1941 — Дело Артамоновых — Паула Менотти 10. 1943 — Одна семья (не вышел на экраны) — Катя 11. 1947 — Весна — актриса Шатрова, ученый Ирина Никитина 12. 1949 — Встреча на Эльбе — журналистка Джанет Шервуд 13. 1950 — Мусоргский — Татьяна Платонова 14. 1952 — Композитор Глинка — Людмила Ивановна 15. 1958 — Первый парень 16. 1960 — Русский сувенир — Барбара (Варя Комарова) 17. 1963 — Мелодии Дунаевского 18. 1974 — Скворец и Лира (на экраны не вышел) — Людмила Грекова («Лира»)
Награды и премии * Сталинская премия первой степени (1941) — за исполнение роли Марион Диксон в фильме «Цирк» (1936) и роли Стрелки в фильме «Волга — Волга» (1938) * Сталинская премия первой степени (1950) — за исполнение роли американской журналистки Джаннетт Шервуд в фильме «Встреча на Эльбе» (1949) * Народная артистка СССР (1950) * орден Ленина * два ордена Трудового Красного Знамени * медаль «За оборону Кавказа»
Григорий Михайлович Козинцев (22 марта 1905 — 11 мая 1973) — советский режиссёр кино и театра, сценарист, педагог, народный артист СССР (1964) лауреат двух Сталинских (1941, 1948) и Ленинской премии (1965).
Биография Григорий Козинцев родился в Киеве в семье врача-терапевта Моисея Исааковича Козинцева (р. 1859) и его жены Анны Григорьевны Лурье, учился в гимназии. В 1919 году посещал школу живописи Александры Экстер. Вместе с другими учениками школы Козинцев участвовал в праздничном авангардистском оформлении киевских улиц. Более всего привлекал его театр; работу в нём он начал с участия в росписи декораций к знаменитому спектаклю Константина Марджанова «Фуэнта Овехуна». С помощью Марджанова и вместе с друзьями Сергеем Юткевичем и Алексеем Каплером он создал экспериментальный театр «Арлекин», в котором поставил спектакль по сочинённой им самим пьесе, а затем кукольный театр и, наконец, осуществил уличное представление по фольклорной пьесе «Царь Максимиллиан». В начале 1920 года уехал в Петроград, поступил в класс Натана Альтмана в Свободных художественных мастерских (бывш. Академии художеств) и одновременно режиссёром в Студию Театра Комической оперы, руководимого Константином Марджановым.
В декабре 1921 года совместно с Леонидом Траубергом и Георгием Крыжицким написал «Манифест эксцентрического театра», который был провозглашён на организованном ими диспуте. В 1922 году Козинцев и Трауберг организовали Театральную мастерскую «Фабрика эксцентрического актёра», и в том же году поставили в ней эксцентрическую переработку «Женитьбы» Н. В. Гоголя. За два года они поставили ещё 3 спектакля по собственным пьесам, а в 1924 году перенесли свои эксперименты в области эксцентрической комедии в кино, преобразовав театральную мастерскую в Киномастерскую «ФЭКС».
Продолжавший театральные опыты первый короткометражный фильм Козинцева и Трауберга по собственному сценарию «Похождения Октябрины» (1924), был попыткой соединить политику (разоблачение нэпмана, помогавшего империалисту) с откровенной буффонадой и, по словам Юрия Тынянова, «необузданным собранием всех трюков, до которых дорвались изголодавшиеся по кино режиссёры». Во второй эксцентрической короткометражке «Мишки против Юденича» (1925) снимались уже не эстрадные и цирковые актёры, пришедшие вместе с режиссёрами из театра (среди них был Сергей Мартинсон), а ученики киномастерской, в том числе Сергей Герасимов, Янина Жеймо, Андрей Костричкин.
Первый полнометражный фильм Козинцева и Трауберга — романтическая мелодрама «Чёртово колесо» (1926) по сценарию Адриана Пиотровского — был уже зрелой работой. Любовь к яркой эксцентрике сочеталась в ней с убедительным показом городского быта. На этом фильме сложился постоянный творческий коллектив «фэксов»; кроме режиссёров в него вошли кинооператор Андрей Москвин и художник Евгений Еней, работавшие с Козинцевым практически на всех его фильмах.
Следующий фильм фэксов «Шинель» (1926), экранизация «Петербургских повестей» Н. В. Гоголя, стал одним из шедевров советского немого кино. Замечательный сценарий Ю. Н. Тынянова, развивающий его лучшие стороны режиссёрский замысел, экспрессивное изобразительное решение и эксцентрическая, на грани гротеска игра актёров привели к созданию фильма стилистически точно отвечающего «манере Гоголя».
Энергично и организованно работавший коллектив фэксов стремился в каждом фильме вести поиск в новом направлении, и в 1926 году выпустил ещё и современную комедию «Братишка» (1926) по своему сценарию, а сразу вслед за ней историческую мелодраму «С. В. Д.» (1927) по сценарию Ю. Н. Тынянова и Ю. Г. Оксмана, написанному на материале восстания декабристов. Оба фильма пользовались успехом у зрителей, особенно, «С. В. Д.» — В. Б. Шкловский назвал этот фильм «самой нарядной лентой Советского Союза».
С первой звуковой картиной «Одна» (1931) в творчестве Козинцева и Трауберга начался новый период. Козинцев некоторое время работал в театрах, осуществляя постановки «Короля Лира» (1941), «Отелло» (1943) и «Гамлета» (1954). С 1944 вёл режиссёрскую мастерскую во ВГИКе (с 1960 профессор).
Его «Дон Кихот» (1957, художник Альберто Санчес, Почетный диплом на Международном кинофестивале в Ванкувере, 1958) стал классическим образцом экранизации. В 1962 Козинцев выпустил книгу «Наш современник Вильям Шекспир», ставшую теоретической подготовкой к двум его выдающимся шекспировским экранизациям: «Гамлет» (1964), Ленинская премия (1965), (специальная премия Международного кинофестиваля в Венеции, 1964) и «Король Лир» (1970).
В 1965-71 годах Козинцев руководил режиссёрской мастерской при «Ленфильме». Написал историко-теоретические монографии: «Глубокий экран» (1971) и «Пространство трагедии» (опубликована посмертно, в 1973 году).
Благодаря фильмам Козинцева стали широко известны за рубежом артисты русской драматической сцены — Юри Ярвет (король Лир, роль озвучивал Зиновий Гердт), Эльза Радзиня (Гертруда), Иннокентий Смоктуновский (Гамлет).
Режиссёрская работа * 1924 — Похождения Октябрины * * 1925 — Мишки против Юденича * 1926 — Чёртово колесо * 1926 — Шинель * 1927 — Братишка * 1927 — С. В. Д. * 1929 — Новый Вавилон * 1931 — Одна * 1934 — Юность Максима * 1937 — Возвращение Максима * 1938 — Выборгская сторона * 1941 — Боевой киносборник № 2 * 1942 — Юный Фриц * 1942 — Однажды ночью из альманаха «Наши девушки» * 1945—1956 — Простые люди * 1947 — Пирогов * 1951—1953 — Белинский * 1957 — Дон Кихот * 1964 — Гамлет * 1970 — Король Лир
Все фильмы до «Выборгской стороны» включительно, а также фильм «Простые люди» — совместно с Л. З. Траубергом
Награды и премии * Сталинская премия первой степени (1941); за кнотрилогию о Максиме (1934, 1937, 1938) (с Л.З. Траубергом) * Сталинская премия второй степени (1948); за фильм "Пирогов" (1947) * Ленинская премия (1965); за фильм "Гамлет" (1964) * народный артист СССР (1964)
Поставленные сценарии * 1924 — Похождения Октябрины * 1924 — Красная газета * 1925 — Мишки против Юденича * 1926 — Братишка * 1929 — Новый Вавилон * 1931 — Одна * 1934 — Юность Максима * 1937 — Возвращение Максима * 1938 — Выборгская сторона * 1941 — Встреча с Максимом * 1945 — Простые люди * 1951 — Белинский * 1964 — Гамлет * 1970 — Король Лир
Все сценарии от «Похождения Октябрины» до «Простые люди» написаны совместно с Л. З. Траубергом. Сценарий «Мишки против Юденича» ещё и совместно с И. Е. Куниной. Сценарий «Белинский» — совместно с Ю. П. Германом и Е. П. Серебровской
Сценография * 1919 — «Балаганное представление четырех клоунов» — театр «Арлекин» в Киеве * 1919 — «Царь Максимилиан» — в Киеве * 1922 — «Женитьба» — «Фабрика эксцентрического актёра» * 1923 — «Внешторг на Эйфелевой башне» — «Фабрика эксцентрического актёра» (совместно. с Л. Траубергом)
Народный артист СССР (1947) Лауреат Ленинской премии (1964, роль Федора Дронова в фильме "Все остается людям") Лауреат Сталинских премий (1941, "Александр Невский"; 1946, "Иван Грозный"; 1950, "Счастливого плавания"; 1951, "Мусоргский"; 1951, "Александр Попов") Кавалер ордена Трудового Красного знамени (1938, за роль в фильме Петр I) Кавалер ордена Ленина (1939, за исполнение ролей в фильмах "Петр I", "Александр Невский" и "Ленин в 1918 году")
Детство Николай Черкасов родился в Петербурге, в семье железнодорожного служащего Константина Александровича Черкасова. Роды были трудными, и врачам пришлось воспользоваться специальными щипцами, отчего у него на всю жизнь остались над висками две маленькие вмятинки. Мама - Анна Андриановна - в своем первенце души не чаяла, постоянно оберегая его от всяких напастей.
В 1909 году семья Черкасовых, к тому времени пополнившаяся еще одним сыном - Костей, переехала в просторную четырехкомнатную квартиру одного из домов в Десятой роте (10-я Красноармейская улица). Отсюда Коля в 1912 году и пошел учиться в гимназию №10. Одноклассники относились к Коле с уважением: он никогда никого не задирал, но если его обижали, то спуску никому не давал.
Первый спектакль, который Николай увидел в своей жизни, был "Руслан и Людмила" в Мариинском театре. Тогда он еще учился в начальных классах гимназии. По словам самого Черкасова, впечатление у него осталось волшебное. Однако о театре, как о профессии, он тогда и не помышлял.
Летом 1917 года его внезапно захватила музыка. Интерес к ней у мальчика был настолько огромный, что он в одиночку посещал концерты графа Шереметьева, ходил на утренники в филармонию и даже ездил в Павловск, где обычно выступали знаменитые музыканты. Его кумиром был Федор Иванович Шаляпин.
Балет В 1919 году Черкасов окончил Петроградскую трудовую школу и вместе с несколькими друзьями подал заявление в Военно-медицинскую академию. Но в душе он сомневался в выборе. Однажды он стал свидетелем того, как трамвай переехал прохожего. Брызнувшая на тротуар кровь вызвала в юноше такой ужас, что он сразу понял: ни о какой медицине не может быть и речи.
Летом этого же года он поступает в студию мимистов, руководимую А.Кларком. Проучившись там всего лишь несколько недель, 16-летний Черкасов был зачислен мимистом в Петроградский (Мариинский) академический театр оперы и балета.
Именно здесь юный Николай Черкасов познакомился с великим басом Федором Шаляпиным, причем весьма своеобразно. На премьере оперы "Вражья сила" Федор Иванович пел главную партию. Черкасов просочился на балкон зрительного зала и принялся смешить гримасами публику. Зрители громко смеялись. На следующий день Шаляпин вызвал комедианта в кабинет. "Покажите-ка мне, чем вы вчера развлекали народ!" - попросил он Черкасова. А потом долго хохотал, увидев, что тот вытворяет. Затем нахмурился: "Спасибо, конечно. Только вот что, давайте условимся: вы мне, пожалуйста, не мешайте, а я вам не буду!"
С 1920 года Черкасов начал танцевать в спектаклях Студии молодого балета и экспериментальных пантомимических постановках театрально-исследовательской лаборатории Института истории искусств. При росте почти два метра молодой артист исполнял характерные роли: Злого гения в "Лебедином озере", брамина в "Баядерке" и др.
Чарли Чаплин, Пат и Паташон Осенью 1923 года Николай подал заявления одновременно в Институт сценических искусств и Институт экранного искусства. Талантливого юношу приняли в оба заведения.
Учась в Институте сценических искусств, Николай как-то случайно посмотрел в кинотеатре фильм о приключениях комиков Пата и Паташона. Вместе с Б.Чирковым и П.Березовым они решают создать свой собственный эстрадный номер. Так в 1925 году в их исполнении появился пародийный танец "Чарли Чаплин, Пат и Паташон", в котором Черкасов исполнял роль долговязого Пата.
Летом следующего года студенческая бригада ИСИ гастролировала по Средней Азии, и самым удачным номером был именно "Чарли Чаплин, Пат и Паташон". Этот же номер способствовал зачислению Черкасова в 1926 году в Ленинградский ТЮЗ.
В ТЮЗе Черкасов играл и драматические роли, так, например, в спектакле "Дон Кихот" он с большим успехом исполнял главную роль. Однако основным амплуа молодого актера по-прежнему считалась комедийная роль Пата.
Первые роли в кино В 1927 году Черкасов окончил институт. На тот же год приходится и его дебют в кино. Это была немая картина "Поэт и царь", в которой молодой актер сыграл парикмахера Шарля. Как признается сам Черкасов, впервые увидев себя на экране, он ужаснулся своей худобе и высокому росту. Тогда он даже подумал, что на этом кино для него закрыто. Но уже в следующем году он был вновь приглашен на съемки.
Следующими его работами в кино стали роли в картинах "Его превосходительство", "Мой сын" и "Луна слева". В фильме "Мой сын" Черкасов вновь играл все того же долговязого Пата.
Чтобы не стать заложником этого образа, Черкасов в 1929 году принял предложение перейти из ТЮЗа в Ленинградский театр "Мюзик-холл".
Женитьба Летом 1929 года Николай Черкасов познакомился с юной актрисой Ниной Николаевной Вейтбрехт. Вскоре они сыграли свадьбу. А весной 1931 года у них родилась дочка.
В 1930 году Черкасов перешел из Ленинградского в Московский мюзик-холл, но и там задержался недолго. В 1931 году он поступает на работу в только что созданный театр "Комедия". Свой выбор он объяснял тем, что лишь этот театр нигде не гастролировал, а молодому отцу это было крайне необходимо.
Кроме работы в театре, Черкасов довольно успешно снимался в немом кино. Летом 1932 года он удачно сыграл роль постового милиционера в первом звуковом фильме "Встречный".
В 1934 году Черкасов поступил в труппу Ленинградского академического театра имени А.С. Пушкина. Этот приход многими тогда был воспринят с недоумением: зачем нам нужен актер-эксцентрик. Действительно первая его роль в этом театре в комедии "Чужой ребенок" была лишена всякой драматургии и строилась на одной эксцентрике. Однако уже во втором спектакле - "Вершины счастья" - молодой актер удачно сыграл роль серьезного сыщика Айка Ауэрбаха. Скептики притихли.
Первые большие успехи в кино Настоящая слава пришла к Черкасову благодаря кино. В 1934 году он снялся в молодежной комедии Александра Зархи и Иосифа Хейфица "Горячие денечки". Вместе с Яниной Жеймо они создали комическую пару, сопровождающую романтическую пару основных героев Николая Симонова и Татьяны Окуневской. Черкасов и Жеймо великолепно продемонстрировали свои таланты: их пара, разбитная крошка Кика и смиренный верзила Колька Лошак, придают всему фильму интонацию эстрадно-циркового розыгрыша, приглушая некоторое резонерство сюжета, что и было задумано молодыми авторами фильма.
Год спустя режиссер Владимир Вайншток предложил ему сыграть профессора Паганеля в "Детях капитана Гранта" (фильм снимался в августе 1935 - апреле 1936 года). Успех этого фильма был настолько огромен, что после него посыпались предложения от многих режиссеров. Причем роли предлагались непохожие одна на другую.
В 1936 году Черкасов начал сниматься одновременно в роли царевича Алексея в исторической ленте Владимира Петрова "Петр Первый" и профессора Полежаева в исторической драме Александра Зархи и Иосифа Хейфица "Депутат Балтики".
В оба фильма актер попал отнюдь не просто. В первом случае он сам заявился к Владимиру Петрову и заявил: "Роман Толстого знаю наизусть и готов сыграть в фильме роль самого Петра!" Дерзость актера понравилась режиссеру, и он попросил гримера загримировать его. Однако Петр Первый из Черкасова явно не получался. Актер расстроился, и тогда режиссер внезапно предложил ему роль царевича Алексея. После недолгих колебаний Черкасов согласился.
С ролью во втором фильме тоже помогла случайность. Снимаясь в "Петре Первом", Черкасов захаживал в павильон, где Александр Зархи работал над фильмом "Беспокойная старость" (первое название фильма "Депутат Балтики"). Напомним, что с Зархи Черкасов был знаком еще с картины "Горячие денечки". Неожиданно режиссер предложил актеру почитать сценарий: "Может, подыщешь для себя какую-нибудь роль". Черкасов хотел было отказаться, ведь он был по горло загружен в "Петре", но затем согласился.
Прочитав сценарий, 34-летний актер вдруг загорелся ролью пожилого профессора Полежаева. "Да какой из тебя старик?" - удивился Зархи. Но Черкасов обладал удивительной способностью убеждать людей. И Зархи сломался. С ролью Черкасов справился блестяще. Чудаковатость и старческая рассеянность персонажа не отменяли романтической пафосности в трактовке героя-интеллигента, который с искренним восторгом принимает идею революционного обновления мира. Продемонстрировав в этом фильме способность к яркому возрастному перевоплощению, Черкасов одновременно доказал, что готов перейти от внешней театрализации к внутреннему постижению неоднозначных характеров реальных исторических личностей.
Премьера "Депутата Балтики" состоялась 1 января 1937 года в Ленинградском Доме кино и вызвала бурю восторга. Заключительная речь профессора Полежаева утонула в аплодисментах публики. Ни один советский фильм еще не удостаивался таких оваций. В том же году на Международной выставке в Париже фильм был удостоен "Гран-при". А сам актер был удостоен звания заслуженного артиста РСФР.
Предвоенное кино После успешных ролей в "Депутате Балтики" и "Петре Первом" Николай Черкасов продолжил в кино ряд реальных исторических персонажей.
В 1938 году Черкасов начал сниматься в главной роли в фильме Сергея Эйзенштейна "Александр Невский". Причем предложение великого мастера застало актера врасплох. Одной из причин было то, что Черкасов в душе боялся режиссера, поскольку был наслышан, что тот нередко подавляет индивидуальность актера. После первой встречи с Эйзенштейном он понял, что им трудно будет работать вместе. Их взгляды на образ Александра Невского расходились. Однако режиссер оказался настойчив и уговорил Черкасова продолжить работу. В итоге, образ Александра Невского вышел былинно-возвышенным.
Не все знают, что в первоначальной версии фильма Александр Невский погибал, отравленный при дворе татаро-монгольского хана. Причем яд ему втерли свои же, русские. Однако после просмотра фильма с таким финалом Сталин лично распорядился выкинуть этот эпизод, так как он не соответствовал "великому патриотическому произведению". 1 декабря 1938 года фильм вышел на экраны
Спустя три месяца вышел еще один фильм с участием Николая Черкасова - "Ленин в 1918 году", в котором он сыграл Максима Горького.
За свои работы Николай Черкасов был удостоен орденов Ленина и Трудового Красного знамени, а в 1941 году за роль Александра Невского - Сталинской премии.
Депутат Черкасов очень верил в Советскую власть. В 1938 году он подал заявление в партию и вскоре стал депутатом Верховного Совета РСФСР. Причем этот пост он не просто занимал, а действительно старался помогать людям. Много лет спустя он посчитал, сколько человек принял. Оказалось - 2565. Но часто даже самые близкие люди не знали о его добрых делах.
Однажды во время депутатского приема к Николаю Константиновичу ворвалась женщина с тремя малышами. Водрузила детей на стол и заявила, что ей негде и не на что жить, а потому детей она оставит прямо в кабинете. Черкасов посадил семейство в свою черную "Волгу" и поехал по чиновникам. И пока не устроил мамашу с детишками, дело это не оставил.
Георгий Товстоногов писал, что если можно было бы собрать в одно место всех, кому когда-нибудь в трудную минуту жизни помог Николай Константинович, пришлось бы арендовать стадион.
Годы войны Летом 1939 года в семье Черкасовых умерла новорожденная дочь. В начале 1941 года у них появился сын, которого назвали Андреем. А затем началась война, которая отняла у них старшую дочь. В 1942 году она погибла в Ленинградской блокаде вместе с дедушкой - тестем Черкасова.
В первые месяцы войны Черкасов вместе с Театром им. Пушкина был эвакуирован в Новосибирск. Там он создал концертную агитбригаду и отправился с концертами на корабли Балтийского флота и в осажденный Ленинград.
В апреле 1943 года актера вызвали в Алма-Ату для съемок в фильме "Иван Грозный" Сергея Эйзенштейна. На экраны картина вышла в январе 1945 года (параллельно Черкасов исполнил ее и в спектакле "Иван Грозный - великий государь"). Роль Ивана Грозного стала лучшей работой актера в кино. Здесь были сведены воедино многие пристрастия актера - от выразительной мимики, символики жестов и умного обыгрывания собственной фигуры до карнавализации самой жизни жестокого правителя; от тончайшей психологической нюансировки его внешнего поведения до глубокого проникновения в таинственные бездны души грозного царя, вынужденного стать таковым и по личным, и по политическим соображениям. Возможная психоаналитическая или же, напротив, диссидентская трактовка образа Ивана Грозного и всей ленты в целом окажется неизбежно упрощающей суть совместного творения Черкасова и Эйзенштейна. Для обоих Иван Грозный - центральная, ключевая личность их творчества, возникшая на парадоксальном пересечении ранних увлечений аттракционами в широком смысле этого слова и последующего перехода к глубинному анализу всех составляющих многосложного характера, а через него - к постижению исторической действительности, причем в перспективе ее развития.
Послевоенное время После войны на волне успеха первой серии "Ивана Грозного", съемочный коллектив приступил к работе над второй серией картины. Однако судьба этой части фильма оказалась печальной. Еще в процессе работы над ней у Черкасова и Эйзенштейна появились существенные разногласия. По мнению актера, во второй части Иван Грозный начал превращаться в человека нерешительного, слабохарактерного, безвольного. Такое же мнение выразил по этому поводу и Сталин, который 25 февраля 1947 года принял в Кремле Эйзенштейна и Черкасова. Эта беседа протекала в форме "дружественной" критики, однако на судьбе фильма это отразилось печально: фильм положили на полку, где он пролежал 11 лет.
В 1946 году Николай Черкасов был приглашен Григорием Александровым на роль кинорежиссера Громова в комедию "Весна". Далеко не все знают, что сниматься в этой картине Николай Константинович не хотел. И лишь когда сама Любовь Орлова, пригласив Черкасова на дачу, встала перед ним на колени, актер согласился.
В этом фильме, играя кинорежиссера Громова, Черкасов в какой-то степени по-дружески пародировал своего давнего друга Сергея Эйзенштейна - чудаковатого, но безумно талантливого режиссера.
Именно во время этих съемок актер чуть не погиб. В тот роковой день он сидел за рулем автомобиля, в котором, кроме него, находились еще двое: Любовь Орлова и Григорий Александров. На одном из поворотов машину занесло, и она врезалась в дерево. Александров сломал ключицу, Черкасову выбило несколько зубов и сильно повредило лицо. Орлова не пострадала. Из-за этой аварии Черкасову пришлось отказаться от главной роли доктора Петрова в фильме "Во имя жизни" и сняться в эпизоде - в роли сторожа Лукича.
На рубеже 40-50-х годов (когда на 16 советских киностудиях снималось всего 10-15 картин в год) Черкасов без дела не оставался. Правда, и фильмы, в которых он снимался, ничего выдающегося собой не представляли. Это были историко-биографические картины, в которых актер был вынужден изображать во многом однотипные персоны русской культуры и науки: Горького ("Академик Иван Павлов", 1949), Попова ("Александр Попов", 1949), Стасова ("Мусоргский", 1950, "Римский-Корсаков", 1953), Маяковского ("Они знали Маяковского", 1955). Кроме того, он снялся в эпизодических ролях в картинах: "Белинский" и "Жуковский".
Загруженность Черкасова в кино в те годы была высокой, но в Театре имени А.С. Пушкина новых ролей у него не было. Он играл только в четырех спектаклях: "Великий Государь", "Жизнь в цвету", "Борис Годунов" и "Ревизор". На большее у него просто не было ни времени, ни сил. Ведь актер занимался еще и общественной деятельностью как член Советского комитета защиты мира. В этом качестве он объездил чуть ли не полмира.
Конец 50-х В марте 1956 года Черкасов снялся в главной роли в фильме Григория Козинцева "Дон Кихот". Эта роль много для него значила. Во-первых, вот уже несколько лет он не играл главных ролей в кино, во-вторых, еще в бытность свою актером ТЮЗа (в 1933 году) он играл Дон Кихота.
Для съемок фильма в Коктебеле была построена шестнадцатиметровая ветряная мельница. Дублером Черкасова был каскадер Васильев, которому предстояло вертеться на крыле этой мельницы. Но Васильева в решающий момент на площадке не оказалось. Пришлось самому Николаю Константиновичу в нескольких дублях зависать вниз головой. Отметим, что актеру в это время было уже 53 года.
Фильм вышел на экраны весной 1957 года и имел большой успех. Черкасову вновь удалось совместить любовь к пластике и характерности с возвышенным представлением героя-идеалиста, упрямо воспринимающего действительность лишь с точки зрения мечты.
Заслуги Черкасова были отмечены на международном кинофестивале в канадском городе Статфорде: за исполнение роли Дон Кихота ему была присуждена премия как лучшему актеру.
Не забывал Черкасов и про театр. В 1957 году он начал репетировать роль Хлудова в спектакле "Бег" по пьесе М. Булгакова. Премьера состоялась год спустя.
"Все остается людям" Своего рода идеализм как самоотверженность в научной работе является внутренним свойством одного из последних героев, сыгранных Черкасовым в 1959 году в спектакле "Все остается людям" - ученый Федор Дронов, сопротивляясь тяжелой болезни, изо всех сил продолжает трудиться.
В 1962 году кинорежиссер Георгий Натансон решил перенести эту пьесу на экран.
Он вспоминает: "Мне очень понравилась пьеса Самуила Алешина - философская, умная. После "Шумного дня" я решил взяться за нее. Алешин предложил поставить картину на "Ленфильме". Я стал подбирать актеров и в первую очередь обратился к Черкасову. Он тогда не снимался уже пять лет и очень обрадовался моему предложению.
Худсовет "Ленфильма" кинопробы одобрил: и Попова, и Быстрицкую, и Пилявскую. Про Черкасова же сказали, что он "творческий труп". Как можно так говорить об этом великом актере! Да, он театральный актер, может, я не смог его сдержать на пробах... Но его не утвердили. Тогда я обратился к Товстоногову, он был последней инстанцией в Ленинграде, и тот позвонил в обком, и уже оттуда настояли на кандидатуре Черкасова.
Мы снимали очень легко, весело. Черкасов всегда шутил, рассказывал истории. И ни разу не капризничал. А ведь тогда он был сильно болен, мы не знали об этом. У него была эмфизема легкого, доктора запрещали ему курить, он стрелял сигареты и покуривал в ладошку... Никакого преимущества у Черкасова перед другими актерами не было, со всеми он был в добрых отношениях. Необыкновенно нежно относился к Пилявской, к Быстрицкой, которая даже немного трепетала. И это после своей всенародной славы "Тихого Дона"! Помню, на съемку пришел Кеша Смоктуновский, в это время он играл Гамлета у Козинцева и рассказывал о своих жестких спорах с режиссером, чего не было у меня с Черкасовым. Вероятно, мне счастливо удается создать атмосферу из-за моей огромной любви к актерам".
За эту работу Николай Константинович был удостоен Ленинской премии.
Последние годы В начале 60-х здоровье Николая Константиновича заметно ухудшилось. У него обострилась хроническая эмфизема легких, пошаливало сердце. С 1964 года актер ежегодно вынужден был ложиться в больницу. Этим не преминули воспользоваться недоброжелатели.
В июне 1964 года, после того как ему была присуждена Ленинская премия за роль в фильме "Все остается людям", актер был уволен из театра. Вот как это произошло. В театр пришло распоряжение сократить актерские кадры. И тогда директор театра решил "сократить" в первую очередь жен актеров, и Нина Черкасова была в их числе. А когда Черкасов пытался ее защитить, говорил, что она всю жизнь в Александринке, директор ответил, что ему надо кого-то сокращать. Тогда Черкасов сказал, чтобы сократили его, написал заявление, и его уволили. Для Черкасова это стало большим ударом. Он снова слег.
Несмотря на удары судьбы и ухудшающееся здоровье, актер не сдавался. В 1965 году он съездил в загранкомандировку в Лондон. В мае 1966 года нашел в себе силы провести отчетно-выборную конференцию Ленинградского отделения ВТО. Однако здоровье катастрофически ухудшалось. В августе 1966 года он вновь лег в больницу, из которой уже не вышел.
Его хотели похоронить на Литераторских мостках в лавре, там, где похоронены все великие актеры, но ленинградские власти отказали. Тогда жена послала телеграмму Косыгину, и тот приказал разрешить. В последний путь актера провожали тысячи ленинградцев.
27 июля 1970 года имя Черкасова было присвоено одной из улиц в новом районе Ленинграда. В марте 1975 года в некрополе Александро-Невской лавры был открыт памятник работы скульптора М.К. Аникушина.
Заключение Режиссер Георгий Натансон так отозвался о Николае Черкасове: "Сейчас таких кумиров уже нет: ни артистов, ни оперных певцов, от которых у поклонниц кружилась голова". А ведь и правда - хоть кружится голова у поклонниц от героев "Бригады", им, этим молодым людям, далеко до обаяния Николая Черкасова - человека крайне скромного и невероятно одаренного.
Фмльмография 1927 Его превосходительство Высокий клоун в цирке 1927 Поэт и царь 1928 Родной брат 1928 Луна слева 1928 Мой сын 1930 По ту сторону 1930 Всадники ветра 1932 Счастье (Арестант N1105, Ветер с Востока) 1932 Встречный 1934 Первая любовь 1934 Кто твой друг 1934 Люблю ли тебя? 1934 Наследный принц Республики 1935 Горячие денёчки 1935 Граница 1935 Женитьба Яна Кнукке 1935 Подруги 1936 Депутат Балтики 1936 Дети капитана Гранта 1937 Остров сокровищ 1937 За Советскую Родину 1938 За Пётр Первый 1938 Александр Невский 1938 Друзья 1938 Человек с ружьём 1939 Ленин в 1918 году 1939 Минин и Пожарский 1940 Шестьдесят дней (Командиры запаса) 1940 «Концерт на экране» 1942 Его зовут Сухэ-Батор 1942 Оборона Царицына 1945 Иван Грозный 1946 Во имя жизни 1946 Адмирал Нахимов 1947 Весна 1947 Новый дом 1947 Пирогов 1949 Академик Иван Павлов 1949 Александр Попов 1949 Сталинградская битва 1949 Счастливого плавания! 1950 Мусоргский 1950 Жуковский 1951 Белинский 1952 Римский-Корсаков 1955 Они знали Маяковского 1957 Дон Кихот 1962 Шумят пороги Уэйкенго 1963 Всё остается людям 1963 Мелодии Дунаевского 1965 Третья молодость (СССР/Франция) 1966 Маленькие трагедии
Документальные кинофильмы
1948 Памяти С. Эйзенштейна 1957 Отблески Канн (фр. «Reflets de Cannes»). 1959 Актёр Николай Черкасов 1965 Страницы большой дружбы
Награды и звания
1937 Заслуженный артист РСФСР 1939 Народный артист РСФСР 1947 Народный артист СССР
1938 Орден Трудового Красного Знамени 1939 Орден Ленина 1950 Орден Ленина 1963 Орден Трудового Красного Знамени
1941 Сталинская премия Iстепени 1946 Сталинская премия Iстепени 1950 Сталинская премия IIIстепени 1951 Сталинская премия Iстепени 1951 Сталинская премия IIстепени 1958 Премия актёру на Международном кинофестивале Стратфорде 1958 Премия «Лучшему актёру» на Международном кинофестивале в Канаде 1964 Премия «Призы актёрам» Всесоюзного кинофестиваля 1964 Ленинская премия
Источник:
Интересный факт
Профиль Николая Черкасова в роли Александра Невского на одноимённом ордене.
Источник: .
Н.К. Черкасов в роли Дона Кихота
P.S. Черкасов, Николай Константинович, один из самых любимых мною актеров советского кино! Доктор Паганель, Дон Кихот, это же наше детство! А его Федор Дронов, из фильма "Все остается людям", это эталон интеллигента, на который нужно равняться. Николай Константинович учил нас добру, учил честности, учил справедливости. Светлая ему память!
Яков Александрович Протазанов (23 января 1881 — 8 августа 1945) — один из ведущих российских и советских режиссёров немого кино, сценарист, актёр
Биография Яков Протазанов родился 23 января 1881 в Москве в купеческой семье. В 1900 году окончил коммерческое училище и работал продавцом в московском АО «Шрадер и К». В 1904—1906 годах занимался самообразованием во Франции и Италии. С 1906 года, сменив ряд профессий (был конторщиком, бухгалтером, переводчиком), стал помощником режиссёра московской кинофирмы «Глория».
С 1910 года поступил на работу в московскую кинофирму «Глория», которая была вскоре куплена кинопредприятием П. Тимана и Ф. Рейнгардта, снял ряд фильмов в соавторстве с В. Р. Гардиным. В 1914 году, завоевав репутацию наиболее культурного режиссёра-профессионала, перешёл в кинофирму И. Ермольева.
Шедевры дореволюционного Протазанова — фильмы «Пиковая дама» и «Отец Сергий». В 1918 году, вместе с группой актёров и режиссёров кинофирмы И. Ермольева эмигрировал и работал во Франции, Германии, в кинофирмах Пате, Гомон, УФА, где в период с 1920 по 1923 год снял ряд фильмов — «За ночь любви», «Правосудие прежде всего», «Тень греха», «Паломничество любви», «Страшное приключение».
В 1923 году вернулся в СССР и на фабрике «Межрабпом-Русь» снял ряд известных авантюрных и комедийных фильмов: «Аэлита», «Процесс о трёх миллионах», «Белый орёл», «Закройщик из Торжка», «Праздник святого Йоргена».
Протазанов открыл талант многих киноактёров: Ивана Мозжухина, Игоря Ильинского, Михаила Жарова.
Фильмография
Режиссёрские работы
1. 1909 — Бахчисарайский фонтан (Россия) 2. 1910 — Майская ночь, или Утопленница (Россия) совм. с В. Кривцовым 3. 1910 — Первый винокур (Россия) совм. с В. Кривцовым 4. 1911 — Песнь каторжанина (Россия) 5. 1912 — Песнь о вещем Олеге (Россия) 6. 1912 — Анфиса (Россия) 7. 1912 — Пригвождённый (Россия) 8. 1912 — Уход великого старца (Россия) совм. с Е. Тиман 9. 1913 — За честь русского знамени (Россия) 10. 1913 — Как рыдала душа ребенка (Россия) 11. 1913 — Как хороши, как свежи были розы… (Россия) 12. 1913 — Клеймо прошедших наслаждений (Россия) 13. 1913 — Ключи счастья (Россия) совм. с В. Гардиным 14. 1913 — Купленный муж (Россия) 15. 1913 — Музыкальный момент (фильм-балет, Россия) 16. 1913 — Ноктюрн Шопена (фильм-балет, Россия) 17. 1913 — О чём рыдала скрипка (Россия) 18. 1913 — Один насладился, другой расплатился (Россия) 19. 1913 — Разбитая ваза (Россия) 20. 1913 — Рукою матери (Россия) 21. 1913 — Сделайте ваше одолжение (Россия) 22. 1913 — Сын палача (Россия) 23. 1913 — ЛЮБОВЬ ЯПОНКИ («Больше не надо ни песен, ни слез») режиссёр 24. 1914 — Арена мести (Россия) 25. 1914 — Блюститель нравственности (Россия) 26. 1914 — Гнев Диониса (Россия) 27. 1914 — Драма у телефона (Россия) 28. 1914 — Дьявол (Россия) 29. 1914 — Ёлка (фильм-балет, Россия) 30. 1914 — Женщина захочет — чёрта обморочит (Россия) 31. 1914 — Живой манекен (Россия) 32. 1914 — Зуб мудрости (Россия) 33. 1914 — Лицо войны (Россия) 34. 1914 — Мимо жизни (Россия) 35. 1914 — На скамье подсудимых (монтажный, Россия) 36. 1914 — Обезьянка выручила (Россия) 37. 1914 — Пляска среди мечей (Россия) 38. 1914 — Произведение искусства (Россия) 39. 1914 — Рождество в окопах (Россия) 40. 1914 — Танго (документально-игровой, Россия) 41. 1914 — Танец с вампиром (документально-игровой, Россия) 42. 1915 — Война и мир (Россия) совм. с В. Гардиным 43. 1915 — Депутат (Россия) 44. 1915 — На окраинах Москвы (Россия) 45. 1915 — Наташа Проскурова (Россия) 46. 1915 — Не подходите к ней с вопросами (Россия) 47. 1915 — Николай Ставрогин (Россия) 48. 1915 — Петербургские трущобы (Россия) 49. 1915 — Плебей (Россия) 50. 1915 — Тайна нижегородской ярмарки (Россия) 51. 1915 — Чайка (Россия) 52. 1915 — Я и моя совесть (Россия) 53. 1916 — Вниз по матушке, по Волге (Россия) 54. 1916 — Во власти греха (Россия) 55. 1916 — Грех (Россия) совм. с Г. Азагаровым 56. 1916 — Женщина с кинжалом (Россия) 57. 1916 — Запрягу я тройку борзых, темнокарих лошадей (Россия) 58. 1916 — И песнь осталась недопетой (Россия) 59. 1916 — Не пожелай жены ближнего твоего (Россия) 60. 1916 — Панна Мэри (Россия) 61. 1916 — Пиковая дама (среднеметражный, Россия) 62. 1916 — Пляска смерти (Россия) 63. 1916 — Подайте, Христа ради, ей (Россия) 64. 1916 — Семейное счастье (Россия) 65. 1916 — Суд божий (Россия) 66. 1916 — Так безумно, так страстно хотелось ей счастья (Россия) 67. 1916 — Тася (Россия) 68. 1917 — Андрей Кожухов (Россия) 69. 1917 — Её влекло бушующее море (короткометражный, Россия) 70. 1917 — Крестный путь (Россия) 71. 1917 — Не надо крови (Россия) 72. 1917 — Проклятые миллионы (Россия) 73. 1917 — Прокурор (Россия) 74. 1917 — Сатана ликующий (Россия) 75. 1918 — Богатырь духа (Россия) 76. 1918 — Горничная Дженни (Россия) 77. 1918 — Малютка Элли (Россия) 78. 1918 — Немой страж (Россия) 79. 1918 — Отец Сергий («Князь Касатский») режиссёр 80. 1918 — Человек у решетки (Россия) 81. 1918 — Чёрная стая (Россия) 82. 1919 — Голгофа женщины (короткометражный, Россия) 83. 1919 — Правда (Россия) 84. 1919 — Тайна королевы (короткометражный, Россия) 85. 1919 — То надежда, то ревность слепая (короткометражный, Россия) 86. 1920 — Ужасная авантюра (Франция) 87. 1921 — За ночь любви (Франция) 88. 1921 — Правосудие прежде всего (Франция) 89. 1921 — Смысл смерти (Франция) 90. 1922 — Тень греха (Франция) 91. 1923 — Паломничество любви (Германия) 92. 1923 — Член парламента (Россия) 93. 1924 — Аэлита (СССР) 94. 1925 — Его призыв («23 января») режиссёр (СССР) 95. 1925 — Закройщик из Торжка (СССР) 96. 1926 — Процёсс о трех миллионах (СССР) 97. 1927 — Дон Диего и Пелагея («Дело Пелагеи Деминой») режиссёр (СССР) 98. 1927 — Сорок первый (СССР) 99. 1927 — Человек из ресторана (СССР) 100. 1928 — Белый орёл (СССР) 101. 1929 — Чины и люди («Чеховский альманах») (СССР) при участии М. Доллера 102. 1930 — Праздник святого Йоргена (СССР) 103. 1931 — Томми (СССР) 104. 1934 — Марионетки (СССР) при участии П. Подобеда 105. 1936 — Бесприданница (СССР) 106. 1936 — О странностях любви (СССР) 107. 1938 — Семиклассники (СССР) 108. 1941 — Салават Юлаев (СССР) 109. 1943 — Насреддин в Бухаре (СССР)
Сценарные работы
# 1909 — Бахчисарайский фонтан — дебют Протазанова, считается утраченным, автор сценария # 1910 — Майская ночь, или Утопленница (Россия) автор сценария совм. с В. Кривцовым # 1910 — Первый винокур (Россия) автор сценария совм. с В. Кривцовым # 1910 — Песнь каторжанина (Россия) автор сценария # 1911 — Песнь о вещем Олеге (Россия) автор сценария # 1912 — Пригвожденный (Россия) автор сценария # 1913 — За честь русского знамени (Россия) автор сценария # 1913 — Как рыдала душа ребенка (Россия) автор сценария # 1913 — Как хороши, как свежи были розы… (Россия) автор сценария # 1913 — Разбитая ваза (Россия) автор сценария # 1914 — Гнев Диониса (Россия) автор сценария # 1914 — Дьявол (Россия) автор сценария # 1914 — Произведение искусства (Россия) автор сценария # 1914 — Рождество в окопах (Россия) автор сценария # 1915 — Война и мир (Россия) автор сценария совм. с В. Гардиным # 1915 — Николай Ставрогин (Россия) автор сценария # 1915 — Плебей (Россия) автор сценария # 1915 — Тайна нижегородской ярмарки (Россия) автор сценария # 1916 — Вниз по матушке, по Волге (Россия) автор сценария # 1916 — Не пожелай жены ближнего твоего (Россия) автор сценария # 1916 — Панна Мэри (Россия) автор сценария # 1916 — Пиковая дама (среднеметражный, Россия) автор сценария # 1917 — Андрей Кожухов (Россия) автор сценария # 1917 — Её влекло бушующее море (короткометражный, Россия) автор сценария # 1917 — Не надо крови (Россия) автор сценария # 1918 — Горничная Дженни (Россия) автор сценария # 1918 — Малютка Элли (Россия) автор сценария # 1918 — Немой страж (Россия) автор сценария # 1918 — Чёрная стая (Россия) автор сценария # 1919 — Тайна королевы (короткометражный, Россия) автор сценария # 1926 — Процесс о трех миллионах (СССР) автор сценария # 1927 — Человек из ресторана (СССР) автор сценария совм. с О. Леонидовым # 1928 — Белый орел (СССР) автор сценария совм. с О. Леонидовым, Я. Уриновым # 1929 — Чины и люди (к/а) (СССР) автор сценария совм. с О. Леонидовым # 1930 — Праздник святого Йоргена (СССР) автор сценария совм. с В. Швейцером (согласно официальным выходным данным. В действительности сценарий написан С.Д. Кржижановский) # 1931 — Томми (СССР) автор сценария # 1932 — Две встречи (СССР) автор сценария совм. с Я. Уриновым # 1934 — Марионетки (СССР) автор сценария совм. с В. Швейцером # 1936 — Бесприданница (СССР) автор сценария совм. с В. Швейцером
Актёрские работы
1. 1909 — Смерть Иоанна Грозного (Россия) 2. 1911 — Песнь о вещем Олеге (Россия) 3. 1911 — Рогнеда (Россия) 4. 1925 — Шахматная горячка (короткометражный, СССР)
Признание и награды * Заслуженный деятель искусств РСФСР (1935) и Узбекистана. * Международная выставка декоративных искусств в Париже (1937) (Золотая медаль, фильм «Бесприданница»)
Борис Андреевич Бабочкин (1904—1975) — российский советский актёр театра и кино, режиссёр театра, Народный артист СССР (1963), Герой Социалистического Труда (1974). Лауреат двух Сталинских (1941, 1951) и Государственной премии СССР (1975). Член ВКП(б) с 1948 года
Детство Судьба Бориса Бабочкина обозначилась рано: в три года, когда мать читала Пушкина, он приходил в невероятное волнение, раскачиваясь и прыгая в своей деревянной кроватке в такт волшебным звукам стиха. А в четыре испытал первый "актерский" успех, выступая со старшим братом Виталием на праздниках новогодней елки в Саратове, Покровской слободе и на станции Красный Кут, где тогда работал на железной дороге их отец. Маленькие "гастролеры" читали Некрасова: Борис - "Дядюшку Якова", Виталий - "Генерала Топтыгина". И с того времени, писал впоследствии Борис Андреевич, "чувство этого счастья, когда твоему искусству, твоей теме... подчиняются люди чужие, посторонние, взрослые и маленькие... - мое высшее счастье".
В детстве же сформировалось и направление интересов, продиктованное всей атмосферой семьи, демократическими идеалами матери и ее сестер - сельских учительниц: Пушкин, Некрасов, Толстой. Закономерно к этим именам позже прибавились Островский, Горький, Чехов, Шолохов.
Революция Ему шел тринадцатый год, когда свершилась Октябрьская революция. Тогда взрослели рано, и в пятнадцать лет комсомолец Борис Бабочкин уже служил в политотделе 4-й армии Восточного фронта, той самой армии, в состав которой входила 25-я Чапаевская дивизия. Он навсегда запомнил командарма Авксентьева, комиссара штаба армии Макарова, рядовых бойцов...
Позже, еще не успев перешагнуть за третий десяток, сыграет Бабочкин Чапаева в великом фильме. В статье "30 лет спустя" он пишет: "То, что я не встречал живого Чапаева, мне кажется чистой случайностью... И если я не знал Чапаева, то скольких таких же или очень похожих на него командиров я знал!" А в других записях сомневается: "Может, я и встречал его, только не знал, кто это". Впрочем, какое это имеет значение? С полным правом Борис Андреевич утверждал: "Я пел те же песни, которые пел Чапаев, я знал тот простой и колоритный язык, на котором тогда говорили, я умел носить папаху так, чтоб она неизвестно на чем держалась. Одним словом, мне не нужна была творческая командировка, перед тем как начать работать над ролью".
Первые шаги в искусство В то бурное время становления Советской страны Борис Андреевич, по его собственным словам, "раздирался натрое": надо было кончать школу, а его захватывает жизнь, он "страстно-самозабвенно" окунается в политическое кипение, он "беспрерывно митингует". А еще существует театр, жжет душу мечта о нем... И вот наконец решение принято. Проходя с товарищем по классу Сергеем Мышкиным мимо бывшей саратовской гимназии Добровольского, где шли экзамены в драматическую студию, Борис одалживает у друга его хорошо сшитый синий пиджак и по парадной каменной лестнице поднимается в зал, где заседает приемная комиссия. В качестве экзаменационного отрывка Бабочкин выбирает "Фею" Максима Горького. Результат был блестящим: подростка приняли сразу же на старший курс, в так называемый сценический класс. Там занимались люди значительно более взрослые, чем он, в том числе молодые артисты городского театра. В этой студии занимался и старший брат Бориса Виталий, до того уже игравший на сцене.
В Москву Но пробыл в студии, руководимой Александром Игнатьевичем Каниным, Борис Бабочкин недолго. Александр Игнатьевич дал ему рекомендательное письмо к В.И. Немировичу-Данченко, не зная в Москве никого и ничего, кроме того, что там, именно там, "делается настоящее искусство", в солдатской шинели и грубых солдатских сапогах Бабочкин уезжает в столицу за сказочной Синей птицей подлинного творчества.
Ему было тогда шестнадцать лет. Шел август 1920 года, Москва голодала.
Письмо, написанное Каниным, Борис Андреевич показал Немировичу-Данченко только в 1940 году, когда уже был народным артистом республики, а за свою деятельность художественного руководителя Большого драматического театра в Ленинграде был удостоен высшей награды страны - ордена Ленина. То что Бабочкин не передал в свое время письмо Немировичу-Данченко, не случайность, а проявление характера. Никаких поблажек для себя этот человек не искал с юности, ничего, что имело бы отношение к "знакомству", он не терпел. В трудностях закаляется характер, считал он, и доказывал это своей жизнью.
Поступив в Москве сразу в две театральные школы - к тогдашнему кумиру столицы Михаилу Чехову и в студию "Молодые мастера" к Иллариону Николаевичу Певцову, он в конце концов выбирает себе в учителя последнего, хотя до последних дней считал Чехова гениальным актером. В рафинированной, насыщенной чуть ли не мистическим обожанием руководителя (который, кстати, не слишком много внимания уделял своим воспитанникам) чеховской студии с ее отгороженностью от жизни, с ее келейностью молодой саратовец выделялся не только солдатской шинелью и прямодушием, но и своей неудержимой тягой к правде жизни - к сценическому реализму.
Школа Певцова полностью отвечала его внутренним устремлениям. Иллариона Николаевича, с которым он много играл в Ленинградском академическом театре драмы имени Пушкина и встретился также на экране (в "Чапаеве" Певцов играл полковника Бороздина), Бабочкин считал своим учителем - "навсегда, на всю жизнь".
Очень важным для всего последующего творческого пути Бориса Андреевича был его первый профессиональный сезон - летом 1921 года все "молодые мастера" во главе с Певцовым, преподаватели студии, а также некоторые приглашенные на этот летний сезон артисты играли в Иваново-Вознесенске. Борис Андреевич работал там вместе со старшим братом - Виталий Бабочкин, актер большого дарования, много обещавший в будущем, вскоре умер от тифа.
Начало театральной деятельности Затем была работа в театрах Москвы, которую сменили сцены Костромы, Воронежа, Могилева, Самарканда... Бабочкин уехал из Москвы, чтобы как можно больше играть. Он бросился в актерскую жизнь, как в море, считая, что каждодневное общение со зрителем выковывает и закаляет актера. За пять-шесть лет он сыграл более 200 ролей - крупных и эпизодических, главных и второстепенных. Именно тогда он понял, что такое "жить в роли" - жить ролью, то есть полностью "влезть в шкуру" человека, которого играешь.
1927 год знаменует собой начало очень важного этапа в творчестве Бориса Андреевича: он вступает в пору зрелости своего таланта. Именно в ленинградский период сформируются окончательно направления деятельности и общественных интересов всей жизни Бориса Андреевича: актер и режиссер театра, работа в кино, преподавательская работа, выступления в печати, общественная активность. Скитания по периферийным сценам кончаются, Бабочкина приглашают в Ленинградский театр сатиры.
В 1931 году Бабочкин переходит в Драматический театр Народного дома (позже - Государственный академический театр драмы, ныне Театр драмы им. Пушкина).
Он быстро завоевывает любовь ленинградцев, им интересуется "сам" старик Кугель - знаменитый театральный критик. В Госнардоме Бабочкин создает одну из лучших своих ролей советского репертуара - Сысоева в спектакле А.Д. Дикого "Первая Конная" Всеволода Вишневского. Актеру удалось передать в этом образе всю сумму качеств, обнимающих собой понятие русский характер. Его Сысоев "…был бойцом и патриотом, бунтарем и революционером по духу, человеком гордого достоинства и государственного кругозора… Это было олицетворение революционного вихря и революционной мудрости, народного гнева и народной же веры в счастье".
Бабочкину, создавшему не просто яркий образ, но тип разбуженного к строительству новой жизни человека из народа, сумевшего передать далекую перспективу развития своего героя, шел двадцать шестой год. Уже был очевиден уровень возможностей, ясно направление таланта: тяготение к героике, к крупным масштабным характерам. При этом начисто отвергались внешние приемы "укрупнения", всяческая патетика и поза. Масштаб образа складывался из масштаба мысли и чувства воплощаемого человека, которому актер отдавал себя без остатка. Именно эти качества Бабочкина-художника и привели его к победе в "Чапаеве".
Первые роли в кино Начиная с 1927 года, Борис Бабочкин снялся более чем в 25 фильмах.
Первой "настоящей" ролью Бориса Андреевича в кино был комбат Караваев в фильме С. Тимошенко "Мятеж" по повести Дм. Фурманова. Она не принесла актеру никакого удовлетворения: существовавший тогда в немом кинематографе взгляд на актера как на "кинонатурщика", некое подобие марионетки, управляемой режиссером, подход к исполнителю как к типажу были принципиально чужды Бабочкину.
Всю жизнь, с самых первых шагов в искусстве он признавал - и боролся за него - только то актерское творчество, которое было не пассивным, но смелым, самостоятельным, идейным. Он категорически не принимал типажный кинематограф, доказывая в своих выступлениях, как письменных, так и устных, что стремление к внешнему правдоподобию подрезает актеру крылья, ведет к иллюстративности и унылому натурализму.
Несмотря на неудовлетворение молодого актера от первых встреч с кинематографом, он еще несколько раз пробует себя в искусстве экрана и, когда оно обретает голос, становится звуковым, снимается в роли Макара Бобрика в фильме режиссера В. Корша-Саблина "Первый взвод". В этой работе Бабочкин находит собственный метод создания экранного образа, его уже не смущает кинематографическая специфика.
"Чапаев" Но поистине творческой вершиной и взлетом всенародной славы артиста стала роль Василия Ивановича Чапаева в фильме братьев Васильевых "Чапаев" (1934; Сталинская премия, 1941). Фильм становится триумфом нового этапа развития советского кино и приносит всемирную известностность исполнителю. Впервые в советском, да, пожалуй, и в мировом кинематографе актер становится полноправным соавтором фильма. В 1935 году Борису Андреевичу "в связи с представлениями Центральных исполнительных комитетов союзных республик и многочисленными ходатайствами общественных организаций" было присвоено высшее тогда почетное звание - звание народного артиста республики. Он становится самым молодым народным артистом страны.
Экранный образ знаменитого красного командира Гражданской войны вытеснил реального исторического Чапаева благодаря исключительной яркости и блеску актерского исполнения. Чапаев у Бабочкина - и уникальная индивидуальность, и тип человека революционной эпохи и русского национального характер; он одновременно и талантливый военачальник, и атаман ватаги, мудрец и невежда, сильный и беззащитный, и вместе с тем - деспот, фанфарон, поражающий причудливым сплавом различных качеств. Живость и обаяние образа, воплощенного Бабочкиным, сделало Чапаева истинно народным героем, персонажем поистине фольклорным, героем притч и анекдотов.
Чапаев - роль всей жизни талантливого русского актера Бориса Бабочкина, его профессиональное счастье, его профессиональный подвиг. Фотографии, хроника свидетельствуют: герой и исполнитель мало похожи. Однополчане, даже родной сын утверждали: "похож". Это было сходство внутреннее, сущностное, не внешнее и не дарованное природой, а завоеванное талантом, мастерством, трудом актера.
Дочь Бориса Андреевича - Наталья Борисовна Бабочкина: "О зрительской любви к "Чапаеву" тут нашему поколению и говорить нечего. А молодежь если и не видела этого фильма, то хотя бы слышала о нем. Но сама роль Чапаева неоднозначно сказалась на творческой судьбе Бориса Андреевича. Как-то в одной из передач радио "Свобода" американские критики отметили "страстность и эмоциональность" героя, считая, что "Чапаев представляет собой лучшее, что было в революции". А мне кажется, что слово "революция" можно заменить другим понятием. Бабочкин воплотил характер истинно народного героя, рожденного защитить людей от бед и несправедливостей, не жалеющего себя ради других. О Бабочкине-Чапаеве Андрей Тарковский говорил так: "Весь он как бриллиант, где каждая грань контрастирует с другой, из чего и вырастает характер, ...герой-человек, и в этом его бессмертие".
Театр. Актер и режиссер В 1937 году Борис Андреевич переходит в Большой драматический театр имени Горького уже не только как актер, но и в качестве режиссера (первая его постановка "Нора" Ибсена в Академическом театре драмы имени Пушкина относится к 1936 году и была посвящена памяти И.Н. Певцова).
В 1938 году Бабочкин назначается художественным руководителем БДТ. Он ставит ряд спектаклей, ставших событием в театральной жизни: "Кубанцы" В. Ротко, "Дачники" Горького, "Царь Потап" А. Копкова, "Волк" Л. Леонова.
В 1940 году Бабочкин переезжает из Ленинграда в Москву и вступает в труппу Театра имени Евг. Вахтангова.
С 1943 года начинается самый "пестрый" период жизни артиста, даже напоминающий географической подвижностью время его скитаний по театрам страны в ранней молодости. Он играет Огнева у вахтанговцев во "Фронте" А. Корнейчука; его постановкой "Бранденбургских ворот" М. Светлова открывается в Москве Театр-студия киноактера. В 1948-1951 годах - Бабочкин - актер и режиссер Государственного академического Малого театра, в 1952-1953 годах - главный режиссер Московского театра им. А. С. Пушкина.
Год проводит в Болгарии, выпуская на сцене Болгарского народного театра имени Ивана Вазова один за другим три спектакля: "Разлом" Б. Лавренева, "Дачники" М. Горького и "Лейпциг-33" Л. Компанейца и Л. Кронфельда. Он также много занимается воспитанием творческих кадров театра и кино Болгарии.
Последний, почти в четверть века, наверное, самый известный отрезок жизни Бабочкина связан с Государственным академическим Малым театром. С 1955 года он вновь возвращается туда режиссером.
Кино после "Чапаева" В 30-е - 40-е годы Бабочкин много снимается в кино. Самая заметная довоенная роль после "Чапаева" - большевик Андрей в фильме "Подруги" (1935).
22 июня 1941 года застает его в Риге, где вместе с режиссером С. Тимошенко он снимает фильм "Мертвая петля" о знаменитом летчике Сергее Уточкине, которого сам и играет (съемки, прерванные войной, затем не возобновились).
Всю Великую Отечественную войну, не считая поездок в осажденный Ленинград, Борис Андреевич не расстается с кинематографом. В годы войны он снимается в центральных ролях в пяти полнометражных фильмах. Это Молдавский в "Обороне Царицына" Васильевых (1942); инженер Родионов в "Непобедимых" С. Герасимова и М. Калатозова (1942); майор Марков в "Актрисе" Л. Трауберга (1943); генерал Огнев в ленте "Фронт" Васильевых (1943); председатель колхоза Иван Выборнов в "Родных полях" (1945).
"Родные поля" были режиссерским дебютом Бабочкина в кино. Вместе с А. Босулаевым он поставил картину на "Мосфильме", просто и мужественно рассказав в ней о жизни подмосковной деревни в военное лихолетье. По определению Ю. Нагибина, картина эта стала "одной из лучших кинолент о советской деревне".
Надо вспомнить, что и первый советский боевой агитфильм снят с участием Бориса Андреевича. Это короткометражная картина "Чапаев с нами" режиссера В. Петрова. Съемки шли под Ленинградом, в Озерках, когда над головами членов съемочной группы "буквально летали фашистские самолеты".
К числу фильмов, посвященных Великой Отечественной войне, примыкает и поставленная Борисом Андреевичем на "Мосфильме" "Повесть о "Неистовом"". Вышедшая на экраны в 1947 году, картина показывала героический труд команды эскадренного миноносца "Неистовый", несшего патрульную службу по защите от фашистов транспортных судов союзников на самом севере нашей Родины.
Из поздних актерских работ Бабочкина выделялись телевизионные экранизации "Скучной истории" по Чехову (Николай Степанович, 1968), "Плотницких рассказов" по В. И. Белову (Алеша Смолин, 1972). В последних своих работах Актер продемонстрировал широту диапазона таланта, мастерство перевоплощения (фильм-спектакль "Дачники", "Бегство мистера Мак-Кинли").
За исполнение роли Сэма Боулдера в фильме "Бегство мистера Мак-Кинли" (1975) Борис Андреевич в 1977 году был посмертно удостоен Государственной премии СССР.
Педагог Много лет жизни отдал Борис Андреевич воспитанию творческой молодежи. Сначала, в конце 30-х годов в Ленинграде, и студии при Большом драматическом театре имени Горького, затем в течение многих лет (начиная с 1944 года) преподавая во ВГИКе. Однажды перед встречей с новым курсом будущих киноактеров он записал в дневнике, размышляя об актерской профессии: "Искусство берет всего человека, целиком... Ему нужно отдать всю жизнь". Он подтвердил эти слова своим существованием. Бабочкин был рыцарски предан своему делу и не прощал какого-либо неуважения к своей профессии. Не переносил несерьезного отношения к делу, не прощал актерам небрежности речи, непродуманности, приблизительности мысли, стертости формы.
Его студенты обожали своего учителя. Вот как о нем отзывается одна из его учениц – актриса Наталья Богунова: Богунова: «Я боготворила Бориса Андреевича Бабочкина, я его боготворила он творил чудеса, он просто, по-моему, оборотень был. Он играл перед нами спектакль, например "Достигаев и другие", - от Сашеньки, до игуменьи и все роли один в сером костюме, ничего не снимая. Это меня настолько поражало, его перевоплощения дар, и потом я никогда не видела, чтобы человек так перевоплощался, играя один спектакль так мастерски».
Заключение Светлоглазый, быстрый, удивительно пластичный и изящно сложенный, Бабочкин до самых последних дней оставался по-юношески увлекающимся, влюбленным в жизнь. Он весь загорался, вспыхивал радостью при встрече с настоящим произведением искусства, талантливой работой своих товарищей по сцене и экрану или с удачами своих учеников, читая хорошую книгу или увидев на вернисаже интересную картину. Он умел смеяться до упаду и грустить, сочувствуя другому человеку. Каждой своей работе он отдавался самозабвенно. Но полная душевная отдача сочеталась у него с трезвым логическим анализом. Недаром вслед за И.Н. Певцовым любил повторять он пушкинские слова: "Поверил я алгеброй гармонию". Въедливая логика ума определяла не только его актерскую работу, но и подход к режиссуре: никакой предвзятости, верность тексту и авторской мысли. И при всей неожиданности трактовки его режиссерский замысел всегда был соотнесен с автором - только с ним, а не с модой, не с желанием удивить или развлечь, пощекотать нервы зрителя.
Работая по шестнадцать-восемнадцать часов в сутки, он терзался мыслью, что сделал мало, не отдал людям всего, что мог. "Я хочу умереть стоя", - записал он в своем дневнике. И он - умер стоя, в работе.
Летним жарким днем 17 июля 1975 года недалеко от Малого театра остановилась легковая машина. Борис Андреевич успел затормозить и никому не принес вреда, но не успел принять сердечное лекарство... Он только что отвез в редакцию газеты "Известия" статью о IX Московском международном кинофестивале, только что побывал в Малом театре, где назначил на следующий день встречу с Игорем Владимировичем Ильинским: Борис Андреевич начинал ставить "Чайку" Чехова, и Ильинский должен был в ней играть...
Уже после того, как Бабочкин ушел из жизни, народный артист СССР Андрей Александрович Гончаров написал о его творчестве: "...Он был самым современным актером из всех ныне действующих. Ярость личного, человеческого и художественного присутствия ощущалась в каждой роли. Играл ли он Чапаева, или Суслова, или старого профессора в "Скучной истории", он присваивал себе чувства каждого героя полностью и с такой личной эмоциональной силой, мощью духовности существовал в каждой роли, как может только великий актер. Все... говорили о полноте бабочкинского перевоплощения. А мне было интересно, как Бабочкин присутствует в роли безотносительно к взятой им степени характерности. Именно узнаваемость Бабочкина была поразительна". А народный артист СССР Олег Николаевич Ефремов считал, что "…с таких людей, как Борис Андреевич, Станиславский писал свою систему".
Источник:
Работы в театре
Актёрские работы
* «Горе от ума» Грибоедова — Чацкий * «Борис Годунов» А. С. Пушкина — Самозванец * «Фронт» А. Е. Корнейчука — Огнев * «Тени» Салтыкова-Щедрина — Клаверов * 1960 — «Иванов» А. П. Чехова — Иванов * 1964 — «Дачники» М. Горького — Суслов * 1965 — «Правда — хорошо, а счастье лучше» А. Н. Островского. Режиссёр: Борис Бабочкин — Сила Ерофеевич Грознов * 1971 — «Достигаев и другие» М. Горького — Достигаев
Постановки спектаклей
* 1935 — «Нора» Г. Ибсена * 1939 — «Дачники» М. Горького (БДТ) * 1940 — «Царь Потап» А. А. Копкова (БДТ) * 1946 — «Новогодняя ночь» А. К. Гладкова (театр им. Вахтангова) * 1957 — «Вечный источник» Дмитрия Зорина — (Малый театр). * 1960 — «Иванов» А. П. Чехова — (Малый театр) * 1961 — «Весенний гром» Дмитрия Зорина — (Малый театр) * 1964 — «Дачники» М. Горького — (Малый театр) * 1965 — «Правда — хорошо, а счастье лучше» — (Малый театр) * 1971 — «Достигаев и другие» М. Горького — (Малый театр)
Фильмография полнометражных фильмов
1. 1928 — Мятеж — Мятежник Караваев[5] 2. 1930 — Заговор мертвых — красноармеец[5] 3. 1932 — Возвращение Нейтана Беккера- Микулич[5] 4. 1933 — Первый взвод — Макар Бобрик[5] 5. 1934 — Дважды рождённый — Дубовик[5] 6. 1934 — Чапаев — Чапаев 7. 1935 — Подруги — Андрей[5] 8. 1938 — Друзья — Алексей[5] 9. 1942 — Оборона Царицына — поручик Молдавский[5] 10. 1942 — Непобедимые — инженер Родионов[5] 11. 1943 — Актриса — Марков[5] 12. 1943 — Фронт — Огнев[5] 13. 1947 — Повесть о «Неистовом» — Никитин[5] 14. 1948 — Повесть о настоящем человеке — командир полка 15. 1949 — Великая сила — Лавров[5] 16. 1954 — Тревожная молодость — секретарь ЦК КП(б) Украины[5] 17. 1959 — Аннушка — Иван Иванович 18. 1961 — Иван Рыбаков — генерал Рыбаков[5] 19. 1966 — Дачники 20. 1975 — Бегство мистера Мак-Кинли — Сэм Боулдер
Признание и награды
* Сталинская премия первой степени (1941) — за исполнение главной роли в фильме «Чапаев» * Сталинская премия третьей степени (1951) — за исполнение роли Лаврова в фильме «Великая сила» * Народный артист СССР (1963) * Государственная премия СССР (1977) — за исполнение роли Сэма Боулдера в фильме «Бегство мистера Мак-Кинли» (посмертно) * Орден Ленина (трижды) * Орден Трудового Красного Знамени (1950)
Сергей Аполлинариевич Герасимов (1906—1985) — советский кинорежиссёр, сценарист, киноактёр и педагог, лауреат Ленинской (1984), трёх Сталинских премий (1941, 1949, 1951) и Государственной премии СССР (1971). Герой Социалистического Труда (1974). Народный артист СССР (1948). Член ВКП(б) с 1943 года.
Биография Сергей Герасимов родился 21 мая (3 июня) 1906 года в станице Кундравинской Троицкого уезда Оренбургской губернии (ныне село в Чебаркульском районе Челябинской области). В 1923—1925 годах учился в Ленинградском художественном училище. В 1928 году окончил Ленинградский государственный институт сценического искусства.
В кино — с 1924 года. Дебютировал как актёр в фильме «Мишки против Юденича» (1925), в котором играл роль шпика.
Первые годы актёрской деятельности Герасимова проходили в мастерской «ФЭКС» (Фабрика эксцентрического актёра). Снимался в фильмах режиссёров Г. Козинцева и Л. Трауберга в ролях: Чиновника («Шинель», 1926), Медокса («С. В. Д.», 1927), Журналиста («Новый Вавилон», 1929), Председателя сельсовета («Одна», 1931), а также в фильмах режиссёров Ф. Эрмлера — Меньшевик («Обломок империи», 1929), Вс. Пудовкина — 2-й бонза («Дезертир», 1933) и других.
В мастерской «ФЭКС» Герасимов прошёл школу эксцентричного актёра. В своих первых ролях проявил себя как актёр преимущественно гротескового плана, мастер острого, графически чёткого рисунка образа. В дальнейшем, не оставляя полностью актёрской работы, Герасимов занимался преимущественно режиссурой, во многих своих фильмах выступая и как сценарист.
Большое место в творческой биографии Герасимова занимала педагогическая работа, он руководил актёрской мастерской на киностудии «Ленфильм».
Режиссёрским дебютом Герасимова был фильм «Двадцать два несчастья» (1930, совместно с С. Бартеневым); затем он поставил фильм «Сердце Соломона» (1932, сценарий совместно с М. Кресиным), «Люблю ли тебя?» (1934, сценарист Герасимов).
В педагогической практике по воспитанию киноактёров и в режиссёрской работе Герасимов, опираясь на опыт реалистической прозы, ищет собственные пути в киноискусстве.
Своеобразие дарования Герасимова выявилось в полной мере в его первом звуковом фильме «Семеро смелых» (1936, сценарий Герасимов совместно с Ю. Германом). Герасимов работал над этим фильмом с воспитанным в его мастерской коллективом молодых актёров (Т. Макарова, П. Алейников и др.).
Уже в этом фильме Герасимов проявил себя режиссёром-педагогом, воплощающим свои замыслы через углублённую работу с актёрами. В фильме «Семеро смелых» создан коллективный портрет советской молодёжи, раскрыты характеры в повседневной жизненной практике. Глубокое проникновение в жизнь советской молодёжи, документальная достоверность её изображения, высокий гражданский пафос в сочетании с предельно подробным рассказом о характере каждого героя — все эти черты были присущи и фильму «Комсомольск» (1938), поставлен Герасимовым по собственному сценарию, написанному совместно с 3. Маркиной и М. Витухновским. Этот фильм рассказывал, как в нелёгком труде и быте растут и закаляются характеры молодых строителей, комсомольцев 1930-х гг., закладывающих новый город в далёкой тайге.
Значительной работой Герасимова в предвоенном кино был фильм «Учитель» (1939; Сталинская премия 1941). Автор сценария и режиссёр — С. Герасимов, главный оператор — В. Яковлев.
Придавая большое значение наследию русской и мировой культуры для духовного развития советского человека, Герасимов поставил фильм «Маскарад» (1941, сценарий Герасимова), стоящий несколько особняком в его творчестве. Картина, воссоздающая романтический пафос драмы Лермонтова, трактовалась режиссёром как трагедия обманутого доверия, она отличалась высокой режиссёрской и актёрской культурой (Арбенин — Н. Мордвинов). Одной из самых значительных актёрских работ в этом фильме было исполнение Герасимовым роли Неизвестного.
Но современная тема по-прежнему осталась основной для Герасимова. Режиссёр так определяет своё отношение к задачам кинематографии: «В нашем понимании современная тема в киноискусстве — это постановка и идейно-художественное решение тех вопросов, которые непосредственно влияют на развитие нашей жизни, на утверждение и углубление политики коммунистической партии и Советского государства».
В годы Великой Отечественной войны Сергей Герасимов принимал участие в создании Боевого киносборника № 1 (1941), поставил фильмы «Непобедимые» (1943, совместно с М. Калатозовым) и «Большая земля» (1944), рассказывающие о героической борьбе советских людей на фронте и в тылу.
В 1944—1946 годах Герасимов возглавлял Центральную студию документальных фильмов. В 1944 году Герасимов возвращается к педагогической работе, он руководит объединённой режиссёрской и актёрской мастерской во ВГИКе. Работая со студентами, Сергей Герасимов всё больше утверждается в мысли о близости языка современного кино к языку реалистической прозы. Герасимов осуществил со своими учениками, в форме своеобразного киноспектакля, постановку романа А. Фадеева «Молодая гвардия» (Театр-студия киноактёра). На основе этого спектакля, в 1948 году, был поставлен фильм «Молодая гвардия» (Сталинская премия, 1949).
Монументальный по форме, суровый по художественному колориту фильм рисует героическую борьбу комсомольского подполья, руководимого партией большевиков.
Несмотря на то, что первоначальный вариант романа и сценария фильма подвергся серьёзной критике высшего партийного руководства (лично И. Сталина) за недооценённую роль партии в организации антифашистского подполья, фильм в конечном итоге был удостоен Сталинской премии.
Совместно с киноработниками КНР Герасимов создал документальный фильм «Освобождённый Китай» (1950; Сталинская премия, 1951), в 1952 году поставил фильм «Сельский врач» о людях советской деревни. В 1956 году, по сценарию Герасимова поставлен фильм «Дорога правды» (режиссёр Я. Фрид), в 1958 году фильм «Память сердца» (режиссёр Т. Лиознова).
В конце 1950-х гг. Герасимов создал одно из самых значительных произведений советского кино того периода — фильм «Тихий Дон» (3 серии, 1957—1958) по мотивам одноимённого романа М. Шолохова. Фильм решён в жанре народной драмы, он передаёт высокую правду человеческих характеров, рождённую в столкновениях революционной борьбы. Автор сценария и режиссёр С. Герасимов, главный оператор В. Рапопорт. Фильму (1-я серия) присуждена премия за цвет на Международном кинофестивале в Брюсселе (1958), 3-й серии фильма присуждена Большая премия на XI Международном кинофестивале в Карловых Варах (1958), 1-я премия и премия за режиссуру на I Всесоюзном кинофестивале в Москве (1958).
Герасимов продолжил работу над жанром киноромана; в 1962 году он закончил двухсерийный фильм «Люди и звери», охватывающий события эпического масштаба и жизнь множества людей, являющихся их участниками. Фильм рассказывает о трудном пути бывшего советского офицера, оставшегося после фашистского плена за границей и возвратившегося после длительного отсутствия на родину. Герасимов играл в этом фильме роль опустившегося эмигранта князя Львова-Щербацкого.
Творческая деятельность режиссёра, актёра и сценариста, Герасимов совмещает с большой педагогической работой во ВГИКе, где он ведёт объединённую режиссёрскую и актёрскую мастерскую, руководит кафедрой режиссёрского и актёрского мастерства. Среди его учеников режиссёры и актёры: С. Бондарчук, Л. Кулиджанов, Т. Лиознова, И. Макарова, Н. Мордюкова, Н. Рыбников, 3. Кириенко, Ж. Болотова и многие другие. Являлся также художественным руководителем творческого объединения московской киностудии им. Горького.
Герасимов выступал и как драматург — он автор пьес «Учитель» (1939) и «Наши дни» (1940) и эпизодически как театральный режиссёр.
В 1960-х годах Герасимов перешёл к фильмам на современную тему, сознательно вводя в сюжеты своих картин (Журналист, У озера, Любить человека) социально-публицистические интонации. Сохраняя известную склонность к дидактике, режиссёр, тем не менее, стремился выводить проблематику своих картин на «общечеловеческий» уровень (экология, гражданская и моральная ответственность, преемственность поколений).
Став одним из самых авторитетных деятелей советского кинематографа, он не отказался от традиции снимать в своих фильмах студенческую молодёжь, начинающих и непризнанных исполнителей, неоднократно выступал художественным руководителем в постановках молодых режиссёров на киностудии им. Горького.
На основе дипломного спектакля своей актёрской мастерской во ВГИКе в 1976 году им был поставлен телефильм «Красное и чёрное» по одноимённому роману Стендаля.
Знаменитый фильм Александра Аскольдова «Комиссар» обязан Герасимову в полном смысле слова своим существованием. Выяснилось, что Герасимов проигнорировал пришедший из ЦК КПСС приказ, предписывавший смыть все негативы «антисоветского» фильма «Комиссар». После смерти Герасимова в его сейфе был найден единственный уцелевший негатив фильма, хранившийся там все эти годы.
Последние годы Актёрам не рекомендуется ложиться в гроб, даже если это требуется по ходу сцены. Считается, что снятый в гробу исполнитель вскоре окажется в нём по ходу уже совсем иного сценария. Суеверные стараются подложить вместо себя двойника.
На съёмках «Льва Толстого» (Главный приз Международного кинофестиваля в Карловых Варах, 1984) Сергея Герасимова уговаривали отказаться от этой сцены. Но Герасимов был создателем фильма. Он вложил в него всё. И стоял на своём, считая непорядочным и по отношению к творчеству, и просто по-человечески подстраховаться двойником.
Умер Герасимов спустя год после выхода на экраны «Льва Толстого» 26 ноября 1985 года после операции на сердце.
Был женат на актрисе Тамаре Макаровой, которая играла главные роли во многих его фильмах.
Фильмография
Режиссёрские работы
* 1929 — «Двадцать два несчастья» (совместно с С. Бартеневым) * 1932 — «Сердце Соломона» (сценарист совместно с М. Кресиным) * 1932 — «Лес» * 1934 — «Люблю ли тебя?» (сценарист) * 1936 — «Семеро смелых» * 1938 — «Комсомольск» * 1939 — «Учитель» * 1941 — «Маскарад» (по пьесе М. Ю. Лермонтова) * 1941 — «Старая гвардия» * 1941 — «Боевой киносборник № 1» * 1941 — «Встреча с Максимом» * 1941 — «Чапаев с нами» (сценарист) * 1943 — «Непобедимые» (совместно с М. К. Калатозовым) * 1943 — «Киноконцерт к 25-летию Красной Армии» (сценарист и режиссёр совместно с другими) * 1944 — «Большая земля» * 1948 — «Молодая гвардия» (по роману А. А. Фадеева) * 1950 — «Освобождённый Китай» (документальный фильм совместно с киноработниками Китая) * 1951 — «Сельский врач» * 1954 — «Надежда» (сценарист и режиссёр) * 1956 — «Дорога правды» (сценарист) * 1958 — «Тихий Дон» (по роману М. А. Шолохова) * 1958 — «Память сердца» (сценарист) * 1959 — «Говорит спутник» (сценарист и режиссёр совместно с Волчеком, Дорманом и Оганисяном) * 1961 — «Карьера Димы Горина» (художественный руководитель фильма) * 1961 — «У Крутого Яра» (художественный руководитель фильма) * 1962 — «Люди и звери» * 1967 — «Журналист» * 1970 — «У озера» * 1972 — «Любить человека» * 1974 — «Дочки-матери» * 1976 — «Красное и чёрное» * 1980 — «Юность Петра» * 1981 — «В начале славных дел» * 1984 — «Лев Толстой»
* Сталинская премия второй степени (1941) — за фильм «Учитель» (1939) * Сталинская премия первой степени (1949) — за фильм «Молодая гвардия» (1948) * Сталинская премия первой степени (1951) — за фильм «Освобождённый Китай» * Государственная премия СССР (1971) — за фильм «У озера» * Герой Социалистического Труда (1974) * Ленинская премия (1984) * Народный артист СССР (1948)
* Орден Ленина — 1966. * Орден Трудового Красного Знамени — 1940, 1950. * Орден Красной Звезды — 1944. * Орден Белого льва III степени (Чехословакия).
В честь Герасимова назван Всероссийский государственный институт кинематографии (ВГИК) (1986).
* Действительный член Академии педагогических наук СССР (1978). * Член ВКП(б) с 1943 г. * Депутат Верховного Совета СССР и РСФСР в 1950—1958 гг. * Доктор искусствоведения (1946), * Профессор Всесоюзного государственного института кинематографии (ВГИК) в Москве (1946). * Член Союза писателей СССР. * Член Президиума Советского комитета защиты мира (с 1950). * Секретарь правления Союза кинематографистов СССР.
Иосиф Ефимович Хейфиц (4 (17) декабря 1905 — 24 апреля 1995) — выдающийся советский кинорежиссёр.
Лауреат двух Сталинских премий (1941, 1946), народный артист СССР (1964), Герой Социалистического Труда (1975). Член ВКП(б) с 1945 года.
Биография
Иосиф Хейфиц родился 17 декабря 1905 в Минске. В 1927 году он окончил Ленинградский техникум экранного искусства, а в 1928 году — кинофакультет Института истории искусства.
В 1928 году Иосиф Хейфиц пришёл работать на кинофабрику «Совкино» (ныне — киностудия «Ленфильм»). В кино он дебютировал сначала как сценарист, совместно с А. Ивановым и А.Зархи создав сценарии фильмов «Луна слева» и «Транспорт огня».
Позже Иосиф Хейфиц стал режиссёром-постановщиком, причём с 1928 по 1950 годы работал совместно с Александром Зархи, возглавил 1-ю комсомольскую постановочную бригаду ленинградской фабрики «Совкино» (ныне киностудия «Ленфильм»), выпустившую фильмы, посвящённые советской молодёжи, — «Ветер в лицо» (1930), «Полдень» (1931), комедию «Горячие денёчки» (1935). С исторической глубиной, психологической правдой, большой художественной силой показан в фильме З. и Хейфица «Депутат Балтики» (1937) приход в революцию крупного русского учёного профессора Полежаева (в главной роли Н. П. Черкасов). Значительным произведением киноискусства стал фильм З. и Хейфица «Член правительства» (1939), в центре которого образ русской крестьянки (в главной роли В. П. Марецкая), прошедшей трудный путь от батрачки до депутата Верховного Совета. Совместно с Зархи поставил также фильмы «Его зовут Сухэ-Батор» (1942), «Малахов курган» (1944), документальный фильм «Разгром Японии» (1945). В 1950-е годы режиссёр снял такие известные картины, как «Большая семья», «Дело Румянцева», «Дорогой мой человек». Затем Иосиф Хейфиц обратился в своем творчестве к русской классике, экранизировав произведения А. П. Чехова, И. С. Тургенева, А. И. Куприна — «Дама с собачкой», «Плохой хороший человек», «Ася», «Шурочка».
Отличительными чертами его творчества можно назвать глубокое раскрытие внутренней сущности героев, тонкое понимание киноязыка и выразительность деталей.
В фильмах Иосифа Хейфица ярко, порой с совершенно неожиданных сторон, раскрылись актёрские индивидуальности таких незаурядных артистов, как Ия Саввина, Алексей Баталов, Анатолий Папанов,Олег Даль, Владимир Высоцкий, Людмила Максакова, Ада Роговцева, Елена Коренева, Станислав Садальский.
Не раз работы режиссёра удостаивались различных кинематографических призов, в том числе были отмечены и на Каннском кинофестивале. Последней работой Иосифа Хейфица стала драматическая лента «Бродячий автобус», вышедшая на экраны страны в 1989 году.
Умер Иосиф Хейфиц 24 апреля 1995 года. Похоронен на кладбище в Комарово.
Сыновья — режиссёр Дмитрий Светозаров и кинохудожник Владимир Светозаров.
Фильмография
Режиссёрские работы
* 1933 — Моя Родина * 1935 — Горячие денёчки * 1936 — Депутат Балтики * 1939 — Член правительства * 1942 — Его зовут Сухэ-Батор * 1944 — Малахов курган * 1946 — Во имя жизни * 1948 — Драгоценные зёрна * 1950 — Огни Баку * 1953 — Весна в Москве * 1954 — Большая семья * 1955 — Дело Румянцева * 1958 — Дорогой мой человек * 1960 — Дама с собачкой * 1963 — День счастья * 1967 — В городе С. * 1971 — Салют, Мария! * 1973 — Плохой хороший человек * 1975 — Единственная * 1977 — Ася * 1979 — Впервые замужем * 1983 — Шурочка * 1986 — Подсудимый * 1988 — Вы чьё, старичьё? * 1989 — Бродячий автобус
Сценарии
* 1928 — Луна слева * 1935 — Горячие денёчки * 1939 — Член правительства * 1944 — Малахов курган * 1986 — Подсудимый * 1989 — Бродячий автобус
Награды и премии
* Герой Социалистического Труда (1975), * Сталинская премия второй степени (1941) — за фильм «Депутат Балтики» (1936), * Сталинская премия первой степени (1946) — за документальный фильм «Разгром Японии» (1945), * Народный артист СССР (1964).
Янина Болеславовна Жеймо (польск. Janina ejmo, 29 мая 1909 — 29 декабря 1987) — советская киноактриса польского происхождения.
Детство Янина Жеймо родилась в семье цирковых артистов. Детство Яни прошло под знаком праздника и нужды. Цирковых заработков не хватало, отец болел, с раннего детства ей пришлось подрабатывать. С трехлетнего возраста она выступала в цирке наездницей, гимнасткой, балериной, музыкальным эксцентриком и даже... преподавала балет (ученикам много старше ее).
В 1923 году, в день своего рождения, отец умер. Мама осталась с четырьмя дочерьми. В цирке работать они уже не могли - развалился номер. Кончился очередной контракт, семья осталась в Петрограде. Кормила их эстрада, номера придумывались с ходу, если было надо, брались даже за то, чего прежде не умели, например, выучились играть на ксилофонах. У Эли и Яни был коронный номер - "Музыкальные эксцентрики". Об этом времени своей жизни Янина Жеймо писала: "Странно - я нормально росла до четырнадцати лет, а потом... Я была уверена, что рост прекратился потому, что мне приходилось носить на голове тяжеленные ксилофоны, а я носила их так, чтобы не уставали руки". Маленький рост - казалось бы, трагедия для молоденькой девушки - сослужит ей впоследствии верную актерскую службу, но отчасти и ограничит диапазон ее амплуа вечным приговором: травести.
ФЭКС. Дебют в кино В пятнадцать лет параллельно с работой на эстраде Янина Жеймо втайне от родных поступила на ленинградский кинокомбинат "Фабрика эксцентрического киноактера" (ФЭКС) в актерскую студию под руководством Григория Козинцева и Леонида Трауберга, будущих знаменитых советских режиссеров. В Москве и Петрограде середины двадцатых годов было открыто множество киношкол. Что-то реально сделавшими оказались лишь три, в том числе ФЭКС. Жеймо улыбнулась судьба.
Ко времени поступления в ФЭКС ее актерский стаж насчитывал двенадцать лет - гораздо больше, чем у экзаменаторов, повергнутых этим известием в шок. Учеба не была безоблачной, но упорство девушки сделало свое дело...
В 1925 состоялся дебют Янины Жеймо в кино. Она сыграла роль Мишки в фильме "Мишки против Юденича".
Кстати, в этой картине Янина снялась вместе со своим первым мужем Андреем Костричкиным (с ним она познакомилась в ФЭКСе). Их совместная жизнь оказалась недолгой, несмотря на рождение дочери, которую назвали в честь мамы Яниной. Впоследствии Янина-младшая всю жизнь проработала литобработчиком на "Мосфильме".
Тем временем, у Янины Жеймо началась вторая профессиональная жизнь. Цирк и эстрада постепенно стали отходить в прошлое. Уже в 1926 году Янина Жеймо снялась сразу в нескольких фильмах Григория Козинцева и Леонида Тауберга, среди которых стоит отметить главную роль в эксцентрической комедии "Братишка".
Первые шаги в кино Янине давались нелегко. Впервые увидев себя на экране, она была разочарована и расстроена - подобные чувства испытывали многие молодые артисты после своих первых пробных съемок на пленку. Ведь киногеничность во многом зависит от профессионализма оператора, от того, как установлен свет. По свидетельству знаменитой американской актрисы Лилиан Гиш, на заре кинематографа нередки были случаи, когда свет специально ставился так, чтобы завалить актерскую пробу. Но постепенно постоянный фэксовский оператор Андрей Москвин приноровился к лицам студийцев, и Янина Жеймо на экране стала походить на себя и выглядеть естественно. В 1929 году Янина окончила киномастерскую ФЭКС.
Несмотря на успехи дочери, мама Янины Жеймо не одобряла ее: "На эстраде у нее имя, а в кино... Первая сзади! Невеселая перспектива..." В чем-то материнские слова оказались пророческими, потому что Янина Жеймо осталась в памяти одной из золушек, незвезд отечественного кино. Мы проглядели русскую Джульетту Мазину...
Кино довоенного периода Тридцатые годы, наверное, можно назвать самым счастливым периодом в творческой жизни Янины Жеймо. Ее начали активно приглашать сниматься.
Первой главной ролью Янечки, как знакомые ласково называли ее почти до старости, по иронии судьбы оказалась роль школьницы в фильме "Разбудите Леночку" (1934). Актриса Елена Егорова писала: "Ни одна даже самая искусная травести (за исключением, пожалуй, такого феномена, каким в свое время была Янина Жеймо) не сможет выдержать на экране соревнования с обыкновенными мальчиком и девочкой". По словам Григория Козинцева: "И "Разбудите Леночку", и более поздний фильм "Приключения Корзинкиной" были редкими, единичными опытами создания в советском кино жанра эксцентрической ленты с постоянным героем - зрелища изначально условного, но по своей природе близкого Янине Жеймо, единственной советской актрисе, умеющей играть в короткометражке".
Янину Жеймо часто и необоснованно сравнивали с Мэри Пикфорд, "золотоволосым невинным ангелом". Жеймо не могла, как киномагнатка Пикфорд, сама выбирать роли, а играла то, что предлагали. И, кроме того, за ее детской внешностью скрывался эксцентрико-лирический дар, в драматической ситуации часто позволяющий добиться трагикомического эффекта, что было абсолютно невозможно для Пикфорд.
Это было время наибольшей ее популярности (особенно после фильма "Подруги"). Рассказывали, что поклонники ходили за Жеймо толпами и даже иногда прямо к ней домой приезжали девочки и мальчики, мечтавшие стать артистами. Сейчас эти рассказы звучат странно, потому что фильмы, принесшие ей ту известность, нам практически неизвестны.
1938 год оказался для Янины Жеймо черным. Она снялась только в одном фильме в маленькой роли, а съемки еще двух картин с ее участием были остановлены. В паузах актеру, чтобы он не чувствовал себя невостребованным и профессионально не застаивался, могла бы помочь работа в театре. Но Жеймо - "кинематографист чистейшей крови" - очень мало была связана с театром и тяжелое время переживала вне профессии. А как - кто знает?.. "Она была создана для того, чтобы играть. А вне этого оставалась беспомощной и сердитой, как сердятся иной раз глухонемые" (Е.Шварц, "Телефонная книжка").
Тем не менее в 1939 году ее награждают орденом "Знак Почета".
Годы войны Еще до войны Янина Жеймо вышла второй раз замуж. Ее новым супругом стал знаменитый режиссер Иосиф Хейфиц. От этого брака родился Юлий Жеймо. Впоследствии он стал кинооператором, жил в Польше.
Когда началась война, Хейфиц вместе с детьми выехал в Ташкент. Янина Жеймо оставалась в Ленинграде, где ей пришлось пережить блокаду. В составе одной из концертных бригад "Ленфильма" Янина выступала в госпиталях, парках, скверах, а по ночам дежурила на крыше, гасила зажигалки. Говорят, что она была знакома с Зощенко, научившим ее гадать на картах, что ее дом был открыт для друзей даже в то страшное время и многих спасали эти вечера.
Лишь в конце 1942 года Янина наконец эвакуировалась в Ташкент - туда после переезда нескольких киностудий переместилось кинопроизводство. "Гитлер сделал одно доброе дело - я похудела", - шутила Жеймо, вернувшись домой.
Вот только дома ее никто не ждал. Пока поезд тащился до Средней Азии, до Хейфица дошла страшная весть, что в дороге во время бомбежки Янечка погибла. Иосиф Ефимович посчитал себя свободным человеком...
Янина не простила мужу измены, и к Хейфицу не вернулась. Она тяжело заболела, жива осталась только чудом. Этим чудом стал польский режиссер Леонид Жано. Он познакомился с Яниной в Ташкенте и вынянчил ее, умирающую от болезни и обиды, чтобы потом всю жизнь с ней не расставаться.
"Золушка"
1947 год. Послевоенная страна вставала из руин, еще не были стерты следы пожарищ, разрухи - мрачных следов кровопролитной войны. Всем так хотелось мира, человеческой теплоты и доброты. Хотя бы экранной, сказочной, придуманной... И 16 мая на экраны вышла фильм-сказка "Золушка", где Янина исполнила главную роль.
Когда смотришь фильм, кажется, что и Золушка, и Принц взялись из ниоткуда - актеры "неизвестны". Между тем и для Жеймо, и для Алексея Консовского этот фильм не начало, как могло бы показаться, а... закат. Они вместе работали до этого в фильме "Шел солдат с фронта", а позже - на дубляже ленты "Рим, 11 часов", и у обоих были несколько иные амплуа, нежели в "Золушке" (Консовский часто играл простых деревенских пареньков). Актеры тех лет редко получали возможность побывать не очередными нашими современниками, а сказочными героями - стране нужны были своевременные фильмы. Съемки "Золушки" обросли многочисленными мифологическими подробностями. Янине Жеймо тогда было около 37 лет (а на ее роль пробовалась шестнадцатилетняя балерина, но безуспешно), она была старше обеих "сестер" и могла сниматься только по вечерам, потому что утром лицо "не такое". Консовский был младше Жеймо на три года. Рассказывают, что многие работники студии приносили из дома все мало-мальски "дворцовое" и "придворное" для съемок бальных сцен, а Золушкино платье сооружалось из обрезков, вот только туфельки пришлось делать специально, потому что найти обувь тридцать первого размера не смогли.
Роль Золушки пренесла новую волну популярности актрисе. Евгений Шварц вспоминает: "Картина появилась на экранах в апреле 47 года и имела успех. В июне того же года увидел на теневой стороне Невского у рыбного магазина Янечку с мужем. Жарко. Пыльно, около шести Невский полон прохожими. Янечка, маленькая, в большой соломенной шляпе, просвечивающей на солнце, в белом платье с кружевцами. Посреди разговора начинает оглядываться растерянно. И я замечаю в священном ужасе, что окружила нас толпа. И какая - тихая, добрая. Даже благоговейная. Существо из иного, праздничного мира вдруг оказалось тут, на улице. "Ножки, ножки какие!" - простонала десятиклассница с учебниками, а подруга ее кивнула головой как зачарованная…"
Работа после "Золушки" В период малокартинья, начавшийся после "Золушки", Янина Жеймо участвовала в дублировании зарубежных фильмов и отечественных мультфильмов. Дубляж - работа специфическая, не каждый актер даже с хорошими голосовыми данными к ней пригоден. Но голос Жеймо, говорившей за Герду в "Снежной королеве" или за героиню в фильме "Марти", нежный, спокойный, робкий и в то же время гордый, забыть невозможно. Кино отвергло ее облик - она отдала ему свой голос.
В своих дневниках Евгений Шварц написал: "Удивительно привлекательное существо Жеймо сделала десятую долю того, что могла бы. Должна бы. Все ее существо - туго натянутая струнка. И всегда верно настроенная. И всегда готовая играть".
Свою последнюю роль она сыграла в 1954 году в фильме "Два друга", когда ей было только 45 лет.
Вне кино В 1957 году Янина с мужем уехала в Польшу, в Варшаву. Там она прожила последние тридцать лет своей пятой жизни, сугубо частной, о которой известно не много. Она выучила язык, дружила с известным польским киноведом-классиком, Ежи Теплицем... было даже несколько предложений сниматься, но по разным причинам они не были приняты. Казалось бы, странно. Но ведь не всегда главное - соглашаться на что угодно, только бы сняться, мелькнуть, напомнить о себе. Особенно для актрисы, всегда игравшей героинь своего, а не чужого времени. И места.
Умерла Янина Болеславовна в Москве 29 декабря 1987 года.
Источник:
Награды
* 1939 год — орден «Знак Почёта»
Фильмография
* 1925 — Мишки против Юденича — мальчишка (эпизод) * 1926 — Чёртово колесо — девушка из шпаны * 1926 — Шинель — подручная портного * 1926 — Братишка — девочка из гаража * 1927 — С. В. Д. — цирковая наездница * 1927 — Чужой пиджак — Гулька * 1929 — Голубой экспресс — китайская девушка[источник не указан 382 дня] * 1929 — Новый Вавилон — Тереза * 1929 — Дорога в мир — героиня в детстве * 1930 — 22 несчастья — Манька * 1931 — Одна — маленькая учительница * 1931 — Человек из тюрьмы — судомойка * 1932 — Ищу протекции — студентка * 1933 — Моя родина — Оля * 1934 — Песня о счастье — Анук * 1934 — Разбудите Леночку — Леночка * 1935 — Горячие денёчки — Кика * 1935 — Подруги — Ася * 1936 — Леночка и виноград — Леночка * 1938 — Враги — Надя * 1939 — Шёл солдат с фронта — Фроська * 1939 — Доктор Калюжный — Ольга * 1941 — Приключение Корзинкиной — Корзинкина * 1942 — Боевой киносборник № 12 — Танька (новелла вторая — «Ванька») * 1942 — Белорусские новеллы — Пчёлка (новелла первая — «Пчёлка») * 1943 — Два бойца — медсестра * 1943 — Март-апрель — Катя Веселова * 1943 — Мы с Урала — Вера * 1943 — Юный Фриц — Гертруда, девочка попавшая в гестапо * 1947 — Золушка — Золушка * 1954 — Два друга — мать Кости Шишкина
Вера Петровна Марецкая (1906—1978) — советская актриса театра и кино, народная артистка СССР (1949). Лауреат четырёх Сталинских премий (1942, 1946, 1948, 1951). Герой Социалистического Труда (1976).
Детство Вера Марецкая родилась в 1906 году в подмосковной Барвихе. Ее родители к миру искусства никакого отношения не имели. Хотя нет, некая связь все же существовала. Глава семейства Марецких, Петр Григорьевич, с 1912 года арендовал буфет в цирке Никитиных. После революции он остался работать там же на должности продавца. Дети (Вера, ее сестра и два брата) регулярно помогали отцу. Особенно нравилось бывать в цирке Вере. Работать приходилось в основном в антракте, а все остальное время можно было стоять за кулисами и смотреть представление. Вера закрывала глаза и видела себя то бесстрашной наездницей, то грациозной воздушной гимнасткой…
Родители же были другого мнения о будущем своей дочери. Им хотелось дать детям серьезное образование. По настоянию родителей Вера сдала вступительные экзамены на философский факультет Московского университета. Но мир искусства продолжал пленить ее воображение. В тайне от отца она подала документы сразу в три театральных студии. Прошла в две и выбрала школу-студию при театре имени Вахтангова, поскольку Е.Б. Вахтангов был учеником К.С. Станиславского. С философией было покончено.
Театр Завадского. Довоенные годы В 1924 году Вера Марецкая окончила Школу-студию. Как раз в это время Юрий Завадский, в то время еще актер студии Вахтангова, решил основать собственную театральную студию. Марецкая поддержала Юрия Александровича, став одной из первых его актрис.
В студии (а позднее театре Юрия Завадского) молодая Марецкая начала с возрастных характерных ролей. Она с блеском перевоплощалась в различных смешных старух, среди которых особо запомнились мадам Соковнина, забавная степенная тетка из первого публичного спектакля студии «Простая вещь» (1927) и шепелявая толстуха фрау Шнютхен из комедии «Компас».
Темперамент Марецкой, ее чувство юмора, безудержная фантазия сказались и на ее дальнейшем репертуаре. В спектакле «Нырятин» она весело сыграла бойкую беспризорницу Степку, в «Волках и овцах» на выразительном контрасте ложной скромности и алчности «подала» свою лицемерку Глафиру. Одной из лучших работ Веры Марецкой в довоенный период была роль проститутки Бетти Дорланж в «Школе неплательщиков» Вернейля. Рассказывают, что когда актриса подходила к авансцене и произносила в зал: «Господа, совершенно не с кем жить», - зал просто лежал.
«Умна как бес. Всегда знает, что делает и почему, и зачем, и главное как», - писал о Марецкой Юрий Александрович Завадский.
Тем временем отношения между Марецкой и Завадским развивались странным образом. Именно он открыл Марецкую как актрису, стал для нее настоящим учителем. Вскоре творческие отношения переросли в личные. Марецкая вышла замуж за любимого мастера, родила ему сына, но их брак оказался недолгим. Когда их сыну Жене исполнилось четыре года, Завадский влюбился в молодую, блистательную Галину Уланову и ушел из семьи.
Казалось бы, после этого Марецкой оставалось в ответ покинуть театр. Недостатков в предложениях не было. Талантливую актрису хотели видеть у себя многие режиссеры, но… Вера Петровна осталась и проработала с бывшим мужем всю жизнь, продолжая оставаться одной из ведущих актрис его театра.
Довоенные работы в кино Несмотря на успехи в театре настоящее всенародное признание Вере Марецкой как актрисе принес кинематограф. Дебютировала на экране Марецкая в 19-летнем возрасте, сыграв небольшую роль в идеологической драме Якова Протазанова «Его призыв». В том же 1925 году Протазанов вновь привлек актрису к съемкам. В его комедии «Закройщик из Торжка» (где в главной роли снялся блистательный Игорь Ильинский) Марецкая сыграла работницу Катю.
Образ трогательной простушки Кати понравился и запомнился зрителям. А партнер Марецкой по фильму Игорь Ильинский так отозвался о ее работе: «Простота, наивность, естественность без наигрыша составляли главное очарование Марецкой».
Одно за другим стали поступать предложения от режиссеров. В период с 1927 по 1930 год она сыграла роли в фильмах: «Земля в плену» (проститутка), «Живой труп» (дамочка), «Два-Бульди-Два» (секретарь ревкома), «Стыдно сказать» (Софочка). Яркую характерность и настоящий лиризм актриса продемонстрировала в роли скромной деревенской девушки Параши в сатирической комедии Бориса Барнета «Дом на Трубной».
После столь бурного начала Вера Марецкая стала реже сниматься в кино. Сказалась ее занятость в театре. Следующая заметная роль ею была сыграна уже в 1935 году. В историко-социальной драме «Любовь и ненависть», рассказывающей о событиях 1919 года, Марецкая предстала в образе бойкой шахтерки Веры, подбившей женщин принять бой против белых. Тема становления женского характера, продемонстрированная актрисой в фильме, с этого момента стала определяющей в ее дальнейшем кинотворчестве.
Как можно заметить, практически все картины, в которых доводилось сниматься Вере Марецкой, были насквозь пронизаны коммунистической идеологией. Что поделать, такое было время. Однако в этих фальшивых, идейных лентах ей удавалось создавать настоящие, живые образы простых русских баб, наделенные непридуманной искренностью. Такими, например, были ее Варя Постникова в фильме «Поколение победителей» (1936) и Александра Соколова в картине «Член правительства» (1939).
Драма режиссеров Александра Зархи и Иосифа Хейфица «Член правительства» была создана все в том же духе соцреализма, но… «Но это неважно, - говорит историк театра, телеведущий и литератор Виталий Вульф, - когда видишь стоящую на трибуне Марецкую-крестьянку, произносящую речь. Это можно смотреть бесконечно, потому что за ее героиней мудрость и жизнь народная». Именно эта роль принесла Марецкой широкое, всенародное признание.
Личная жизнь После ухода Завадского, Вера Марецкая вышла замуж за довольно посредственного актера Георгия Троицкого. В этом браке у нее родилась дочь Маша. Троицкий, или как его называла Вера Петровна Троша, в творческую жизнь жены не вмешивался, занимаясь в основном устройством быта и уходом за дочкой.
Творческие вопросы Вера Марецкая по-прежнему решала с Завадским. В 1940 году на базе его театра-студии был организован Театр им. Моссовета. Завадский стал в нем главным режиссером, а Марецкая по-прежнему оставалась одной из его прим.
40-е годы Лучшие работы актрисы, как в театре, так и в кино, пришлись на 40-е годы. Первой ролью на сцене театра Моссовета для Веры Петровны стала Мирандолина в пьесе К. Гольдони «Трактирщица». Героиня Марецкой сразу же понравилась зрителям своим жизнелюбием. Благодаря этому качеству именно эта пьеса в годы войны вызывала неизменный успех у фронтовиков.
В Театре им. Моссовета Марецкой доводилось играть роли самого разного плана. Вера Петровна с одинаковым успехом появлялась в образе нежной и робкой Машеньки («Машенька»), напористой и лихой кавалерист-девицы Дуровой («Надежда Дурова»), пышущей здоровьем крестьянки Розетты («Любовью не шутят»), или актрисы Кручининой («Без вины виноватые»). За роль Надежды Дуровой Вера Марецкая была в 1942 году удостоена Сталинской премии.
В годы войны Театр им. Моссовета по решению правительства эвакуировали в Алма-Ату. Там, помимо работы на сцене, актриса продолжила съемки в кино. В 1943 году она сыграла одну из лучших своих ролей – партизанку Прасковью Лукьянову в драме Фридриха Эрмлера «Она защищает Родину» (впоследствии актриса за эту роль получила вторую Сталинскую премию). Премьерный показ картины был прерван трагическим известием – под Орлом погиб ее муж Марецкой Георгий Троицкий (он ушел добровольцем на фронт еще в начале войны). Больше Вера Петровна замуж не выходила…
В кино Марецкая снималась чаще всего в главных ролях, однако порой случались и эпизоды. Причем эти работы запоминались не меньше, чем главные. Чего только стоит ее акушерка Змеюкина в знаменитой комедии Исидора Анненского «Свадьба» (1944). «Когда вы смотрите фильм «Свадьба», где Марецкая фантастически и завораживающе исполняет роль Змеюкиной, невозможно не восхищаться, - говорит Виталий Вульф. - Капризная, обворожительная и обольстительная!» И эта замечательная картина снималась в годы войны в одной-единственной комнате в Лиховом переулке!
Сразу же после войны на экраны вышла еще одна картина с участием Веры Марецкой – драма Марка Донского «Сельская учительница». Фильм охватывал период с кануна Первой мировой войны, когда героиня Марецкой, выпускница гимназии Варвара Васильевна, отправляется в глухую деревню, и до окончания второй мировой. Перед зрителями прошла фактически вся жизнь сельской учительницы – от молодой девушки, до пожилой женщины. Такое сыграть под силу только актрисам, обладающим огромным талантом!
Сама Вера Петровна отмечала: «Необычайно человечный и поэтический сценарий Марии Смирновой давал прекрасный материал для создания чистого, нежного, типичного для русской действительности образа женщины с ее готовностью к самопожертвованию, отказу от жизненных благ ради благородного, большого дела». Эта работа актрисы вновь была отмечена Сталинской премией.
50-е – 60-е В 50-е – 60-е годы Вера Марецкая снималась в кино крайне редко. Среди ее работ можно отметить главную роль в картине «Мать» по одноименному роману Максима Горького, взбалмошную тетушку в комедии «Легкая жизнь» и восьмидесятилетнюю бабушку Варвару Антоновну в драме «Ночной звонок» (это была последняя работа актрисы в кино).
Зато в Театре Моссовета Вера Марецкая играла много самых разных ролей: Маргарет Чалмерс («Кража», 1954), Леди («Орфей спускается в ад»), директор фабрики Капитолина Солнцева («Рассвет над Москвой», 1950) и другие. За последнюю Вера Петровна была в четвертый раз удостоена Сталинской премии.
Люди, хорошо знавшие Марецкую, отмечали, что Вера Петровна безумно любила театр и работала с полной самоотверженностью. Георгий Бахтаров, которому посчастливилось играть вместе с Марецкой в пьесе «Враги» вспоминает: «Вера Петровна к работе относилась истово, не щадила ни себя, ни меня. Только отыграем сцену из «Врагов», садимся в машину, чтобы ехать на следующий концерт, она говорит: «Давайте текст повторять». Пытаюсь отнекиваться: «Вера Петровна, мы же только что с вами отыграли, знаем всё назубок. Зачем нам повторять?» - «Ах вы, лентяй эдакий, нет, давайте повторять!» И мы прямо в машине начинали репетировать».
Последние годы Для Юрия Завадского Вера Марецкая всегда оставалась актрисой номер один. Однако в театре были еще две великие актрисы: Фаина Раневская и Любовь Орлова. И режиссеру нередко приходилось лавировать между этими тремя глыбами, обладавшими, кстати, непростыми характерами. В 70-е годы все это вылилось в страшный конфликт. Но об этом чуть ниже…
В 60-е годы Театр им. Моссовета купался в лучах славы. Вера Марецкая была уже не просто популярна, ее с полным основанием относили к звездам кино и театра первой величины. Гастроли по Советскому Союзу, поездки с театром в Румынию, Болгарию, Югославию, Францию. Участие в театральном фестивале в Эдинбурге… Активная общественная деятельность Марецкой была отмечена грамотой Всемирного совета мира.
Все хорошо складывалось и в семейной жизни. Дочь Маша удачно вышла замуж за очаровательного мужчину, молодого ученого Дмитрия. И вдруг… Несколько лет счастливой жизни были перечеркнуты внезапной смертью Дмитрия, - он повесился. Маша, потрясенная этим известием, попала в неврологическую клинику.
Марецкая - сильный человек. Она с головой уходит в работу, несмотря на постоянные головные боли. Юрий Завадский и Ростислав Плятт (с которым Марецкую связывала давняя дружба) буквально силой заставляют Веру Петровну обследоваться. В больнице ее ждет страшный диагноз – рак головного мозга.
Как раз в это время Завадский ставил на сцене театра прекрасный грустно-смешной спектакль «Странная миссис Сэвидж». Главную роль в нем исполняла Фаина Раневская. К тому времени великую актрису тоже стало подводить здоровье, и Фаина Григорьевна стала уговаривать режиссера освободить ее.
Завадский пошел навстречу и отдал роль ее сопернице Любови Орловой, чем вызвал необыкновенный гнев Раневской. Орлова сыграла миссис Сэвидж очень по-своему, не пытаясь повторить Раневскую. Ее хрупкость и женственность углубляли драматизм пьесы. Однако вскоре эта история получила новое продолжение.
После диагноза Марецкой Юрий Завадский решил ввести ее на роль миссис Сэвидж. Дать ей последний шанс. Однако и для Любови Орловой эта роль была последним шансом. Последовал взрыв. Не зная о болезни Марецкой, Орлова стала требовать вернуть ее в спектакль, угрожая дойти до самых «верхов».
Тем временем Вера Петровна, измученная химиотерапиями, буквально на зубах вытаскивала эту роль. На одном из спектаклей Марецкая расплакалась, ее партнер (в театре уже знали про рак) Константин Михайлов поклонился ниже обычного. Зал тоже плакал. Они прощались друг с другом. За кулисами плакал Завадский…
Они умирали вместе Затем была вторая операция, короткое возвращение на сцену и снова больница. Вскоре в ту же Кунцевкую больницу попала и Любовь Орлова. Они лежали в разных палатах. Марецкая периодически писала ей записки, но обиженная Орлова не отвечала.
26 января 1975 года Любовь Орлова скончалась. Марецкая нашла в себе силы пойти на панихиду. Она долго стояла у гроба, а затем, говорят, тихо произнесла: «И тут она первая...»
Накануне 70-летия вышел указ о награждении Веры Петровны звездой Героя Труда. У нее уже отказывали ноги. Но - не приехать?! Нет! Она приехала. И даже произнесла речь. «С одного дубля», - шутя говорила потом.
Измученная болезнью, Марецкая и в больнице продолжала работать. Она читала стихи русских поэтов, а сын записывал ее на магнитофон. Вскоре в той же Кунцевской больнице оказался и Завадский. По старой привычке они с Верой Петровной обменивались рисунками и приветами. Умер Юрий Александрович в 1977 году, и первой об этом сообщили Марецкой. Спустя год, 17 августа 1978 года, из жизни ушла Вера Петровна…
Источник:
Фильмография
1925 Его призыв («23 января») 1925 Закройщик из Торжка 1927 Земля в Плену 1928 Дом на Трубной («Параша») 1929 Два-бульди-два 1929 Живой труп («Законный брак») 1929 Сто двадцать тысяч в год 1930 Стыдно сказать 1935 Любовь и ненависть 1936 Зори Парижа 1936 Поколение победителей 1939 Член правительства 1941 Дело Артамоновых 1942 Котовский 1943 Она защищает Родину 1944 Свадьба 1947 Сельская учительница («Воспитание чувств») 1949 У них есть Родина 1955 Мать 1956 Полюшко-поле 1962 Среди добрых людей 1964 Легкая жизнь 1969 Ночной звонок
Звания и награды
* Сталинская премия второй степени (1942) — за исполнение главной роли в спектакле «Надежда Дурова» А. С. Кочеткова и К. А. Липскерова * Сталинская премия второй степени (1946) — за исполнение роли Прасковьи Лукьяновой в фильме «Она защищает Родину» (1943) * Сталинская премия первой степени (1948) — за роль Варвары Васильевны Мартыновой в фильме «Сельская учительница» (1947) * Сталинская премия второй степени (1951) — за исполнение роли Капитолины Солнцевой в спектакле «Рассвет над Москвой» А. А. Сурова * 1949 г. — Народная артистка СССР * 1976 г. — Герой Социалистического Труда
Анатолий Петрович Кторов (наст. фам. Викторов; 1898—1980) — советский актёр театра и кино, лауреат Сталинской премии первой степени (1952), народный артист СССР (1963).
Биография Анатолий Кторов родился 12 (24) апреля 1898 года в Москве.
В 1919 году Кторов окончил студию под руководством Ф. Ф. Комиссаржевского. Дебютировал в 1917 году в театре В. Ф. Комиссаржевской, где играл до 1920 года. В 1920—1933 годах с перерывами работал в Театре Корша. В 1933 году вступил в труппу МХАТа.
Искусство Кторова как актёра, обретая с годами отточенность и зрелость, не испытывало сложной эволюции; хорошие внешние данные и природный артистизм, мастерство сценического диалога уже в первые годы работы выдвинули Кторова в число известных молодых актёров.
Анатолий Кторов был близким другом Игоря Ильинского.
Умер Анатолий Петрович Кторов 30 сентября 1980 в Москве. Похоронен на Введенском кладбище в Москве.
Жена: актриса Вера Николаевна Попова, с которой вместе работал на разных сценах (театр Корша, МХАТ).
Театральный дождь
В 20-х он был звездой экрана: герой фильмов Якова Протазанова "Закройщик из Торжка", "Праздник святого Иоргена", "Марионетки", "Процесс о трех миллионах". Его вызывающее изящество, блестящий цилиндр, крахмальные манишки, вся его отточенная пластика придавали особую притягательность мелодраматическим сюжетам кинолент, в которых он снимался. С его именем уже тогда была связана особая эстетика - эстетика торжествующего шика, блеска, ослепительного мужского магнетизма.
В 1937 году Кторов сыграл Паратова в знаменитом фильме Протазанова "Бесприданница", ставшем классикой русского кинематографа XX века. Роскошный Паратов-Кторов покорял высокомерием и обольстительностью, на экране существовал красивый, блистательный фат. Долгие годы им определяли меру "роковой красоты".
После Паратова Кторов не снимался 25 лет. Он играл на сцене Художественного театра.
Кторов пришел во МХАТ в 1933 году после закрытия театра Корша, где он прослужил 13 лет. У Корша он играл много. Первой актрисой этого театра была его жена Вера Николаевна Попова, выдающееся дарование, любовь театральных зрителей и театральной Москвы тех далеких лет. Она играла Глафиру в "Волках и овцах", Ларису в "Бесприданнице", Анну Кристи в драме 0'Нила "Анна Кристи" и, по словам П. Маркова, была "одна из лучших актрис советской сцены". Кторов всю жизнь боготворил Попову. В 1932 году Кторов играл в "Бесприданнице" Карандышева, спектакль ставил В. Сахновский, и вся театральная Москва стремилась посмотреть Ларису-Попову.
Но судьба этого спектакля была предрешена. Из письма Николая Радина Синельникову (5 февраля 1933 года): "31 января был последний спектакль в театре Корш. Бесславно кончил он свое 55-летнее существование: люди, ликвидировавшие его, не посчитались ни с чем... ни с прошлым, в котором было много значительного, ни с самолюбием работавших там актеров, ни даже с почтенной юбилейной датой. Приказом Наркомпроса художественный состав распределен между московскими театрами, здание передано со всем инвентарем МХАТу. МХАТ взял Попову, Кторова и Петкера".
Уже в 1933 году медленно шло развернувшееся впоследствии удушение искусства. Театр видоизменялся. Возникала новая система ценностей. Складывался новый тип культуры, резко отличавшийся от культуры 20-х годов.
Исторический смысл этих перемен будет осознан значительно позже. Феномен Веры Николаевны Поповой постепенно оставался в стороне. Она, перейдя во МХАТ, перестала быть первой актрисой времени. Она играла во МХАТе Катерину в "Грозе", замечательно ввелась на роль Насти в "На дне" Горького, поразила самых злых критиков своей Марго в "Глубокой разведке" Крона, за что получила Сталинскую премию, но главной актрисой МХАТа Попова не стала, хотя и сохранила в неприкосновенности свое имя и свой артистический дар.
Судьба Кторова сложилась иначе.
В 1916 году, когда он учился на первом курсе театральной студии Федора Комиссаржевского при Театре имени Веры Федоровны Комиссаржевской, к ним в студию пришел новый преподаватель - Илларион Певцов, занимавший особое место в ряду кумиров публики. В становлении Кторова он сыграл большую роль. В студии предложил ему приготовить "Записки сумасшедшего" Гоголя и долго работал с ним, чувствуя его стремление к форме и сложным рисункам ролей.
В юности Кторов заикался, при переходе на второй курс было решено его сократить, ведь не может быть актер-заика. Отстоял его Певцов, доказывая, что заикание не органическое и что оно пройдет. Кторов в студии был оставлен.
В 1919 году Певцов познакомил молодого Кторова со своей партнершей - Верой Николаевной Поповой, ей было тридцать лет, она играла с Певцовым пьесу Леонида Андреева "Савва". Кторов влюбился сразу в ее женственность и несравненный талант. Вскоре он стал единственной любовью Поповой, на всю жизнь.
Кторов во МХАТе играл вводы: Шервинского в "Днях Турбиных" после Прудкина, Джозефа Сэрфеса в "Школе злословия" в очередь с Прудкиным, прокурора Скроботова во "Врагах" после Хмелева. Актер громадного таланта и мастерства, все довоенные и послевоенные годы он жаждал работы. Мечтал сыграть Тузенбаха в "Трех сестрах", лорда Горинга в "Идеальном муже" Уайльда, роль, казалось, созданную для него, но за ним прочно укоренилось амплуа актера на отрицательные роли. Во "Врагах" Кторов блестяще играл прокурора, знаменитая сцена Татьяны-Тарасовой со Скроботовым-Кторовым неизменно вызывала зрительский восторг. Ослепительная Татьяна-Тарасова, стройная, красивая женщина, по мнению критика Б. Алперса, разглядывала жизнь и людей беспокойными, ищущими глазами; рисунок роли Кторова был острый и стремительный.
Можно только представить себе резкий презрительный взгляд Кторова, если бы он дожил до наших дней и прочел на страницах одной из газет оскорбительную статью молодого критика Романа Должанского о Тарасовой в день ее столетнего юбилея.
В столетний юбилей Кторова бестактностей не произошло, хотя бы потому, что ему после смерти "повезло" больше, чем Тарасовой: после него остались фильм "Война и мир" Бондарчука и экранизация спектакля "Милый лжец" на телевизионном экране. Эти работы помогли сотворить миф Кторова или, точнее, его легенду.
Он стартовал, когда коммерциализация культуры делала в стране первые шаги. Блеск и новизна его экранного облика идеально соответствовали мечте среднего человека. Но сенсационная слава киногероя не помешала ему быть актером резкой индивидуальности, художником, чей талант был сплетен из двух плоскостей. Он постепенно вытеснял представление о себе как исключительно об актере точной формы и безупречного шика. Эти качества были подчинены чему-то высшему, и когда спустя четверть века он появился на экране в роли старика Болконского в "Войне и мире", - это уже был другой Кторов.
Триумф Кторова был связан со спектаклем "Милый лжец".
"Кто бы мог подумать, что с такой потрясающей силой именно во МХАТе будет прочтено прямо в зрительный зал письмо Бернарда Шоу и что это полное трагизма письмо прочтет артист, никогда или почти никогда, кажется, не выступавший в драматических ролях", - писал Анатолий Эфрос в книге "Репетиция - любовь моя".
Драматические роли Кторов играл, но слава его была связана прежде всего с характерными ролями. С блеском был сыгран крошечный эпизод в "Плодах просвещения", за исполнение роли барона Клингена он был удостоен Сталинской премии.
Шарма и изящества в нем было всегда много и на сцене, и в жизни.
В 30-е годы в доме Кторовых часто собирались мхатовские актеры. В одном из писем А. Степановой к Н. Эрдману актриса сообщала: "Вчерашний вечер прошел неожиданно бурно. Миша Яншин кормил пять девушек блинами, оттуда поехала на "булычевский" банкет к Поповой. Банкет был очень шикарен, в смысле ужина, обстановки и радушия, но, в силу многочисленности гостей, разнобоен и шумен".
То был еще 1934 год. Кторов замечательно пел романсы, он знал их в большом количестве и любил петь, аккомпанируя сам себе. В него влюблялись, им увлекались, но, в сущности, он был верен одной "музе" - Вере Николаевне. Попова пережила его, она умерла на 93-м году жизни в 1982-м, сыграв очень мало на сцене Художественного театра и оставив о себе память в том поколении, которого уже почти нет.
Кторова еще при жизни называли великим артистом, особенно после "Милого лжеца". Спектакль был поставлен в годы, когда ко МХАТу уже относились с предубеждением.
"В течение целого вечера слушать, как два актера будут читать со сцены письма! Какая, вероятно, предстоит нам скука!.. И кто бы мог подумать, что можно в течение нескольких часов сидеть, то затаив дыхание, то смеясь, то плача, слушать великолепный текст пьесы, в которой нет обычного для театра сюжета и внешнего действия!" - восклицал Анатолий Эфрос.
Степанова и Кторов играли поразительно, их художественная логика анализировала каждую фразу, находя удивительные переходы от одной мысли к другой и заражая своим обаянием зрительный зал. Это была гениально сыгранная роль, Кторов играл Шоу ровно 14 лет: премьера была в 1962 году, а 23 октября 1976 года спектакль прошел в последний раз. Играть Кторову становилось тяжело. Он болел, забывал текст. Наступил день, когда Степанова отказалась от роли. Что она могла сказать дорогому ей Анатолию Петровичу? Только улыбалась извиняющейся улыбкой, когда он вопрошающе молча смотрел на нее.
Дуэт Шоу и Патрик Кэмпбелл был созданием утонченного лиризма и изощренного интеллектуального наполнения. Теперь этот спектакль можно посмотреть по телевидению. А. Эфрос осуществил съемку спектакля, поставленного И.М. Раевским, и Степанова и Кторов принесли на экран неповторимость своего искусства.
А начало его во МХАТе было нелегким. Первая роль - Звонцов в "Егор Булычев и другие", спектакль был неудачен, прошел 28 раз и сошел со сцены. Потом начались вводы, первый - в "Пиквикский клуб" на роль Сэма Уэллера, сыгранную им блестяще. Но новых ролей или, точнее, новых премьер не было. Потом его ввели на Шервинского в "Днях Турбиных". Иногда попадались эпизоды, играл попа в "Земле" Николая Вирты, Долгорукова в "Последних днях" Булгакова.
Он молча переносил несчастливость своей мхатовской судьбы. Был сдержан, строг, элегантен, но тень неудовлетворения все чаще возникала на его лице, спасал юмор.
После войны играл больше: Серебрякова в "Дяде Ване", Автолика в "Зимней сказке", Суслова в "Дачниках", Забелина в "Кремлевских курантах", но событиями ни эти роли, ни спектакли не становились. Кторов это понимал.
Несколько раз он порывался уйти из МХАТа, перерывы между ролями были велики. "Я сам за последние восемь лет сыграл только одну роль в "Убийце" Ирвина Шоу, сыгранная роль Шоу в "Милом лжеце" была получена мною не от руководства, а из рук Степановой, она была инициатором этого спектакля", - писал он в очередном заявлении об уходе из театра 2 февраля 1964 года.
Из МХАТа он не ушел, не позволила привязанность к театру и чувство долга. Но терзаний было много.
Проходя мимо дома по улице Неждановой, где жили Кторов и Попова на пятом этаже, обращаешь внимание на мемориальные доски: Мейерхольду, Берсеневу, Гиацинтовой... Кторову доски нет, говорят, теперь доски не устанавливают. Могила его на Введенском кладбище. Там похоронена и Попова, там похоронена и Тарасова. Все эти имена принадлежат старому Художественному театру, которого тоже давно нет.
Кторов отличался тем, что был духовной опорой для людей долгие годы. Он жил в стороне от того, что считал неактерским делом, всегда оставаясь самим собой. Много лет этот выдающийся актер ощущал себя ненужным в театре и неосуществившимся. Но то, что он сделал за свою творческую жизнь, снискало ему огромную любовь и почти культовое поклонение, хотя сам он этого не желал замечать.
Хорошо помню, как отмечали 80-летний юбилей МХАТа. По традиции на сцене сидела вся труппа, называли имени старейших, еще многие были живы. Но не забыть овации, что разразились в зрительном зале, когда произнесли имя "Кторов". Зал грохотал, торжественное заседание было прервано. То было восхищение талантом и честно прожитой жизнью, человеком, который оставался редкой индивидуальностью на сцене и в повседневности.
Артистичность и талант его были беспредельны. Шоу и Болконский поставили его в особое положение, так он и ушел из жизни, оказавшись среди мхатовских "стариков" "первым из первых".
1. 1925 — Закройщик из Торжка - Толя 2. 1925 — Его призыв 3. 1925 — Шахматная горячка 4. 1926 — Процесс о трёх миллионах — Каскарилья 5. 1927 — Круг 6. 1927 — Кто ты такой? 7. 1930 — Праздник Святого Йоргена — Коркис 8. 1931 — Железная бригада 9. 1934 — Марионетки — принц 10. 1936 — Бесприданница — Сергей Сергеевич Паратов 11. 1952 — Школа злословия 12. 1968 — Война и мир — Николай Андреевич Болконский 13. 1968 — Посол Советского Союза — Король
Признание и награды
* Сталинская премия первой степени (1952) — за роль Коко в спектакле «Плоды просвещения» * Народный артист СССР (1963)
Игорь Владимирович Ильинский (11 (24) июля 1901—13 января 1987) — актёр театра и кино, режиссёр, народный артист СССР (1949). Член КПСС с 1960 года.
Биография Игорь Ильинский родился в Москве, в 1901 году. В 1917 году поступил в театральную студию руководимую Ф. Ф. Комиссаржевским. Впервые выступил на профессиональной сцене в 1918 году в театре имени В. Ф. Комиссаржевской (роль Старика в комедии Аристофана «Лисистрата»).
В 1918 году Ильинский становится актёром театра ХПСРО. Затем работал в ряде московских театров: оперетта, «Летучая мышь», Теревсат, МХАТ, Первый государственный театр для детей.
Пробуя свои силы в различных жанрах, Ильинский наибольших успехов добивается в комедийных ролях: Селим («Похищение из Гарема» Моцарта), Антонио («Женитьба Фигаро») и других. Уже в этот период обнаруживается огромное сценическое обаяние актёра, его большая эмоциональная заразительность, склонность к яркой комедийной форме, мастерство перевоплощения.
В 1920 году Ильинский поступил в Театр РСФСР 1-й, преобразованный впоследствии в театр имени Мейерхольда, где работал до 1935 года.
С 1938 года Ильинский в труппе Малого театра. Дебютировал в роли Хлестакова, затем играл в роли Загорецкого («Горе от ума»), Счастливцева.
Склонность Ильинского к лирике, драматизму, передаче глубоких человеческих чувств нашла свое отражение и в его концертной деятельности (как мастер художественного слова выступал с начала 20-х годов XX века). Особенно ярко эти качества проявились в исполнении рассказа Карла Ивановича из «Отрочества» Л. Толстого и «Старосветских помещиков» Гоголя.
В эстрадном репертуаре Ильинского большое место занимают произведения Пушкина, Крылова, Щедрина, Чехова. Ильинский использовал в концертных выступлениях свою богатую мимику, выразительный жест, движение.
Друзьями Игоря Ильинского были артист Анатолий Кторов и художник из Кукрыниксов Николай Соколов.
Источник:
Начало творческой деятельности Начиналось всё с театра. Ещё гимназистом Ильинский бегал на спектакли Художественного и Малого театров. Когда исполнилось шестнадцать лет, он поступил учиться в студию Комиссаржевской. Шел семнадцатый год, решалась судьба страны, решалась и судьба молодого Ильинского. Уже через пол года он дебютировал на профессиональной сцене в театре имени Комиссаржевской, которым руководил отец прославленной актрисы Ф. Комиссаржевский.
Первая театральная роль И.В.Ильинского - Старик в спектакле "Лисистрата" Аристофана. Уже в те годы Ильинский заявил о себе, как о комическом актере. Он играл Селима в спектакле "Похищение из гарема", Антонио в "Женитьбе Фигаро" и др.
Страсть к эксцентрике нередко заслоняла его драматическое дарование. Возможно, поэтому в начале своего творчества Ильинский сменил несколько театральных коллективов. Он выступал в оперетте, в кабаре "Летучая мышь" (что, несомненно, окажет влияние на развитие комического дарования актёра), в легендарной первой студии Художественного театра…
Театр Мейерхольда В 1920 году Игорь Ильинский пришел в театр Всеволода Мейерхольда. В руках прославленного мастера талант Ильинского наконец получил необходимое техническое оформление. Ярко условный стиль его игры чрезвычайно точно согласовался с принципами творчества самого Мейерхольда. Поэтому Ильинский вскоре стал основным актером этого театра.
В театре Мейерхольда он проработал более десяти лет. Участвовал в спектакле "Зори" Верхарна (фермер Гислен), "Великодушный рогоносец" Кроммелинка (Брюно), "Свадьба Кречинского" (Расплюев) и др. Одновременно с работой в Театре Мейерхольда Ильинский выступал в спектаклях Московского драматического театра (играл Тихона в пьесе "Гроза" А.Островского), 1-й Студии МХАТа (Грумио в "Укрощении строптивой" В.Шекспира).
Критики отмечают, что уже в те годы был четко виден неповторимый почерк Ильинского. Даже яркая эксцентрика в исполнении актера казалась настолько естественной, что он легко входил в ансамбль с партнером любой школы и диапазона. Надо отметить, что некоторое время Ильинский был единственным молодым актёром, которого Мейерхольд называл по имени отчеству - Игорь Владимирович…
Первые роли в кино Во второй половине двадцатых годов Ильинский начинает сниматься в кино, где ему также достаются яркие комедийные образы. В 1924 году Яков Протазанов снимает его в своей картине "Аэлита". А в следующем году к молодому актеру приходит первый большой успех. Он снимается в эксцентрической комедии всё того же Протазанова - "Закройщик из Торжка". Причем роль Пети Петелькина писалась специально под Ильинского.
В следующем, 26-м году, выходит аж три картины с участием Ильинского! Зритель влюбляется в Ильинского. Картины идут с большим успехом. В 20-е начале 30-х годов все фильмы с Ильинским становятся событием и делают большие сборы. При этом изменяется и герой актера. Теперь это уже не просто комический образ, а социальный тип.
Яркость образов граничит с цирковым размахом. То ли великий клоун, то ли великий акробат… "Я могу играть на крыше вагона, на радиаторе движущейся машины, на скачущей лошади, плавать в море", - писал актер. Многие гэги и трюки актёр придумывает сам. Талант Ильинского наконец раскрывается с неожиданной стороны. Он уже не только и не столько смешит зрителя, сколько заставляет его сочувствовать своему герою.
Творческий кризис Но кино давало простор не только для кульбитов и многочисленных гэгов. Главным оружием Ильинского был крупный план. Незабываемые выражения лиц героев, гримасы, сменяемые с завидной быстротой. Или просто одна поднятая бровь - и уже смешно…
Но образы, сыгранные актёром в то время очень похожи между собой. В основном это смешные обыватели и прохиндеи. А актёр хочет большего. Это чувство неудовлетворённости сделанным свойственно большим художникам. И оно никогда не оставляло Ильинского. Наступает творческий кризис.
Любопытно, что именно в эти годы Ильинский решительно уходит от комических образов и на театральной сцене. Последней комедийной ролью, которую он сыграл на сцене театра Мейерхольда, была роль Кречинского в пьесе Сухово-Кобылина "Свадьба Кречинского". После этого Ильинский уходит из театра Мейерхольда. Пять лет не снимается в кино.
Малый театр Выйти из творческого кризиса ему удаётся лишь к концу 30-х годов. В 1938 году поступает в любимый ещё с гимназических лет Малый театр. Один из старейших актёров едко замечает: "Теперь нам остаётся пригласить ещё и Карандаша!". Но Ильинский задержится в Малом театре почти на пятьдесят лет. То есть до самой смерти. Сыграет Хлестакова, Счастливцева и Шмагу в пьесах Островского, Загорецкого в "Горе от ума"… Будет сам ставить спектакли.
Сам Ильинский позже писал, что именно русская классика помогла ему преодолеть определенный творческий кризис, когда актеру казалось, он повторяется и не может создать совершенно новый, отличный от предыдущего образ.
Бывалов
Чрезвычайно плодотворный период в жизни артиста связан с его работой в кино вместе с известным режиссером Г. Александровым. В 1938 году Ильинский великолепно сыграл роль Бывалова в комедии "Волга-Волга". Он сознательно лишил своего героя каких-либо комических черт, создав нарицательный образ бюрократа. Основное качество Бывалова - неумение делать что бы то ни было. Получив небольшой руководящий пост, на котором, казалось бы, вообще нечего делать, он умудряется и здесь проявить свою полную бестолковость, раздавая исключительно дурацкие указания. Но убедительнее всего Ильинский передает ограниченность героя, его упоение собой.
Для образа Бывалова Ильинский придумал не только особую манеру речи, но и выразительные внешние штрихи - маленькие прищуренные глазки, семенящую походку и беспомощное помахивание короткими ручками. Как позже писал сам актер, отправной точкой для него послужила грациозная и зажигательная героиня Любови Орловой, которая стала его партнершей. Он решил создать резко контрастный образ, что ему блестяще удалось.
Все свои трюки Ильинский выполнял сам. И этот знаменитый прыжок с верхней палубы тоже. Причём Александров первоначально хотел, чтобы актёр прыгал с нижней. Но тот себе на голову (думая, что прыгать будет дублёр) пошутил: "Подумаешь, вот с верхней было бы эффектнее!". "Когда я поднялся наверх, - вспоминал позже актёр, - в своих сапогах и с портфелем, с которым никогда не расставался, то понял, как это страшно, во мне все задрожало... Оператор был готов, все, задрав головы, смотрели на меня, я не мог подвести съемочную группу. Мне ничего не оставалось делать..."
За эту роль Ильинский получает Государственную премию и новую волну народной любви. Сталин смотрел фильм шестнадцать раз. На дне рождения Молотова он бросил актёру: "А, Бывалов! Вы бюрократ, и я бюрократ. Мы поймём друг друга".
Сороковые - начало пятидесятых Успех этого фильма определил развитие советской кинокомедии на несколько последующих десятилетий. Но после него Ильинский практически перестал сниматься, на целых восемнадцать лет прекратил серьезную работу в кино.
Причина заключалась не только в том, что актер был чрезвычайно требователен к самому себе, но и в изменившихся условиях времени от комедии требовали не обличения, а бесконфликтности, которая была глубоко чужда самой природе жанра и сути таланта Ильинского. Единственная его работа того времени - небольшая роль в комедии "Преступление и наказание" по сценарию М. Зощенко - не увидела экрана. В связи с известным постановлением 1946 года фильм был запрещен к показу.
В это трудное время Ильинский напряженно работает в театре, записывается на радио, где добивается постановки "Вани" по пьесе В. Маяковского, в которой вновь играет бюрократа. Кроме того, Ильинский много выступает на эстраде, проявив себя незаурядным чтецом.
Правда, в пятидесятые годы Ильинского снова начинают много снимать, на этот раз в фильмах-спектаклях, поскольку Министерство культы приняло решение запечатлеть на кинопленке основные постановки Малого и Художественного театров. Примечательно, что Ильинский для каждой из них (а речь идет о таких пьесах, как "Горе от ума" А. Грибоедова, "Ревизор" Н. Гоголя, "Волки и овцы" А. Островского) не допускал точного повторения того, что им уже было сделана сцене. Каждую роль, даже такую небольшую, как роль Загорецкого, Ильинский вновь шлифовал и отрабатывал, обогащая новыми штрихами.
Третья волна популярности
В середине пятидесятых годов Ильинский наконец получил возможность сняться в картине. Это была легкая комедия "Безумный день". Однако созданный Ильинским образ отдыхающего Зайцева оказался всего лишь повторением того, что им было сделано двадцать лет назад.
По настоящему звездную роль в кино после "Волги-Волги" Ильинскому удалось сыграть только спустя 18 лет. Он снялся в знаменитой комедии Эльдара Рязанова "Карнавальная ночь", в роли бюрократа Огурцова.
Вспоминает Эльдар Рязанов: "Снимать самого Игоря Ильинского в "Карнавальной ночи" я не собирался - робел, понимал, что корифей меня просто задавит. И когда Пырьев предложил его на роль Огурцова, я запаниковал: он же мой кумир с детства, знаменитый артист Мейерхольда, любимый народом Бывалов, потрясающий Хлестаков и Городничий, Фамусов и Счастливцев, первый, кто сыграл Присыпкина! А на другой чаше весов - я, снимающий свою первую игровую картину!
Ильинский читал сценарий, а я мечтал, чтобы он отказался. Но на первой же встрече кумир и классик меня сразил - был необыкновенно деликатен и ничем не выказывал своего старшинства. Немного поговорили о Бывалове, и я понял, что мы единомышленники. Партнером Ильинский оказался прекрасным - совсем лишен гонора и самоуверенности, и у нас не было ни одного конфликта. Как безупречный профессионал, он привык серьезно относиться к профессии режиссера, и это именно он задал на съемочной площадке тон уважительного отношения ко мне. Ничем не давал почувствовать разницы в опыте, положении, возрасте, и я открыл в нем еще один талант, которым обделены столь многие, - талант чуткости и такта. Тогда я понял: чем крупнее личность, тем меньше в ней фанаберии".
Без этой картины долгое время не обходился ни один Новый год в нашей стране. Появилась целая народная традиция: 31 декабря с друзьями или с семьёй обязательно смотреть по телевизору "Карнавальную ночь". Это была третья волна (после "немого" периода и "Волги-Волги") народной любви к Ильинскому.
В новом качестве
Но сам мастер не любил большинство из комедий со своим участием. Когда их крутили по телевидению, часто просил выключить "этот балаган". Он продолжал искать, хотеть чего-то большего, чего-то иного, серьёзного. И судьба вознаградила его.
В 62 году он вновь снимается в картине Эльдара Рязанова. В бессмертной "Гусарской балладе" он сыграл совершенно противоположную по стилистике роль, создав запоминающийся образ Кутузова. Любопытно, что в работе над ним актер исходил из трактовки личности полководца, данной Л. Толстым в романе "Война и мир" И тем не менее этот образ великолепно вписался в героико-комическую стилистику фильма.
Вспоминает Эльдар Рязанов: "К 150-летию Бородина я затеял поставить "Гусарскую балладу". Но в Минкульте сочли пьесу Гладкова легкомысленной для юбилея. К тому же роль Кутузова я предложил Ильинскому - это вызвало на студии шок: когда появится такой Кутузов, говорили мне, зрители покатятся со смеху! Дальше - больше: сам Ильинский категорически отказался: "Я ж намного моложе тогдашнего Кутузова!". Но я был уверен в своем выборе и сказал Ильинскому, что вся студия мечтает видеть его в этой роли. А на студии сокрушался, что никого не могу найти достойного. Так удалось снять с Ильинским эпизод проезда фельдмаршала перед войсками. А потом снег стаял, и переснимать было уже невозможно - студия оказалась перед свершившимся фактом. А Ильинский увлекся и играл с удовольствием. Он вызывал не только смех, но, мне казалось, и любовь, что не помешало Министерству культуры заключить, что я оклеветал образ великого полководца. Фурцева потребовала все переснять, и юбилейный показ картины был отменен.
Тем бы все и кончилось. Но за неделю до Бородина картину захотели посмотреть в газете "Известия", где редактором был Аджубей, зять Хрущева. Я напялил галстук и помчался на Пушкинскую. Там никто еще не знал о решении Фурцевой и о том, что Ильинский оскорбил Кутузова. Аджубей привел восьмилетнего сына, но, как только на титрах запели "Давным-давно", тот закричал, что не хочет это смотреть. Главный редактор взял его за руку и покинул зал, и я понял, что это конец. Происходящее на экране теперь казалось мне омерзительным. Все смеялись и после просмотра поаплодировали, но сплавивший сынишку и вернувшийся Аджубей ничего не сказал.
А вскоре в "Неделе", приложении к "Известиям", появилась рецензия Натэллы Лордкипанидзе - она фильм хвалила и особенно отмечала замечательную игру Игоря Ильинского. И сразу все пошло как в сказке. Не думаю, что это случилось бы, появись рецензия в другой газете, но на выступление известинской "Недели" реакция была молниеносной: уже через день на фронтоне кинотеатра "Россия" красовалась афиша моей картины, и на ней победно улыбался фельдмаршал Кутузов - народный артист Игорь Ильинский".
Последние годы. Театр На сцене же Малого театра Ильинский перешел к образам глубоко трагических героев. Он сыграл Фому Опискина в пьесе Ф. Достоевского "Село Степанчиково и его обитатели", а также Акима в пьесе Л. Толстого " Власть тьмы".
В конце шестидесятых годов Ильинский занялся и театральной режиссурой. Первой его постановкой стала сценическая версия романа Г. Флобера "Госпожа Бовари".
Заключительный период творчества Ильинского отмечен прежде всего образами Л. Толстого в пьесе "Возвращение на круги своя" И. Друцэ и Фирса в пьесе А. Чехова "Вишневый сад". Любители театра до сих пор помнят также игру Ильинского на сцене Малого театра в комедии Н. Гоголя "Ревизор", где артисту в разные годы довелось играть и Хлестакова, и Городничего.
А под самый конец жизни в Малом театре создаёт образ Льва Толстого в спектакле по пьесе Иона Друцэ "Возвращение на круги своя". Это действительно было возвращение на круги своя. Всё началось с театра. Им и закончилось. Последняя роль в кино сыграна Ильинским в 71 году. Их орбиты больше никогда не пересекались. А ведь впереди было ещё долгих 16 лет жизни!
В глубокой старости Игорь Ильинский много играл на радио - его приводили в студию под руки, он был почти слеп, и ассистент режиссера переписывал для него роль огромными шестисантиметровыми буквами. Но, взяв в руки текст, артист преображался: немощь исчезала, наступало чудо театра - Игоря Ильинского заменял его персонаж...
Источник:
Творчество
Актёр театра
* 1938 — «Ревизор» Н. В. Гоголя. Режиссёр: Вениамин Цыганков — Хлестаков
* «Лисистрата» — Старик * «Похищение из гарема» — Селим * «Женитьба Фигаро» — Антонио * «Зори» Верхарн — фермер Гислен * «Великодушный рогоносец» Кромелинк — ревнивец Брюно * «Лес» Островского — Аркашка Счастливцев * «Свадьба Кречинского» А. В. Сухово-Кобылина. Режиссёр: Леонид Хейфец — Расплюев * 1952 — «Ревизор» Н. В. Гоголя — городничий * 1952 — «Горе от ума» А. С. Грибоедова. Режиссёр: Пров Садовский — Загорецкий * «В степях Украины» Корнейчука — председатель колхоза Чеснок * «Незабываемый 1919-й» Вс. Вишневского — матрос Шибаев * «Когда ломаются копья» Н. Ф. Погодина — профессор Картавин * «Волки и овцы» А. Н. Островского — Мурзавецкий * «На всякого мудреца довольно простоты» А. Н. Островского — Крутицкий * 1956 — «Власть тьмы» Л. Н. Толстого. Режиссёр: Борис Равенских — Аким * «Возвращение на круги своя» Иона Друцэ — Лев Толстой
Режиссёр театра
* «Ярмарка тщеславия» * «Любовь Яровая» * «Честность» * «Ревизор» Н. В. Гоголя * 1982 — «Вишнёвый сад» А. П. Чехова
Актёр кино
1. 1924 — Аэлита — Кравцов 2. 1924 — Папиросница от Моссельпрома — Матюшин 3. 1925 — Закройщик из Торжка — Петя Петелькин 4. 1926 — Процесс о трёх миллионах — мелкий вор Тапиока 5. 1926 — Мисс Менд — клерк Гопкинс 6. 1926 — Когда пробуждаются мёртвые 7. 1927 — Чашка чая 8. 1927 — Поцелуй Мэри Пикфорд — билетёр Гога Палкин 9. 1928 — Кукла с миллионами — Поль Колли 10. 1930 — Праздник Святого Йоргена — бродяга Франц Шульц 11. 1931 — Шахта 12 - 28 («Донбасс») 12. 1931 — Механический предатель 13. 1936 — Однажды летом 14. 1938 — Волга-Волга — Бывалов 15. 1939 — Хирургия — фельдшер Глеб Глебыч 16. 1940 — Преступление и наказание 17. 1942 — Концерт фронту 18. 1944 — Живи, родная Беларусь 19. 1952 — На всякого мудреца довольно простоты 20. 1953 — Званый ужин 21. 1956 — Баллада о столе 22. 1956 — Безумный день — Зайцев 23. 1956 — Карнавальная ночь — Огурцов 24. 1962 — Гусарская баллада — фельдмаршал Кутузов 25. 1969 — Старый знакомый — Огурцов 26. 1971 — Эти разные, разные, разные лица — все роли 27. 1973 — Юнга Северного флота
Режиссёр кино
1. 1936 — Однажды летом 2. 1969 — Старый знакомый 3. 1971 — Эти разные, разные, разные лица
Награды и премии
* Сталинская премия первой степени (1941); за исполнение роли Бывалова в фильме «Волга-Волга» (1938) * Сталинская премия первой степени (1942); за исполнение роли Чеснока в спектакле «В степях Украины» А. Е. Корнейчука * Сталинская премия первой степени (1951); за исполнение роли матроса Шибаева в спектакле «Незабываемый 1919-й» В. В. Вишневского * Ленинская премия (1980) * народный артист СССР (1949) * Герой Социалистического Труда (1974) * Кавалер ордена Трудового Красного Знамени (1961), ордена Ленина (1967, 1971), ордена Дружбы народов (1981)
ПЫРЬЕВ Иван Александрович (1901-68), российский кинорежиссер, народный артист СССР (1948). Фильмы: «Партийный билет» (1936), Идиот» (1958), «Братья Карамазовы» (1969); музыкальные комедии «Трактористы» (1939), «Свинарка и пастух» (1941), «Кубанские казаки» (1950) и др. Государственная премия СССР (1941, 1942, 1943, 1946, 1948, 1951).
****
Иван Пырьев родился 17 ноября 1901 года в селе Камень (ныне город Камень-на-Оби) на Алтае. В 1923 году окончил актёрское отделение ГЭКТЕМАСа, учился там же на режиссёрском отделении. С 1921 года — актёр 1-го Рабочего театра Пролеткульта. Играл в спектаклях у С. Эйзенштейна («Мексиканец») и В. Мейерхольда («Лес»).
С 1925 года начал свою деятельность в кино, став крупнейшим советским комедиографом. Пырьев работает сценаристом и режиссёром на киностудиях «Госкино», «Пролеткино», «Союзкино» (ныне — «Мосфильм»). С 1926 года становится помощником режиссёра на фильмах Ю. Тарича. Является автором и соавтором сценариев «Оторванные рукава», «Токарь Алексеев», «Будьте такими», «Переполох», «Третья молодость», «Перегон смерти».
Всенародную популярность снискали его музыкальные комедии «Богатая невеста», «Трактористы», «Свинарка и пастух», «Кубанские казаки», романтические музыкальные фильмы «В шесть часов вечера после войны», «Сказание о земле Сибирской». Во всех этих фильмах сыграла главные роли его жена — актриса Марина Ладынина.
В 1954—1957 годах — директор киностудии «Мосфильм».
Известен своими экранизациями произведений Ф. М. Достоевского «Идиот» (1958) и «Братья Карамазовы» (1969).
Жизнь выдающегося режиссёра оборвалась на съёмочной площадке. У режиссёра болело сердце. 7 февраля 1968 года, вернувшись со съемок, Иван Александрович лег и умер во сне. Медицинское освидетельствование установило огромное количество инфарктов, перенесенных на ногах во время работы… Третью серию картины «Братья Карамазовы» закончили Кирилл Лавров и Михаил Ульянов.
Основатель Союза Кинематографистов СССР. Депутат Верховного Совета СССР.
****
Как режиссер-постановщик Пырьев начинал с сатирических комедий, однако резкая критика одной из них «Государственный чиновник» (1930) навсегда оттолкнула его от этого жанра. О его фильме «Конвейер смерти» (1933) драме из жизни германских рабочих, венгерский теоретик кино Б. Балаж писал: «Скучным нельзя назвать ни один кадр».
В начале 1930-х гг. Пырьев напряженно ищет свою тему, мечтает экранизировать «Мертвые души» Н. В. Гоголя, но обстоятельства вынуждают его выбрать путь политически лояльного режиссера. Тем не менее, даже в политически ангажированном «Партийном билете» (1936) фильме о враге советской власти, прикинувшемся партийным активистом, он достигает подлинного драматизма и детективной напряженности интриги.
«Богатая невеста» (1937) лирическая музыкальная комедия о колхозной жизни, встреченная зрителями с большим энтузиазмом, определила для Пырьева выбор жанра и темы на годы вперед. Режиссер ставит музыкальные комедии «Трактористы» (1938), «Свинарка и пастух» (1941) о битвах за урожай, о веселых и неутомимых передовиках. Эти феерии, не имевшие ничего общего с реальной жизнью, тем не менее, полюбились рядовому зрителю.
В годы войны Пырьев снял фильм «Секретарь райкома» (1942), в котором остался верным жанровому кино, показав партизанскую войну в духе приключения с элементами детектива. Затем режиссер снял музыкальную мелодраму «В шесть часов вечера после войны» (1944, Государственная премия СССР, 1946), полную предчувствия грядущей Победы. «Сказание о земле Сибирской» (1948, Государственная премия СССР, премия международного кинофестиваля в Марианске-Лазне) представляет любопытное смешение жанров мюзикла, мелодрамы и оратории. «Кубанские казаки» (1950, премия международного кинофестиваля в Карловых Варах, 1950, Государственная премия СССР, 1951) стали вершинным достижением режиссера на поприще музыкальной кинокомедии. Лирически-водевильный сюжет, замечательные песни И. О. Дунаевского, которые сразу запела вся страна, счастливая колхозная жизнь хотя бы на экране все это снискало картине всенародную любовь зрителей, уставших от ужасов пережитой войны и послевоенного лихолетья. В 1954 снял фильм «Испытание верности» в ключе сентиментальной семейной драмы.
В 1950-60-х гг. И. Пырьев руководил «Мосфильмом», затем его II объединением, где поддерживал многих молодых режиссеров, позднее ставших знаменитыми. В эти же годы Пырьев обращается к творчеству Достоевского, экранизирует его романы «Идиот» (1958), прочитанный режиссером увлеченно и страстно, хотя и несколько односторонне, «Белые ночи» (1960), наименее удачная работа режиссера, «Братья Карамазовы» (1968, трехсерийный, специальный приз международного кинофестиваля в Москве, 1969), одна из любопытнейших попыток экранного осмысления Достоевского. Третья серия фильма была закончена К. Ю. Лавровым и М. А. Ульяновым. Наибольшее отражение в фильме нашла сюжетно-драматическая сторона романа, но Пырьеву по-своему, интересно и противоречиво удалось передать сложный психологический мир героев Достоевского.
Фильмография
1. 1929 — Посторонняя женщина 2. 1930 — Государственный чиновник 3. 1933 — Конвейер смерти (Товар площадей) 4. 1936 — Партийный билет 5. 1937 — Богатая невеста 6. 1939 — Трактористы 7. 1940 — Любимая девушка 8. 1941 — Свинарка и пастух 9. 1942 — Секретарь райкома 10. 1944 — В 6 часов вечера после войны 11. 1948 — Сказание о земле Сибирской 12. 1949 — Кубанские казаки 13. 1951 — Мы за мир (с Й. Ивенсом) 14. 1954 — Испытание верности 15. 1958 — Идиот 16. 1959 — Белые ночи 17. 1960 — Совершенно серьёзно 18. 1962 — Наш общий друг 19. 1964 — Свет далёкой звезды 20. 1968 — Братья Карамазовы
Cценарии
1. 1959 — Белые ночи 2. 1962 — Наш общий друг (совместно с Владленом Логиновым) 3. 1968 — Братья Карамазовы
Награды и премии
* Сталинская премия первой степени (1941) — за фильм «Трактористы» (1939) * Сталинская премия второй степени (1942) — за фильм «Свинарка и пастух» (1941) * Сталинская премия второй степени (1943) — за фильм «Секретарь райкома» (1942) * Сталинская премия второй степени (1946) — за фильм «В шесть часов вечера после войны» (1944) * Сталинская премия первой степени (1948) — за фильм «Сказание о земле Сибирской» * Сталинская премия второй степени (1951) — за фильм «Кубанские казаки» (1949) * Международная премия мира (1952) — за документальный фильм «Мы за мир» (1951) * народный артист СССР (1948) * специальный приз жюри МКФ (1969) — за выдающийся вклад в киноискусство (посмертно)
Фаина Георгиевна (Григорьевна) Раневская (27 августа 1896, Таганрог — 19 июля 1984, Москва) — советская актриса театра и кино, народная артистка СССР (1961), трижды лауреат Сталинской премии (1949, 1951, 1951).
Лауреат Государственных премий СССР (1949, 1951 - за театральную работу; 1951 - за участие в фильме «У них есть Родина») Включена в десятку выдающихся актрис 20 века (1992, «Who is who», Лондон)
Детство Фаина Раневская родилась 27 августа (15 - по старому стилю) 1896 года в г. Таганроге в в состоятельной еврейской семье. Отец – Фельдман Гирши Хаймович – был владельцем фабрики сухих красок, нескольких домов, магазина и парохода «Святой Николай». Мама – Фельдман Милка Рафаиловна (в девичестве Заговайлова (из некоторых источников – Валова)). В семье было четверо детей – два брата и старшая сестра Белла. Когда Фаине было 5 лет, умер младший брат.
Как признавалась сама Фаина Георгиевна, она не была счастлива в родительском доме: «Мне вспоминается горькая моя обида на всех окружавших меня в моем одиноком детстве...» Почему же, живя без всяких материальных проблем, в семье, где у нее были еще брат и сестра, горячо любимая мать, девочка чувствовала себя несчастливой и одинокой? Возможно, причина в ее повышенной ранимости из-за легкого заикания, которым Фаина страдала от рождения.
Боясь насмешек, Фаина избегала сверстников, не имела подруг, не любила учиться. С трудом проучившись в младших классах Мариинской женской гимназии, девочка упросила родителей забрать ее оттуда. «Училась плохо, арифметика была страшной пыткой. Писать без ошибок так и не научилась. Считать тоже. Наверное, потому всегда, и по сию пору, всегда без денег…» - признавалась впоследствии Фаина Георгиевна.
В то же время Фаина получила обычное для девочки из обеспеченной семьи домашнее воспитание, обучалась музыке, пению, иностранным языкам, любила читать.
Раневская Увлечение кино пришло Фаине лет в двенадцать. Свое первое впечатление от увиденного она описывала так: «Обомлела. Фильм был в красках, возможно, «Ромео и Джульетта». Я в экстазе, хорошо помню мое волнение…»
Чуть позже началось увлечение девочки театром. Первые посещения городского театра оставили в ее душе неизгладимые впечатления, но настоящее потрясение испытала она в 1913 году, когда побывала на спектакле «Вишневый сад» А.П.Чехова на сцене Московского Художественного театра, где играли звезды тех лет. Кстати, псевдоним «Раневская» именно из этой пьесы. Однажды по дороге домой у Фаины из сумочки выпали деньги, их подхватил ветер, а она смеялась и говорила: «Как красиво они летят!». Ее спутник тогда заметил: «Вы совсем как Раневская». Так и осталась за ней эта фамилия, позже став официальной.
Решение стать актрисой Как признавалась Раневская, профессию она не выбирала – она в ней таилась. После увиденного на сцене, она уже знала, что будет актрисой обязательно. Сдав экстерном экзамены за курс гимназии, Фаина стала посещать занятия в частной театральной студии А.Ягелло. Девушка училась свободно двигаться на сцене, говорить, растягивая слова, чтобы скрыть свое заикание.
Отец снисходительно относился к увлечению дочери до тех пор, пока она не объявила о своем решении стать профессиональной актрисой. Это вызвало скандал и разрыв с семьей. О том, чтобы пойти работать в местный театр, не могло быть и речи. Кроме того, девушка понимала, что ей еще нужно всерьез учиться сценическому мастерству. Поэтому в 1915 году она покинула Таганрог и уехала в Москву.
Провинциальная актриса Надеждам Фаины не было суждено исполниться. Ни в одну из лучших театральных школ она не была принята, и девушка устроилась в частную школу. Но и ее вскоре пришлось оставить, поскольку у Раневской просто не было средств оплачивать обучение.
Зато повезло в другом. К девушке с участием отнеслась актриса Гельцер. Это она порекомендовала Раневскую в Малаховский летний театр под Москвой. И хотя Фаине пришлось играть в массовке, но для нее было настоящим счастьем даже просто находиться рядом с известными актерами. В те годы там играли великая Ольга Осиповна Садовская, Петипа, Певцов. Кстати именно Певцов предрек, что Раневская станет знаменитой актрисой.
Отыграв сезон в Малаховском театре, Раневская в 1916 году подписала договор с антрепризой Ладовской на роли «героинь-кокет» и уехала в Керчь. Но выступления труппы не собирали зрителей, и Раневская покинула антрепризу. Начались ее скитания по провинциальным театрам – Феодосия, Кисловодск, Ростов-на-Дону…
Весной 1917 года вся семья Фельдман эмигрировала, Фаина осталась одна в России. В Ростове она познакомилась с актрисой Павлой Леонтьевной Вульф, в лице которой Раневская обрела надежного друга на всю жизнь. В годы Гражданской войны Вульф приютила Раневскую, а помогал им выжить знаменитый драматург Макс Волошин.
Тогда же Раневская была принята в труппу «Театра актера», главным режиссером которого был Павел Анатольевич Рудин. Актриса успешно дебютировала в роли Маргариты Кавалини в «Романе», а затем играла в спектаклях: «Живой труп», «Последняя жертва», «Без вины виноватые», «На всякого мудреца…», «Гроза», «На дне», «Ревизор», «Женитьба» и других». Одной из лучших работ актрисы была роль Шарлотты в «Вишневом саде».
В 1925 году Павла Вульф и Фаина Раневская поступают в передвижной Театр Московского отдела народного образования (МОНО). Но, просуществовав один зимний сезон, театр закрылся, и актрисы вновь возвращаются в провинцию. Вновь начинаются из скитания - Святогорский театр при санатории донбасских шахтеров, Бакинский рабочий театр. Затем были Гомель, Смоленск, Архангельск, Сталинград и вновь Баку…
Снова в Москве Все эти годы Раневскую не покидает мысль о Москве. В 1930 году она пишет письмо главному режиссеру московского Камерного театра Александру Таирову с просьбой принять ее. Первоначально следует отказ, но затем режиссер меняет свое решение. И вот с 1931 года Раневская становится актрисой этого театра. Дебютирует в Москве Раневская ролью в спектакле «Патетическая соната». Причем дебютирует удачно, но спустя некоторое время спектакль снимают с репертуара…
Поскольку других ролей у нее не было, Раневская в 1935 уходит в Центральный театр Красной Армии. Здесь ей довелось сыграть мать в пьесе «Чужой ребенок», сваху в пьесе Островского «Последняя жертва», Оксану в пьесе Корнейчука «Гибель эскадры» и главную роль в пьесе Горького «Васса Железнова».
В 1939 году Раневскую пригласили в Малый театр. Выступать на сцене, где играла великая Ермолова! Раневская соглашается, но тут возникают неожиданные препятствия. Из театра Красной Армии ее отпускать не хотели, и актриса ушла со скандалом. В то же время старейшины Малого оказались категорически против ее прихода в труппу. В итоге Раневская осталась без работы…
Дебют в кино В кино Фаина Раневская дебютировала в 1934 году, будучи тогда актрисой Камерного театра. Начинающий режиссер Михаил Ромм, увидев ее на сцене, пригласил на роль госпожи Луазо в фильме «Пышка» по знаменитой мопассановской новелле.
Как признавалась Раневская, съемки были очень сложными. Отопление не работало – павильоны сохраняли температуру холодильной камеры, и у актеров зуб на зуб не попадал. Постоянная суета, мучительно долгая установка света, шум аппаратуры, вечная неразбериха…
Фильм снимался в немом варианте. Тем не менее, чтобы лучше прочувствовать роль, Раневская достала подлинник мопассановского рассказа и затвердила несколько фраз госпожи Луазо на языке оригинала.
Приехавший в Советский Союз Ромен Роллан был в восторге от фильма. Среди актеров он выделял в первую очередь Раневскую. По его просьбе «Пышку» продемонстрировали во Франции. И картина прошла там с огромным успехом.
«Муля, не нервируй меня!» После «Пышки», несмотря на успех, Раневская решила больше в кино не появляться – «слишком это все мучительно». Тем не менее, спустя три года она приняла предложение режиссера Игоря Савченко сняться в роли попадьи в фильме «Дума про казака Голоту». К этому времени актриса как раз осталась без работы в театре, и кино захватило ее.
В 1939 году Фаина Раневская снимается сразу в трех кинокартинах. В фильме «Человек в футляре» режиссера Анненского она сыграла роль жены инспектора, в картине «Ошибка инженера Кочина» режиссера Мачерета - роль жены портного Гуревича – Иды. Но настоящую известность актрисе принесла комедия Татьяны Лукашевич «Подкидыш».
В «Подкидыше» Раневская сыграла самоуверенную, командующую подкаблучником-мужем женщину. Актриса специально для своей роли придумала несколько хлестких фраз. Одна из них - Муля, не нервируй меня – стала по-настоящему крылатой. Эта фраза впоследствии преследовала ее всю жизнь. При виде актрисы мальчишки на улице начинали кричать: «Муля, не нервируй меня!».
Все это необычайно раздражало Раневскую, со временем она стала просто ненавидеть роль, давшую ей популярность. Как-то она даже призналась в этом Анне Ахматовой. «Сжала руки под темной вуалью» – это тоже мои Мули, - ответила она.
Много, много лет спустя, когда Леонид Ильич Брежнев вручал Фаине Георгиевне Раневской орден Ленина, то и он не смог удержаться - скорчил рожу и пропищал: «Муля, не нервируй меня!». Фаина Георгиевна раздраженно пожала плечами и сказала: «Леонид Ильич, ко мне так обращаются только невоспитанные уличные мальчишки!» Брежнев страшно смутился и тихо ответил: «Извините, просто я вас очень люблю». На чем инцидент и исчерпался.
«Мечта» В 1940 году Михаил Ромм пригласил Фаину Раневскую сниматься в социально-психологической драме «Мечта». Актриса рассказывала: «За всю долгую жизнь я не испытывала такой радости ни в театре, ни в кино, как в пору нашей второй встречи с Михаилом Ильичем. Такого отношения к актеру – не побоюсь слова «нежного», - такого доброжелательного режиссера-педагога я не знала, не встречала. Его советы, подсказки были точны, необходимы. Я навсегда сохранила благодарность Михаилу Ильичу за помощь, которую он оказал мне в работе над ролью пани Скороход в «Мечте», и за радость, когда я увидела этот прекрасный фильм на экране».
Эту картину Михаил Ромм стал снимать после того, как побывал в Западной Украине, присоединенной к нашей стране в конце 30-х. Впечатления от увиденного и легли в основу фильма. Раневская сыграла роль хозяйки меблированных комнат - мадам Розу Скороход. Эта работа открыла огромное трагическое начало в таланте Фаины Раневской. В ее героине парадоксально смешивались сострадание и жесточайшая беспощадность к тем, кто ниже ее по социальному статусу, всепоглощающая скупость и такая же безмерная любовь к сыну-неудачнику, ради которого она живет, трудится, совершает низости, понимая в глубине души всю бесполезность этих усилий… Выдающийся драматург Теодор Драйзер высоко оценил игру актрисы.
«Свадьба» После начала войны Фаина Раневская была эвакуирована в Ташкент, где пробыла до 1943 года. В 1943 году Раневская вернулась в Москву, и была принята в Театр драмы (ныне - театр имени Вл. Маяковского). Она снялась в нескольких рядовых фильмах, после чего была приглашена на роль Мамаши в фильме «Свадьба».
Режиссер Исидор Анненский собрал великолепный актерский ансамбль. Помимо Фаины Раневской, в «Свадьбе» снялись: Эраст Гарин, Зоя Федорова, Алексей Грибов, Осип Абдулов, Михаил Яншин, Сергей Мартинсон, Вера Марецкая, Николай Плотников, Михаил Пуговкин и многие другие. Фаина Раневская позже высказывалась о картине и о самом режиссере весьма отрицательно, считая, что Анненский, во-первых, полностью извратил чеховскую прозу, а во-вторых, не использовал в полной мере талантливых актеров.
Права или нет Фаина Георгиевна, но комедия «Свадьба» на долгие годы стала одним из любимейших зрителями фильмов. Сколько фраз из фильма стали крылатыми. Вспомните коронное выражение Осипа Абдулова «В Греции все есть», или фразу Фаины Раневской «Хочут свою образованность показать». К тому же, представляя собой неиссякаемый кладезь российского остроумия, «Свадьба» беспристрастно описывает человеческие пороки и заблуждения. Пошлейшая история «свадебных разборок» в семье мещан Жигаловых, пытающихся во что бы то ни стало заполучить в женихи капризного чиновника Апломбова, превращается в подлинную энциклопедию национальных характеров.
Сама Раневская, создавая образ, пользовалась наблюдениями из реальной жизни. «Похожести гримом тут не добьешься. Я ведь напяливала платье, подтягивала кверху нос, надевала парик и шляпку и выходила на съемочную площадку, почти не гримируясь. Все дело тут в манере говорить, слушать, думать. Ходить и жестикулировать - это уже потом», - признавалась она.
«Весна» После войны Фаина Раневская сыграла несколько заметных ролей. В 1947 году на экраны вышла комедия Григория Александрова «Весна» с Любовью Орловой и Николаем Черкасовым в главных ролях. Фаине Раневской в сценарии отводился лишь один эпизод: ее героиня Маргарита Львовна подавала завтрак своей знаменитой племяннице.
Александров предложил актрисе самой сделать себе роль. Раневская придумала множество веселых фраз и диалогов. Вместе с Ростиславом Пляттом они внесли в картину комедийную, характерную, водевильную стихию. Помните разговор по телефону: «Скорую помощь! Помощь скорую! Кто больной? Я больной. Лев Маргаритович. Маргарит Львович». В итоге играющие роли второго плана Фаина Раневская и Ростислав Плятт запомнились зрителям даже больше, чем главные герои.
«Золушка» В том же году Раневская сыграла мачеху в знаменитой сказке «Золушка» режиссера Надежды Кошеверовой. Эта картина одна из немногих, принесших актрисе настоящую радость. Раневская сыграла с присущей ей яркостью, правдоподобностью. Г. Скороходов в книге «Разговоры с Раневской» говорил: «В ее Мачехе зрители узнавали, несмотря на пышные «средневековые» одежды, сегодняшнюю соседку-склочницу, сослуживицу, просто знакомую, установившую в семье режим своей диктатуры. Это бытовой план роли, достаточно злой и выразительный. Но в Мачехе есть и социальный подтекст. Сила ее, безнаказанность, самоуверенность кроются в огромных связях…»
Одна из самых замечательных сцен в фильме с участием Раневской это, безусловно, охота за знаками внимания короля и принца на балу. Возвращаемся к книге Скороходова: «В ней <сцене> все смешно: и то, чем занимается милое семейство, и то, как оно это делает. Раневская здесь, повторим, минимальный соавтор Шварца-сценариста, но полная хозяйка роли. По сценарию дочки сообщают матери о знаках внимания, и та, зная силу документа, немедленно фиксирует в блокноте каждый факт».
Автор сценария Евгений Львович Шварц, как никто другой, болезненно бережно относившийся к каждой фразе, каждому слову в сценарии, Раневской с удовольствием позволял отсебятину. Раневская вспоминала: «Там была еще такая сцена. Я готовлюсь к балу, примеряю разные перья - это я сама придумала: мне показалось очень характерным для Мачехи жаловаться на судьбу и тут же смотреть в зеркало, прикладывая к голове различные перья и любоваться собой. Но для действия мне не хватало текста. Евгений Львович посмотрел, что я насочиняла, хохотнул и поцеловал руку: «С Богом!».
Мачеха - одна из лучших комедийных ролей Раневской. Удивительно, но она – сугубо отрицательный персонаж сказки – вызывает у зрителей настоящий восторг!
Другие работы послевоенных лет Среди других работ Фаины Раневской в послевоенные годы стоит отметить роль бабушки в фильме «Слон и веревочка», где актриса впервые снялась с Наташей Защипиной – тогда еще шестилетней девочкой. Раневская высоко отзывалась о юной актрисе и общалась с ней, как со взрослой.
Еще раз вместе они снялись в 1949 году в драме «У них есть Родина», поставленной по пьесе Сергея Михалкова. Фильм рассказывал о том как советские разведчики, разыскав на территории Западной Германии оказавшийся под присмотром английской разведки сиротский приют с советскими детьми, добиваются возвращения детей на родину...
50-е годы. Работа в театре В 1949 году Раневская уходит из Театра Драмы и поступает на работу в Театр им. Моссовета. Здесь она играла очень мало. Репертуар театра состоял из рядовых, а порой и просто бесцветных и скучнейших спектаклей, приуроченных к очередным советским праздникам. С большим трудом ее уговорили на роль старухи в спектакле «Рассвет над Москвой». Ее героиня по сценарию представляла этакую матерь-совесть, режущую правду-матку. Великая актриса от скуки и раздражения превратила свою роль в капустник на заданную тему, и каждое ее появление на сцене сопровождалось аплодисментами.
Как-то Раневской достался эпизод в пьесе «Шторм». На первую же репетицию актриса принесла огромный талмуд. Все знали: Раневская переписывает роль от руки. Но тут было что-то другое. Она принесла десятки вариантов каждого кусочка, чуть ли не каждой реплики своей роли. Она почти полностью переписала текст, Завадский замер. «Фаина... но драматург, что он скажет?» Драматург прочитал, побагровел и стал так хохотать, что все испугались. «Здесь ничего нельзя менять, - сказал он, - все оставить... как у Раневской». На следующий день актриса принесла еще несколько вариантов. «Оставьте ее, - сказал драматург, - пусть играет как хочет и что хочет. Все равно лучше, чем она, эту роль сделать невозможно».
Раневская так великолепно играла свой эпизод в «Шторме», что затмевала всех остальных актеров, включая и исполнителей главных ролей. Завадский не хотел мириться с этим, и вскоре лишил актрису роли.
Все это, конечно же, не могло устраивать Фаину Георгиевну, и в 1955 году она покинула театр. Она перешла в театр Пушкина - бывший Камерный театр. Одной из причин было то, что именно в Камерном она когда-то начинала свою карьеру. Однако от старого Таировского театра ничего не осталось. Здесь она проработала до 1963 года, но затем ушла и отсюда…
Одиночество За всю свою жизнь Фаина Раневская так и не вышла замуж. Как-то ее спросили, была ли она когда-нибудь влюблена. Раневская рассказала эпизод из своей юности. Она была влюблена в красавца-актера, игравшего вместе с ней в труппе. Однажды актер сказал ей, что вечером придет к ней домой. Раневская нарядилась, накрыла стол… Актер пришел пьяный и с женщиной. «Деточка, погуляйте где-нибудь пару часиков, дорогая моя», - сказал он. «С тех пор не то, что влюбиться – смотреть на них не могу: гады и мерзавцы!» - признавалась Фаина Георгиевна.
Однако в начале 60-х был у Фаины Раневской период, когда она не чувствовала себя одинокой. Она получила письмо от своей сестры Беллы (Изабелла Георгиевна Аплеен), которая жила одно время во Франции, а потом, похоронив мужа, перебралась в Турцию. Сестра была тоже одинока и просила помочь вернуться в СССР. Помогла министр культуры Е. Фурцева.
Несколько лет сестры прожили вместе. Вскоре у Беллы обнаружили рак. Раневская вызывала лучших врачей, проводила с ней – уже безнадежной – ночи. Больница, операция – все было бессмысленно. В 1964 году Белла умерла…
Кино. 50-60-е годы Все это время Раневская практически не снималась в кино. Да и о тех редких работах актриса отзывалась так: «…Снимаюсь в ерунде. Съемки похожи на каторгу. Сплошное унижение человеческого достоинства, а впереди – провал, срам, если картина вылезет на экран».
Фильм «Осторожно бабушка!» (1960) Надежды Кошеверовой, где Раневская сыграла главную роль, получился откровенно провальным. Раневская восприняла это как личной оскорбление и поссорилась с режиссером, которая долгие годы была ее подругой.
Тем не менее, спустя пять лет Кошеверова рискнула вновь пригласить Фаину Георгиевну в свою новую картину. Раневской предстояло сыграть роль директора цирка в фильме «Сегодня новый аттракцион». Роль была неплохой, и актриса после долгих уговоров согласилась. Правда при этом она выдвинула ряд условий. Во-первых, двойная оплата. Во-вторых, актриса заявила, что приедет на студию только один раз, - значит, декорации выстраиваются под нее. Кроме того, ехать она должна в отдельном купе – не над колесами, а в середине вагона. Жить – в «Европейской», причем непременно с видом на Русский музей – в том крыле, где поселяют иностранцев. Любой контракт с животными исключался напрочь (по сценарию директор испытывает к ним патологическую страсть), официально это объяснялось острейшей астматической реакцией. В настоящее время ведущие актеры требуют еще и не это, но в то время такие требования были просто невероятными. И все же режиссер согласилась, хотя на практике условия были выполнены едва ли наполовину.
Роль в картине «Сегодня новый аттракцион» была последней работой в кино Фаины Георгиевны.
Великая актриса В середине 60-х Раневская возвращается в театр к Завадскому. В театре Моссовета она работала до конца своих дней.
Удивительно, но за долгие годы она так и не сыграла ни одной великой роли мирового репертуара. Все экранные и сценические работы Раневской можно перечесть по пальцам. «Я в своей жизни не сделала 99 процентов из ста», - говорила она. Но даже то немногое сделало ее величайшей отечественной актрисой. Лондонский ежегодник «Кто есть кто» включил ее в число десяти лучших актрис ХХ века. И это не случайно. Кто-то из крупных режиссеров сказал о Фаине Георгиевне: «Она может все!» Актриса в совершенстве владела всеми жанрами - от трагедии до фарса. Раневская не играла – она жила своими ролями, как живут своими играми дети, до конца, по полной правды, до счастья. И если она видела равнодушие, работу в полсилы, то была беспощадна, как бывают беспощадны дети.
От непростого характера Раневской страдали окружающие. Так постоянными придирками она довела до слез Ию Саввину. Но потом звонила с извинениями, которые потрясали величественной откровенностью: «Я так одинока, все друзья мои умерли, вся моя жизнь – работа… Я вдруг позавидовала вам. Позавидовала той легкости, с какой вы работаете, и на мгновение возненавидела вас. А я работаю трудно, меня преследует страх перед сценой, будущей публикой, даже перед партнерами. Я не капризничаю, девочка, я боюсь. Это не от гордыни. Не провала, не неуспеха, я боюсь, а – как вам объяснить? – это ведь моя жизнь, и как страшно неправильно распорядиться ею».
За год до своей смерти Раневская отказалась играть на сцене. «Старость, - сказала она, - вещь страшная. Болят все мои косточки. Очень устала, очень. Восемьдесят семь лет! Я не Яблочкина, чтобы играть до 100 лет. Нет, больше на сцену не выйду!»
Умерла Фаина Георгиевна 19 июля 1984 года, после перенесенных инфаркта и пневмонии…
Источник:
Фильмография
1. 1934 — Пышка — Госпожа Луазо 2. 1937 — Дума про казака Голоту — Попадья 3. 1939 — Ошибка инженера Кочина — Ида Гуревич, жена портного 4. 1939 — Подкидыш — Ляля 5. 1939 — Человек в футляре — жена инспектора гимназии 6. 1940 — Любимая девушка — тетка Добрякова 7. 1941 — Мечта — Роза Скороход 8. 1941 — Как поссорился Иван Иванович с Иваном Никифоровичем — Горпина 9. 1942 — Александр Пархоменко — таперша 10. 1943 — Новые похождения Швейка («Солдатская сказка») — тетушка Адель 11. 1943 — Три гвардейца («Родные берега») — Директор музея 12. 1944 — Свадьба — Настасья Тимофеевна 13. 1945 — Небесный тихоход — профессор медицины 14. 1945 — Слон и верёвочка — бабушка 15. 1947 — Весна — Маргарита Львовна 16. 1947 — Золушка — Мачеха 17. 1947 — Рядовой Александр Матросов — военврач 18. 1949 — Встреча на Эльбе — миссис Мак-Дермот 19. 1949 — У них есть Родина — фрау Вурст; Сталинская премия третьей степени (1951) 20. 1958 — Девушка с гитарой — Свиристинская 21. 1960 — Осторожно, бабушка! — бабушка 22. 1960 — Драма — Мурашкина 23. 1963 — Так и будет 24. 1964 — Лёгкая жизнь — Маргарита Ивановна, «Королева Марго» 25. 1964 — Фитиль № 25 — Гадалка в сюжете «Карты не врут» 26. 1964 — Фитиль № 33 — гражданка Пискунова в сюжете «Не поеду» 27. 1965 — Сегодня — новый аттракцион — директор цирка 28. 1965 — Первый посетитель — старая дама 29. 1980 — Комедии давно минувших дней
Озвучивание мультфильмов
# 1943 — «Сказка о царе Салтане» # 1970 — «Карлсон вернулся» — фрекен Бок
Роли в театре
* Васса («Васса Железнова» Горького, 1936) * Берди («Лисички» Л. Хеллман, 1945) * Манька-спекулянтка («Шторм» В. Н. Билль-Белоцерковского, 1951) * Бабушка («Деревья умирают стоя» А. Касона, 1958) * Этель Сэвидж («Странная миссис Сэвидж» Дж. Патрика, 1966) * 1969 — «Дальше — тишина» Вина Дельмар. Режиссёр: Анатолий Эфрос — Люси Купер * Филицата («Правда — хорошо, а счастье лучше» А. Н. Островского, 1980)
Награды
* Народная артистка СССР (1961) * Сталинская премия второй степени (1949); за исполнение роли жены Лосева в спектакле «Закон чести» А. П. Штейна * Сталинская премия второй степени (1951); за исполнение роли Агриппины Солнцевой в спектакле «Рассвет над Москвой» А. А. Сурова * Сталинская премия третьей степени (1951); за исполнение роли фрау Вурст в фильме «У них есть Родина» * Орден «Знак Почёта» (1947) * Орден Трудового Красного Знамени (1950, 1967) * Орден Ленина (1976)
Пётр Мартынович Алейников (12 июля 1914, деревня Кривель Могилёвского уезда Могилёвской губернии (сейчас Шкловский район) — 9 июня 1965, Москва) — советский киноактёр.
Путь в кино
Родители умерли в начале 1920-х. Старшие сестра Катерина и брат Николай, погибли в 1932 году.
Воспитанник Могилевской детской коммуны. В начале 30-х приехал в Ленинград, где поступил на курс Сергея Герасимова в Ленинградский институт сценических искусств.
Первые роли
Первую эпизодическую роль в кино сыграл в фильме "Встречный" (1932), затем была роль Петьки в "Крестьянах" (1935).
Однако это были не те роли, которые могли сделать его известным. По-настоящему открыл Алейникову путь в кинематограф Сергей Герасимов, пригласив его на роль Петьки Молибога в фильм "Семеро смелых" (1936).
Это фильм о молодых полярниках, уехавших на поиски олова в Заполярье, о стойкости и смелости героев в суровых условиях далекого Севера. Режиссеру Сергею Герасимову удалось соединить достижения немого кино с возможностями звукового кино. Съемочная группа много ездила во время съемок в экспедиции, стремясь воссоздать реальную среду происходящих в фильме событий. Актеры поднимались на ледники Эльбруса, жили на островах Баренцова моря среди непуганых птиц, осваивали лыжный и парашютный спорт в Хибинах.
Затем были роли в популярной музыкальной комедии "Трактористы" (1939), сказке "Конек-Горбунок" (1941), где он сыграл главную роль.
Случались и посредственные фильмы. Так в 1940 году Алейников снялся в фильме "Случай в вулкане". Уже во время съемок стало ясно, что фильм обречен на провал. Сценарий никчемный, сюжет скучный и надуманный, герои бесцветные. Режиссер, довольно посредственный, пытался что-то выжать из картины, но, кроме ссор и размолвок на площадке, ничего не получалось. Тут проявился характер Алейникова. Когда ему в конце концов все это порядком надоело, он не выдержал, спустил брюки, повернулся к режиссеру спиной и сказал: "Вот ты кто, а не режиссер!" После чего покинул съемочную площадку.
Любимец зрителей
И все же удачных фильмов в биографии Петра Мартыновича было гораздо больше. В 1946 году он снялся в роли Вани Курского в киноромане "Большая жизнь". После этого фильма к актеру навсегда прилипло имя его героя. Его и после смерти называли Ваней Курским. Может быть, еще и потому, что больше достойных ролей ему и не предлагали…
Обаяние, подкупающая искренность, заразительная жизнерадостность его героев сделали Алейникова одним из любимых актеров 1930-1940-х годов. Лукавство и неподдельный задор героев Алейникова симпатизировали народу, в то время как большинство плакатных, безликих персонажей только и делали, что подавали пример и призывали к чему бы то ни было.
В сороковые годы ХХ века Петр Алейников был предметом обожания всей Страны Советов. Алейников пользовался авторитетом даже среди уголовников - "обчистить" его квартиру у них считалось делом нехорошим, и ни один домушник на это так и не сподобился. Хотя других артистов, исполнителей официозных ролей, эта участь стороной не обходила. Начальство же любило его гораздо меньше: человек он был сильно пьющий, ни в какие рамки не укладывался, партийного "политесу" не признавал.
Последней работой в кино был не очень удачный кинороман "Утоление жажды" (1965). За главную роль в этом фильме П.Алейников посмертно в 1968 году получил приз Всесоюзного кинофестиваля. Больше крупных наград в его жизни не было.
Творчеству Алейникова посвящен фильм "Петр Мартынович и годы большой жизни" (1976).
Сын Петра Мартыновича - Тарас Алейников - кинооператор. Дочь Арина Алейникова - актриса.
Источник:
Фильмография
1. 1932 — Встречный — молодой рабочий 2. 1935 — Крестьяне — Петя 3. 1936 — Семеро смелых — поварёнок Молибога 4. 1936 — Федька 5. 1937 — За советскую Родину — Эйно 6. 1938 — Комсомольск — Петька Алейников 7. 1939 — Трактористы — Савка 8. 1939 — Большая жизнь — Ваня Курский 9. 1940 — Шуми, городок — Вася 10. 1940 — Пятый океан — Ковтунов 11. 1941 — Случай в вулкане — Шаталов 12. 1941 — Конёк-Горбунок — Иванушка 13. 1941 — Мать 14. 1942 — Александр Пархоменко — Гайворон 15. 1942 — Белорусские киноновеллы 16. 1942 — Непобедимые — Гриша 17. 1943 — Во имя Родины — Ильин 18. 1943 — Она защищает Родину — Сеня 19. 1944 — Большая земля — Костя Коротков 20. 1944 — Небо Москвы — лейтенант Илья Стрельцов 21. 1944 — Морской батальон — Яковлев 22. 1946 — Большая жизнь, 2-я серия — Ваня Курский 23. 1946 — Глинка — А.С.Пушкин 24. 1948 — Драгоценные зёрна — Яшкин, комбайнёр 25. 1948 — Золотой рог — Виктор Соколов 26. 1950 — Донецкие шахтёры — Постойко 27. 1955 — Васёк Трубачев и его товарищи — Русаков-отец 28. 1958 — Шофёр поневоле - водитель грузовика 29. 1959 — Ванька — Егорка Кривой 30. 1959 — Необыкновенное путешествие Мишки Стрекачёва — милиционер 31. 1959 — Отчий дом — Фёдор 32. 1961 — Будни и праздники — Юрий 33. 1965 — Они не пройдут 34. 1967 — Утоление жажды — Марютин
0
